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Archives for April 2019

Domingo Liz

April 6, 2019 By dillon Leave a Comment

EL OZAMA DE 

DOMINGO LIZ

FERNANDO UREÑA RIB

             

 

Vale la pena adentrarse en el equívoco laberinto de calles que desemboca en la Casa Jardín de Ada Balcácer, para ver la exposición “Escritura del Ozama” que Domingo Liz presenta allí desde hace unas semanas.

Liz es un maestro dominicano cuya obra posee calidad y trascendencia universales comparables a la de los grandes maestros latinoamericanos del siglo XX. La declaración no es aventurada ni gratuita. Está sustentada en sus largos años de ejercicio magisterial, en la nitidez y hondura de su oficio y en una concepción creativa muy propia de su quehacer.

Que sepamos, sin embargo, la obra de Liz ni ha sido lo suficientemente prolífica ni ha tenido la difusión extensa que ostentan otros maestros, coetáneos suyos, . Esta breve y contundente colección de pinturas demuestra que él la merece.

Domingo Liz contempla y plasma su visión de la evolución y el deterioro del paisaje en torno al río Ozama ocurrido en el lapso de cuatro décadas. Esa visión, como se revela en las pinturas que presenta, es a veces la visión de un niño. La visión pura de un niño, cabría decir. De un niño exaltado, apasionado, vehemente. Pero su mano, es la mano paciente y diestra del maestro. Reunir en una obra la fresca visión de un niño y la mano perspicaz de un maestro es uno de sus grandes logros. Miró, Chagal y Picasso se valieron de ese poderoso recurso. Y en áreas como las de la música y la literatura se podría afirmar que esa visión y ese espíritu asoman de igual modo en Mozart y en Neruda, por ejemplo.

Sin embargo, la similitud termina ahí. Porque la obra de Liz es el testimonio de una realidad presente, palpitante y nuestra. La humanidad es la que se desborda sobre las márgenes del Ozama. No. No es el río el que crece con desmesura. Son los habitantes que se arriman desde los campos, desde los pueblos pequeños y olvidados, desde las áridas dunas del occidente isleño. El Ozama los acoge y poco a poco aquella enmarañada vida selvática se transforma en otra maraña. Techos de dos aguas, alambres, cartones y enlates transfiguran el verdor de la foresta en el gris ansioso y pululante de las fabelas.

Aparte de sus innovaciones estéticas, la obra de Domingo Liz contiene juicios sociales, económicos y políticos que implican tanto una profunda reflexión como una decepción. Los políticos y la clase económicamente poderosa del país han dado la espalda al río Ozama y en vez de convertir sus riveras en hermosos paseos residenciales lo dejaron convertirse en un atolladero.

Por supuesto, las ensimismadas y poderosas clases dirigentes no atendieron las causas que provocaron esa dolorosa migración, ni advirtieron la riqueza y suntuosidad de esas nobles riveras. Históricamente resulta una conducta extraña, porque lo primero que se procuraban conquistadores y colonizadores era un río. Desde las aguas mansas y profundas del Ozama partieron muchas de las grandes hazañas de la conquista.

Ahora la historia es otra. Y Domingo Liz la cuenta. Este narrador conoce las anécdotas del río y de esa muchedumbre que aprendió a gozarlo. Ningún otro pintor dominicano es capaz de construir y reconstruir como él sus escenas de algarabía, de miseria o de duelo. Para la proyección de ese hervidero humano Domingo inserta personajes y objetos, seres apasionados, gente contenciosa o feliz que se burla de la vida y del destino como única manera de subyugarlos.

Todas las armas son válidas. Domingo Liz retrata un mundo que los dominicanos en general ignoramos, pero que está allí y por todas partes nos rodea y nos acecha. Albañiles improvisados, plomeros que no saben la diferencia entre un caño de agua caliente y otro de agua fría, electricistas que se juegan la vida y se tragan los cables. Pero también el señorón del colmado que les paga y la joven señora que los seduce. La ironía es, sobre todo, su arma favorita. Y allí, bajo el caudaloso fluir del Ozama se desborda tanto el dolor como el sutil humor del maestro.

FERNANDO UREÑA RIB

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Eligio Pichardo

April 6, 2019 By dillon Leave a Comment

DRAMA HUMANO EN

ELIGIO PICHARDO

FERNANDO UREÑA RIB

 

Eligio Pichardo es sin duda uno de los pintores dominicanos de mayor fuerza dramática.  En sus lienzos más celebrados del principio de su carrera se caracterizaba este artista, oriundo de Salcedo, en la región del Cibao, por  gruesos empastes gestuales que se sostenían sobre el andamio de una  estructura compositiva geometrizante. Se trata de una pintura sin temores, que asume con valentía el riesgo de la denuncia pública a través de parábolas visuales y un ácido humor que enfatiza lo absurdo de los cánones sociales. 

Eligio fue uno de los primeros egresados de la  Escuela Nacional de Bellas Artes (1948) donde fue profesor de Dibujo junto a los maestros Manolo Pascual y Josep Gausachs. En el 1954 obtuvo una beca  del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, España.

Participó en las Bienales de Sao Paulo, París, México y en la Bienal de Madrid, donde obtuvo el Premio Nicaragua y Medalla de Oro. En el 1958 ganó el Primer Premio Bienal de Santo Domingo, con el cuadro “El Sacrificio del Chivo”. En el 1960 el Segundo Premio con la obra “Crepúsculo en una Aldea” y el Gran Premio de pintura de Bellas Artes en Escultura en el 1948. Fue seleccionado para la colectiva organizada por la Asociación Médica de Puerto Rico, titulada “Maestros del Continente”. Fue contratado por la Galería The Contemporaries de Nueva York para exponer sus obras en 1961, ésta fue comentada por prestigiosos diarios de New York, como The New York Times, Journa American, The Herald Tribune.

Sus cuadros están en colecciones privadas en el país y en el extranjero, como el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México, en el de Arte Contemporáneo de Madrid y la Galería de Arte Moderno.

 

 

 

ELIGIO PICHARDO

Nació en Salcedo en 1929 y murió en Santo Domingo, en 1984.
En 1948 se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde después ocuparía el cargo de profesor de dibujo.

En 1954 fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, España. Realizó numerosas exposiciones en el país y en el extranjero y participó en numerosas bienales: Sao Paulo, Paris, México y la Bienal de Madrid, donde obtuvo el Premio Nicaragua y Medalla de Oro.

En el 1958 ganó el Primer Premio de la Bienal de Santo Domingo con el cuadro “EI Sacrificio del Chivo”; en el 1960 obtuvo el Segundo Premio con la obra “Crepúsculo en una Aldea” y el Gran Premio de Pintura de Bellas Artes en Escultura en 1948.

Fue seleccionado para la colectiva organizada por la Asociación Médica de Puerto Rico titulada “Maestros del Continente”; y luego en el 1961 fue contratado por la Galería The Contemporaries de Nueva York para exponer sus obras, las cuales fueron comentadas muy favorablemente por diferentes periódicos norteamericanos.

Sus cuadros están en varias colecciones privadas en el República Dominicana y en el extranjero, como el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México, en el Arte Contemporáneo de Madrid y la Galería de Arte Moderno. También han sido expuestas en la Galería Sarduy de Nueva York, Nader, de Santo Domingo, Signs de Nueva York y Galería de Arte Moderno de Santo Domingo.


Pichardo es un pintor plena de síntesis y original dramatismo. Su expresivo cabalgamiento sobre simbolismos antillanos a los que imprime elementos de la cultura mulata y de la composici6n social dominicana, tiene poder sociológico. Combina variadísimos aspectos cromáticos y estilísticos en amplio repertorio pictórico. Eligio Pichardo es de los pintores con mas conciencia del oficio que han tenido las artes plásticas nacionales en los últimos años. Es el artista que más ha traducido las vivencias personales desde una técnica acentuada y variada.


Citando a Jeannette Miller: “Eligio Pichardo inicia su obra con un marcado interés nacionalista. Dentro de un dramático expresionismo deformante, el hambre y los ritos de nuestro folklore componen su temática trascendente que influye en los inmediatamente más jóvenes que él. Su intención de expresar el tiempo y la geografía que le tocó vivir le hizo escoger las expresiones mas dramáticas y elocuentes del arte universal pretendiendo ser un eslabón más. Esa intención universalizante lo situó en derroteros formales diferentes que encasillaron su obra por otros lenguajes transformando su inicial agresividad antillana”.

Ha sido considerado como uno de los iniciadores de la pintura moderna dominicana.
Eligio Pichardo es de los pintores con mas conciencia del oficio que han tenido las artes plásticas nacionales en los últimos años. Es el artista que más ha traducido las vivencias personales desde una técnica acentuada y variada.

 

TOMADO DE LAS PÁGINAS DEL MUSEO BELLAPART

 

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Jose Perdomo

April 6, 2019 By dillon 1 Comment

LA IMAGINACIÓN EXALTADA DE

JOSÉ PERDOMO

Fernando Ureña Rib

VER  las pinturas de José Perdomo equivale a adentrarse en las entrañas mismas de su tierra candente, de su isla de fuego, de sus ritos ancestrales. Esa isla es la de Santo Domingo y esos ritos son los de la  magia exaltada de un pueblo que sabe vivir y que aprendió, a través del dolor y la amargura, a descubrir el color, la alegría, la esperanza.   Memorias infantiles, exaltadas por ese ritmo mágico de tambores y atabales, asaltan estos lienzos y lo reclaman para un paraíso en que todavía no se impone la fatalidad.

Pintura de untura libre y de arriesgada composición que estremece el sentido de la vista,  desbordando los límites de lo hasta ahora permitido y jugando con riquezas texturales y estridencias cromáticas que sólo José Perdomo puede manejar con intuitiva sabiduría.

 

FERNANDO UREÑA RIB

 

Jose Perdomo 

(Santo Domingo, República Dominicana.- 1952 )


ESTUDIOS
 • EXPOSICIONES INDIVIDUALES • EXPOSICIONES COLECTIVAS
OBRAS EN COLECCIONES PERMANENTES • PREMIOS Y GALARDONES


ESTUDIOS:

1961-65Escuela Nacional de Bellas Artes, Santo Domingo, República Dominicana.1961-1963Taller de Pintura Paul Giudicelli, Santo Domingo, República Dominicana.1963-65Taller de Pintura Gilberto Hernández Ortega, Santo Domingo, República Dominicana1968-70

Pratts Graphics-Ponce de León y Luis Cannitzer, New York, Estados Unidos
EXPOSICIONES INDIVIDUALES:
1966
Palacio Nacional de Bellas Artes, Santo Domingo, República Dominicana
1980
Cayman Galley, New York, U.S.A.
1982
Cayman Galley, New York, U.S.A.
1984
Galería Altos de Chavón, La Romana, República Dominicana
Museo Nacional de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
Museo de las Casas Reales, Santo Domingo, República Dominicana
1985
Galería de Arte Palewonski, Santo Domingo, República Dominicana.
Galería de Arte Artesana, Santo Domingo, República Dominicana
1986
Galería de Arte Boinayel, Santo Domingo, República Dominicana
Galería de Arte Arteresa, Santo Domingo, República Dominicana
Instituto Dominicano de Cultura Hispánica.
1987
Instituto Dominicano de Cultura Hispánica. Y Editora Taller
1988
Fundación Internacional de Arte Praxis, Lima, Perú
Centro de de la Cultura de Santiago de Los Caballeros, R.D.
1989
Fundación Internacional de Arte Praxis, Lima Perú.
Casa Rodrigo de Bastidas, Santo Domingo, República Dominicana.
Fundación Internacional de Arte, Lima , Perú.
1990
Museo Nacional de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
Galería Arawak, Santo Domingo, República Dominicana.
1991
UASD, Santo Domingo, República Dominicana.
Museo Nacional de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana
1992
Carib Gallery, New York, U.S.A.
1993
Praxis México Arte Internacional, México, D.F.
1995
Miami International Art Exposition, Miami, Florida, U.S.A.
Banco Hipotecario Dominicano, Santo Domingo, República Dominicana.
1996
Miami International Art Exposition,, Praxis International México
Cuartel de Ballajá, San Juan, Puerto Rico., U.S.A.
Galería Coabey, San Juan, Puerto Rico, U.S.A.
1997
Miami International Art Exposition,, Praxis International México
Festivales Internacionales de Lima, Perú.
1998
Museo de Las Américas, San Juan, Puerto Rico.
1999
Miami, Florida, Estados Unidos.
2000
Galería Habitante, Panamá

EXPOSICIONES COLECTIVAS:

1966-79
Alianza Francesa, Santo Domingo, República Dominicana
UASD, Santo Domingo, República Dominicana.
Spanish American Painters And Sculptors, Brooklyn Museum, New York
Spanish American Painters And Sculptors, Bronx Museum, New York
Manufactures Hanover, Trust Company, New York.
Cayman Gallery, New York
1982
Concurso E. León Jiménez Bienal de Grabados, Cayman Gallery, New York.
Galería Arteresa .
1983
Bienal de Santo Domingo, Santo Domingo, República Dominicana.
Hotel Sheraton, Santo Domingo, República Dominicana.
1985
Instituto Dominicano de Cultura Hispánica, Santo Domingo, República Dominicana.
Boinayel Galería de Arte, Santo Domingo, República Dominicana.
1986
Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, Santo Domingo, República Dominicana.
Museo de Arte e Historia, San Juan, Puerto Rico.
Universidad de Puerto Rico, Río Piedras.
Bienal de Miniatura, Del Bello Gallery, Toronto, Canadá.
Panorama de las Artes Plásticas Dominicanas 1950-1986, Santo Domingo, República Dominicana
1987
CICLA, Lima, Perú.
Museo de Arte Italiano, Lima, Perú.
Casa Rodrigo de Bastidas, Santo Domingo, República Dominicana.
1988
Fundación de Arte International Praxis, Buenos Aires.
Centro Des Arts de la Cultura, Pointe-a-Pitre, Guadalupe.
Dominican Tourist Information Center, Inc., New York.
Instituto Dominico Americano, Santo Domingo, República Dominicana.
Galería de Arte Arawak, Santo Domingo, República Dominicana.
Galería Deniel’s, Santo Domingo, República Dominicana
1989
Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
Musée de Luxenburgo.
II Bienal de Cuenca, Ecuador.
Embajada de polonia en Ecuador.
1990
Bienal de Artes Plásticas de Santo Domingo, República Dominicana.
XXII Festival Internacional de la Pintura, Cagnes-Sur-Mer, Francia.
Galería Samagra, Paris.
1991
Altos de Chavón, La Romana, República Dominicana.
Galería Arawak, Santo Domingo, República Dominicana.-
Salón de Arte Bijoux Wizo, Caracas, Venezuela.
1992
Miami Beach Convention, Miami Beach , Florida, U.S.A.
1993
Galerías Habitante, Panamá.
Bienal Nacional de Artes Plásticas, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana
Concurso E. León Jiménez, Santiago, República Dominicana.
1994
Primer Concurso de Pintura Hoteles Barceló, Santo Domingo, República Dominicana.
Carib Art Gallery, New York.
Chicago International Art Exposition, Chicago, U.S.A.
Feria Iberoamericana de Arte (FIA), Caracas, Venezuela.
1995
Feria International en Francfur, Alemania,
International Art of Bruselas, Bélgica.
II Bienal del Caribe, Santo Domingo, República Dominicana.
1996
C & K Ogrzy Collection Fair International Frankfurter, Alemania.
1997
Festival de las Artes Plásticas, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
1998
San Juan, Puerto Rico.
1999
Japón.
2000
Bonn, Alemania.

PREMIOS:

1964
Premio de Pintura, Escuela Nacional de Bellas Artes, Santo Domingo, R.D.
1986
Máximo Galardón Ilustración Poema de Pedro “Hay Un País en el Mundo”.
1989
Mención de Honor, Segundo Salón Nacional de Dibujo, Galería Arawak, Santo Domingo, República Dominicana.
1991
Mención de Honor, Segundo Salón Nacional de Dibujo, Galería Arawak, Santo Domingo, República Dominicana Mención de Honor, Segundo Salón Nacional de Dibujo, Galería Arawak, Santo Domingo, República Dominicana
1992
Premio Dibujo , 18va. Bienal Nacional de Artes Visuales, Museo de Arte Moderno.
Primer Premio de Dibujo, 14vo. Concurso de Arte E. León Jiménez, Santiago, República Dominica.
Medalla de Oro, Primera Bienal Internacional de Centro América y el Caribe, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
Primer Premio de Pintura, Gran Hotel Lina, Concurso de Arte Hoteles Barceló, Santo Domingo, República Domicana.
1994
Premio de Pintura, 4ta. Bienal Internacional de Pintura, Cuenca, Ecuador.
1996
Primer Premio de Pintura, 20ma. Bienal Nacional de Artes Visuales, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana

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Rodolfo Abularach

April 6, 2019 By dillon Leave a Comment

EL OJO AVIZOR DE

RODOLFO ABULARACH

FERNANDO UREÑA RIB

 

EL OJO DE ABULARACH

Rodolfo Abularach aborda y explora intensamente el tema del ojo humano como expresión primordial de su trabajo artístico y consigue, con ese aparentemente simple recurso, reclamar la atención a un estilo propio y a las casi infinitas posibilidades plásticas y comunicativas del tema.

Testigo, espía, hablador silente, avizor, omnipresente faro luminoso, disparo de ira, de intenciones y deseos, el ojo de Abularach es al mismo tiempo una historia, una señal y un símbolo.

Fernando Ureña Rib 

FICHA DEL MUSEO

 

 

 

 

RODOLFO ABULARACH

Currently living in New York, Rodolfo Abularach was born in Guatemala City, Guatemala in 1933 and is considered a Latin American master. He explored the human eye in his early work and this led to his fame and ultimate inclusion in collections in the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York, and in books of Latin American Art History, such as “Art of Latin America: 1900 – 1980” by Marta Traba. Since 1975, he has slowly approached imaginative landscapes, suggesting themes of a more personal nature. Abularach’s works are part of many esteemed collections.

Important Permanent Collections
Metropolitan Museum of Art, New York.
Museum of Modern Art, New York.
Museum of the Americas, Washington, DC
Museo Cuevas, Mexico City.
Museum of International Contemporary Graphics, Fredrikstad, Norway.
Museum of Art, Cairo, Egypt.
High Museum of Art, Atlanta, Georgia.
Museum of Modern Art, Bogota, Colombia.
Museum of the University of Puerto Rico, Puerto Rico.
Museum of Fine Arts, Caracas, Venezuela.
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California.
Museum of Modern Art, Guatemala City, Guatemala.
Museum of the
Museum of Contemporary Art, Sao Paulo, Brazil.
Museum of Art,
Fleming Museum, Vermont.
Museum of Art and History, Geneva, Switzerland.
County Museum, Los Angeles, California.
National Museum of Warsaw, Warsaw, Poland.
Museum of Art, Baghdad, Iraq.
Panarte Museum, Panama.
The Royal Museum of Fine Arts, Copenhagen, Denmark.
Museo del Barrio, New York.
Chase Manhattan Bank Collection, New York.
New York Public Library, New York.
New York, Interchem, New York.
Sala Luis Angel Arango, Bogota, Colombia.
Institute of Spanish Culture, Madrid, Spain.
University of Massachusetts, Massachusetts.
Sala Mendoza, Mendoza Foundation, Caracas, Venezuela.
Cartón y Papel of Mexico, D.F., Mexico.
Interamerican Bank, Washington, DC.
Leticia Guerrero Collection, Bank of Quito, Quito, Ecuador.
Direction of Fine Arts, El Salvador.
Milwaukee Art Center, Milwaukee, Wisconsin.
Central University of Venezuela, Venezuela.
Alternative Center for International Arts, New York.
World Print Council, San Francisco, California.
University of Austin, Austin, Texas.
Bank of Guatemala, Guatemala.

Breve bibliografía sobre el autor
Rivera, William, “Rodolfo Abularach”, en América (Washington). — Vol. 12, tomo12, no.4 (Abr. 1960). — p. 32. No. Top. 116

Rodriguez, Belgica, “Aproximación al arte de Centroamérica I”, en: Arte en Colombia internacional (Bogotá). — No. 46 (Ene.1991). — p. 78-82. No. Top: 2454

Biblioteca Luis Angel Arango (Bogotá), Rodolfo Abularach, Santa Fe de Bogotá, El Banco: 1965. Catálogos de las Exposiciones. –1965-, No. Top: 15556

Galería San Diego, (Bogotá), Abularach, Santa Fe de Bogotá, La Galería: 1976, Archivo Vertical, Artes y Humanidades.

Traba, Marta, Hombre americano a todo color, Bogotá: Ediciones Uniandes, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Editorial Universidad Nacional, 1995. No. Top: 709.04 T71h

Daza, Gloria Inés, “Abularach”, en el El Espectador, Bogotá, (Julio-1971). Archivo Vertical, Artes y Humanidades.

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Beatriz Gonzalez

April 6, 2019 By dillon Leave a Comment

LA CONDICIÓN DE LA MUJER SEGÚN

BEATRIZ GONZÁLEZ

DELEDDA CROS

 

El Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico está presentando como parte de las actividades previas a la Trienal Poligráfica de San Juan, América Latina y el Caribe, una muestra del trabajo gráfico de la artista colombiana Beatriz González.

Su contribución al arte contemporáneo latinoamericano se ha ido consolidando a partir de la década del 70 gracias a una inteligencia visual que ha sabido integrar temas y motivos regionales con tratamientos sumamente eficaces y de gran complejidad simbólica.

Aunque su lenguaje formal ha adoptado elementos del pop norteamericano, sus grabados no reflejan las imágenes que corresponden a una iconografía de consumo y tampoco proponen una visión conformista y complaciente de la realidad social.

Su obra se ha mantenido vinculada a otros problemas y a unos referentes regionales que en nada tienen que ver con modelos derivados de una sociedad tecnológica y que le han permitido incidir críticamente en una diversidad de prácticas que se nutren de los acontecimientos políticos, la crónica roja urbana, los retratos de familia, la historia de los próceres o los comportamientos absurdos y desquiciados de la plutocracia colombiana.

Los grabados de Beatriz González utilizan el tratamiento artesanal como una estrategia que se opone a la manifestación industrializada de la serialidad. Es decir, que la impresión en serie no puede conducir a la producción de un número ilimitado de copias que carezcan de particularidades y calidades plásticas que se distingan a cada uno de los elementos de una misma tirada. En éste proceso de particularización de la copia, Beatriz González incorpora el recurso del accidente y del error como otra forma de fijar los rasgos diferenciales de la copia.

El enfoque de su trabajo gráfico mantiene un tono irónico y distanciado que pone en evidencia la falsedad de ciertos sectores de la sociedad colombiana a través de la utilización de lo cursi o de lo grotesco como una manera de expresar desde su propio lenguaje plástico una visión crítica del entorno social.

Esta forma irónica de acercarse a la realidad social colombiana podemos apreciarla en la obra titulada “Decoración de Interiores” donde la artista utiliza una fotografía que aparece el presidente Julio César Turbay Ayala en una fiesta privada. La imagen de Turbay Ayala la transfiere a una serigrafía impresa sobre tela y esta a su vez se cose sobre una cortina de baño que transforma el acto del presidente en una figura desprovista del peso institucional al ser reducido aparte de su diseño con una función doméstica decorativa.

“Lo más valioso del trabajo de Beatriz González”, según afirma la critica Marta Traba, “es que consigna hacer de su obra una unidad de sentido que sin moverse de lo regional, es capaz de transmitir lo regional como una vivencia donde se expresan concepciones humanas y estéticas extremadamente amplias y complejas”.

DELEDDA CROS

BEATRIZ GONZÁLEZ

 

Pintora, historiadora y crítica de arte santandereana (Bucaramanga, 1938). Beatriz González Aranda estudió Bellas Artes con Juan Antonio Roda en la Universidad de los Andes e hizo un curso de grabado en la Academia Van Beeldende Kunsten de Rotterdam. Como historiadora ha publicado: Ramón Torres Méndez, entre lo pintoresco y la picaresca (1985), Roberto Páramo, pintor de la sabana (1986), José Gabriel Tatis, un pintor comprometido (1987), Fídolo Alfonso González Camargo (1987) y “Las artes plásticas en el siglo XIX”, en la Gran Enciclopedia de Colombia (1993). Beatriz González tiene una amplia producción que se remonta a los primeros años sesenta. En 1964 se presentó por primera vez en Bogotá con una exposición sobre La encajera del pintor holandés del siglo XVII Jan Vermeer. Inspirada en este cuadro, Beatriz González realizó una serie de variaciones de indiscutible buen gusto. Su obra se caracterizó por los colores vivos y planos y las composiciones armónicas. Posteriormente vinieron, en 1965, las variaciones sobre La niña-montaje, en las que reafirmó su refinamiento cromático.

Este mismo año realizó las dos versiones de Los suicidas del Sisga (segundo premio especial en Pintura del XVII Salón de Artistas Nacionales, 1965), trabajadas a partir de una fotografía de prensa, con las que se inicia su obra más característica, siempre relacionada con el país y lo colombiano y plenamente consciente de que sólo desde lo provinciano se puede alcanzar lo universal: «Yo creo que el arte es universal y que eso de la pintura colombiana son tonterías. Creo que lo que más daño le ha hecho al arte colombiano fue tratar de ser colombianista. Uno debe tratar de ser universal, lo demás viene por añadidura». A Los suicidas del Sisga [ver tomo 6, p. 131] siguieron, según inventario de Marta Traba, los próceres de la historia extensa de Colombia, los retratos de familias “decentes” que se publicaban en los periódicos, los episodios de las páginas sociales y la crónica roja, las escenas ingenuas pintadas en los buses, las estampas populares y los cromos de venta en el pasaje Rivas y en la populosa carrera décima de Bogotá, recorrida por el servicio doméstico atraído a la capital. En toda su obra, Beatriz González alude no sólo a una manera de ser, a una idiosincrasia peculiar, sino también al gusto «de la gente», que la artista trata como socióloga, aunque sin dejar de incluir una dosis de ironía: «Mi pintura no es la búsqueda de un fin por intermedio de temas irónicos, sino una pintura con temperatura. No hago objetos cursis con la misma especie de morbosidad que mueve a ciertas personas a coleccionar objetos del llamado mal gusto. No creo que la sociedad en que trabajo sea cursi sino desmedida, en todas las proporciones y sentidos […]». «A mí lo que me interesa es el gusto. Me interesa el porqué una persona coloca estas cosas y no otras en su casa. Si hubiera sino una artista conceptual, desde el 70 habría puesto una tarjeta diciendo: vayan y vean la casa de zutano. Y otra: vayan y vean la casa de fulano. Pero como soy una artista a la antigua, necesito pintar y pinto. Yo me pregunto porqué diablos me llamó la atención la foto de los suicidas en el periódico. ¿Fue el gris de la cara, igual a unos trabajos que estaba realizando, o fue la cosa popular de dos personas que entran en un pacto suicida y que unen sus manos para una foto que envían a sus familiares? Pero no, porque el tema lo leí después. Era la foto, el sombrero que él llevaba, en fin […] En mí hay una predisposición a mirar el gusto de la gente».

Paralelamente a estas obras realizadas a partir de fotografías de prensa y cromos populares, Beatriz González ha trabajado numerosas versiones de obras de grandes maestros. Desde La encajera de Vermeer hasta el Guernica de Pablo Picasso, titulado Mural para fábrica socialista, la artista ha hecho variaciones de Leonardo da Vinci, Rafael, Sandro Botticelli, Jean-AugustDominique Ingres, Jean-François Millet, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Edgar Degas, Pierre-August Renoir, Georges Braque, etc. Dos razones han llevado a Beatriz González a trabajar con obras famosas de la historia de la pintura: su inhabilidad para componer y su admiración por las obras artísticas. La pintora confiesa tener una visión prejuiciada de la historia del arte. A toda hora, en todas partes, asocia experiencias visuales con cuadros famosos. A partir de un objeto cualquiera, a partir de la textura de una madera o de la forma de un mueble, surge la asociación estética. Así, por ejemplo, de unos toalleros en forma de concha surgió la imagen de la obra de Boticelli El nacimiento de Venus; de una lámina de madeflex estriado, un bodegón de Braque; de un peinador con espejo circular un tondo de Rafael. Otras veces, el procedimiento es a la inversa: a partir de un cuadro surge la idea del objeto donde debería estar su composición. Así surgieron los telones inspirados en Edouard Manet, Claude Monet y Paul Gauguin.

Como la artista trabaja sobre superficies de diversos materiales y texturas (láminas de metal, maderas varias, toallas, hules, cubrelechos, etc.) debe inventar constantemente nuevas facturas. Con óleos, esmaltes o acrílicos, Beatriz González no sólo domina cada una de las técnicas, sino que trabaja con una gama muy variada de colores. Desde sus óleos sobre lienzo de comienzos de su carrera, hasta los telones pintados en acrílico y el Guernica (1981), realizado en esmalte sintético sobre tablex, pasando por sus numerosos esmaltes sobre lata (muchos instalados en muebles como “marcos”), Beatriz González se ha dado el lujo de dominar los medios y procedimientos y, sobre todo, de transvasar con talento las pinturas en que se inspira. Porque si es cierto que Beatriz González copia la composición de las obras del pasado, no hay duda de que siempre inventa una nueva relación cromática y muchas veces también un nuevo procedimiento. Desde comienzos de los ochenta, su producción se ha centrado, siempre con el apoyo de las fotografías de prensa, en la realidad colombiana. Desde sus numerosos trabajos relacionados con la figura del presidente Julio César Turbay (dibujos al grafito, la serigrafía Decoración de interiores) hasta sus dramáticas versiones de la muerte del narcotraficante Gonzalo Rodríguez Gacha (Retratos mudos), pasando por Las Ibáñez, las viñetas de la tragedia (Un uxoricidio) y la comedia (Turbay condecorando a un personaje), los temas relacionados con los presidentes de la República (Plumario colombiano, Los papagayos, Sr. Presidente qué honor estar con Ud. en este momento histórico, alusivo a los acontecimientos relacionados con la toma del Palacio de Justicia en 1985), el ciclista Martín Emilio Rodríguez “Cochise”, el ciclista Lucho Herrera y su apoteosis con el presidente Virgilio Barco, el futbolista René Higuita, los soldados vestidos en traje de campaña, los hombres asesinados etc., hay ahora un exclusivo y profundo interés por todo lo nacional, tanto desde el punto de vista histórico como desde el de la actualidad. Pero el cambio no es solamente temático, también es formal y de contenido. El manejo de los elementos formales (planos, colores, composiciones) es ahora más complejo y descarnado y la intención de decir, a través de aquellos elementos, cuán caótica y dramática es la situación, es más escueta y aladina. La artista no hace concesiones a nada, su tono se ha vuelto severo. Esto no significa que sus cuadros hayan perdido la calidad artística que los ha caracterizado: muy lejos de cualquier noción de belleza, sus representaciones siguen atrayendo por las convincentes relaciones de las formas y de éstas con sus contenidos. Como acertadamente lo ha señalado Luis Caballero, el color de sus cuadros sigue siendo refinado, aun en las armonías más absurdas, y la línea de sus dibujos sigue siendo acertada dentro de las torpezas más sofisticadas. Con ocasión del Quinto Centenario del descubrimiento de América en 1992, Beatriz González realizó una serie de serigrafías con el tema de un indígena en una barca. Aparte de sus pinturas y dibujos, González tiene una extensa producción de grabados [Ver tomo 6, Arte, pp. 130 y 131].

 

BEATRIZ GONÁLEZ

Bucaramanga, Colombia 1938

1959-62 Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de los Andes (Bogotá), donde obtuvo la maestría.

1990
EXPOSICIONES RECIENTES

Retrospectivas
Beatriz González una década

1980-1990 Museo de Arte Universidad Nacional, Bogotá, Colombia
Colectivas
XXXIII Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia
Arrtistas Santandereanos en la década de 1960, Banco de la Republica y Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Colombia, Octubre

1991
Colectivas
Dibujantes Latinoamericanos de hoy, Museo de San Diego, California, Estados Unidos
Painting, Misión Permanente de Colombia Ante las Naciones Unidas, Nueva York, Estados Unidos
Reencuentro, Juan Antonio Roda, Beatriz González, Luis Caballero y Lorenzo Jaramillo, Galería Garcés Velásquez.

1992
Individuales
1/500 Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia

Colectivas

America, la novia del sol, Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica
Ante América, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá, Colombia
XXXIV Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia

1993
Colectivas

The Feeling of Space Colombian Sculpture I, Colombian Center, Nueva York, Estados Unidos.
Por Humor al Arte, Biblioteca Luis Angel Arango, Banco de la República, Bogotá, Colombia

1994
Retrospectivas

Beatriz González, restrospectiva,Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
El Color de la Muerte, Sala de Arte Suramericana, Medellín, Colombia

Colectivas
XXXV Salón Anual de Artistas Colombianos, Corferias, Bogotá, Colombia

1995

Retrospectivas

El Color de la muerte, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia

Colectivas

Mujeres artistas en latinoamérica, itinerante por el Museo de Arte de Milwakee, Wisconsi, Estados Unidos, 3 de marzo/28 de mayo; el Museo de Arte de Phoenix, Arizona, Estados Unidos, 7 de junio/1 de octubre; el Museo de Arte y el Museo de las Américas, Denver, Colorado, Estados Unidos.
Bienal de Kwangju 1995 , Kwangju Corea, 20 de septiembre/20 noviembre
Arte, políitica, religión Artistas Contemporáneos Colombianos, Warwich Arts Center, Coventry, Inglaterra.
XI Muestra de Grabado Ciudad de Curitiba, Curitiba, Brasil, 21 de octubre 29/diciembre

1996
Retrospectivas

30 años en la obra gráfica de Beatriz González, itinerante por las sucursales del Banco de la República, Colombia

Colectivas

Mujeres Artistas en Latinoamérica, National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. Estados Unidos.
Centro para las Artes, Miami, Estados Unidos
América Latina 96, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
Arte, política religión, Artistas Contemporáneos Colombianos, Barbican Centre, Londres, Inglaterra, Galería Teorema, Bruselas, Bélgica, Centro Cultural Melina Mercury, Atenas, Grecia, Universidad de Essex, Inglaterra.
Premios Nacionales Uniandinos, Galería Espacio Alterno, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Autorretrato Colombiano del Siglo XX, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia
1997
Individuales

Beatriz González, Las Delicias, Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia

Colectivas

Arco 97, Galería Garcés Velásquez, Madrid, España
Re aligning Vision , Alternative Currents in South American drawing, el Museo del Barrio, Nueva York, Estados Unidos, Arkansas Art Center , Little Rock, Arkansas Estados Unidos

 

 

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