LOS MONSTRUOS SOLITARIOS DE

AQUILES AZAR

Fernando Ureña Rib

Hay una benévola humanidad detrás de las figuras  deformadas que nos presenta el excelente dibujante y pintor Aquiles Azar (1932-). Su trazo es ágil, nervioso, tenso. Tras la maraña de líneas y de gestos discurre una bondad amable que inspira ternura. Aquiles Azardibuja su propio asombro ante la vida y busca la belleza de la existencia aun en los objetos y personajes mas humildes y menos notables. Un loco, un mendigo, un niño que llora, un lagarto que juega, un búho solitario que nos observa con intensidad desde el corazón de la noche.  El resalta, como ningún otro pintor, la dignidad de todo lo que es tenido a menos. 

Fernando Ureña Rib

 

ARTE DOMINICANOAQUILES AZAR

El camino de la persistencia

Por Rafael García Romero

Aquiles Azar es un artista plástico consumado, con un exquisito talento que fecunda y ensancha la persistencia. En el dibujo siempre. Y siempre fiel. En el dibujo ha resultado muy incisivo y perspicaz. Expresivo. Todo un gladiador de innúmeras batallas pictóricas. Expositor perpetuo y primer crítico de su arte. En importantes espacios de exposiciones temporales del país ha dejado su huella. Hizo historia conjunta con los profesores que modeló la primera hornada de artistas que salió de la Escuela de Bellas artes. Ahora es dueño y arquitecto de su propio destino, agudo, incisivo, revelador. En su mundo no hay retos, sino trabajo. Rey Midas de la tinta negra y la plumilla. Todo lo convierte en dibujo. Entiéndase: el dibujo es la piedra preciosa del arte. En cuanto a otras formas de la plástica, también es dueño de colores y propuestas propias que modela y delimita en formatos, acrílicos y óleos. En medio de sus avatares pictóricos hace tiempo para cuestionar sus orígenes, meditar sobre el presente y saber con certeza el camino que quiere para su arte.

De Aquiles Azar

La conexión con las artes plásticas de Aquiles Azar fue temprana. Era un niño y el carbón rústico fue el primer instrumento. Esa aventura temprana lo lleva a la academia, ya que estudió con George Hausdorf. Allí derivaría en el lápiz y la tinta. La actitud de aprender no la deja. Así que una vez abrió la Escuela Nacional de Bellas Artes entra y estudia (1946-50) por recomendación e iniciativa de su profesor Hausdorf. En medio de su trayectoria hace una reflexión. La escuela siempre fue de alta motivación para él: “Siempre me gustó aprender y estudiar y hoy con los años sigo estudiando y aprendiendo”.

Ahora. Muchos años después, el Museo de Arte Moderno monta su retrospectiva “La persistencia de Aquiles”. En realidad, la gran cantidad de cuadros, dibujos, óleos delimitó la exposición en una muestra antológica. Una frase de él, ante un cuadro de su autoría, resume el plan de su trabajo cotidiano: Dibujo y vivo. Aprendo a dibujar y continuaré dibujando.

En un momento de nuestra conversación entra en los territorios del recuerdo. Aquiles empezaba a definir su oficio de artista plástico y que a la vez compartía con su profesión de odontólogo. Entonces recuerda las palabras de ese gran sabio español, Gregorio Marañón: el que de medicina sólo sabe, nada sabe. “En mi época me sucedió algo así, ya que los odontólogos me veían como artista, y los artistas me veían como odontólogo”.

Ahora -dice- en esta época se diferencian las profesiones y como abogaba el doctor Mañón, se puede ser odontólogo y pintor.

La noche de la inauguración de su retrospectiva marcó hondamente a Aquiles Azar: “Yo tuve la satisfacción de encontrarme con una cantidad de amigos, y de compañeros, que tienen cuadros míos, que yo no sabía que existían… y que estuvieran vivos. Asombra la forma como los han cuidado. En la exposición nos juntamos cinco o seis generaciones, de cuando yo tenía quince años”.

En cuanto a su reencuentro con los cuadros de aquella época dice que no tiene precio ver de nuevo obras que hizo en 1960, 1962 y 1965. “Esa noche yo lloré dos veces, de manera muy privada, muy íntima. Esa satisfacción no tiene forma de explicarla. ¿Qué te digo? Eso es grande.
En cuanto a su trayectoria hay mucho que ver de Aquiles Azar. En los salones del Museo de Arte Moderno están sus cuadros. Una multitud de preguntas asalta a todo el que entra y ve los dibujos de Aquiles Azar. Marianne de Tolentino se pregunta: ¿Quiénes son en el teatro de Aquiles Azar esos personajes? ¿Simplemente se adueñan de un instante vital? ¿O sirven de pretexto, infinitamente gozado, para una escritura familiar? Ahora, otros van más allá. Experimentan con zonas que no definen los dibujos y sí una mirada que los recorre de manera inquisitiva. Sí, porque el dibujo.

El dibujo que hace Aquiles, fruto de una disciplina que parece milenaria, obceca. Eso sucede con una línea. Eso sucede con el dibujo terminado y la idea que trasmite un cuadro, dos. O la atmósfera que hay en el conjunto de su bestiario personal.

ARTE DOMINICANO

 

PLASTICIDAD VISUAL DENTRO DE LO CONCEPTUAL EN

FÉLIX GONZÁLEZ TORRES

FERNANDO UREÑA RIB

 

Una obra de arte contemporáneo no tiene por qué perder su origen e identificación con aquella sustancia primera y sagrada, cargada de energía, que llamamos materia.  La materia es esencial en la obra del activista cubano norteamericano Félix González Torres. Artista que alcanzó prestigio en las salas de arte contemporáneo de todo el mundo.  Ni la belleza, como concepto, ni los aspectos sensibles de la imagen están ausentes en estas obras que reclaman la atención a otros espacios, a otros mundos y que requieren de la activa participación del espectador.

Sin embargo, como es característica del arte conceptual, la fuerza del trabajo de este artista reside en los aportes que los aspectos visuales hacen al pensamiento del espectador, a su manera de ver y de enfocar el mundo y sus circunstancias. En Félix González Torres es plausible la influencia intelectual de personajes como Borges,

 

FERNANDO UREÑA RIB

 

Arte Conceptual

FELIX GONZALEZ-TORRES

 

Artista nacido en Cuba y fallecido en 1996, en Estados Unidos luego de luchar contra la enfermedad del SIDA. Es uno de tres participantes del colectivo de artistas conocido como Grupo Materia (periódicamente organizan exhibiciones orientadas hacia temas sociales). Letrero Sin Nombre, en la Plaza Sheridan, 1989, fue rentado con la asistencia del “Fondo para un Arte Público.” La Coalición de Gente con SIDA, 1985, Persecución Policial, 1969, Oscar Wilde, 1895, Corte Suprema, 1986, Harvey Milk, 1977, La Marcha en Washington, 1987, La Rebelión de la Muralla de Piedra, 1969.

González-Torres le da a imágenes y formas simples una tremenda profundidad en significado y emoción. Su obra es tremendamente variada y enigmática, pero permanece coherente e inequívoca. González-Torres forma parte de una generación de artistas contemporáneos americanos que han re-interpretado el arte conceptual de finales de los sesenta y setenta como una empresa sicológica y personal. Sus trabajos son ricos en contenido y en belleza formal.

Pila de Pedazos 1989. Algunos están impresos con imágenes, ribetes, colores o textos. A los espectadores se les permite llevarse una o más de las hojas con ellos. Con ésto el artista ha alterado radicalmente lo selecto, el estado privilegiado que se le asigna normalmente a las obras de arte. (El destino de las pilas tridimensionales es convertirse nuevamente en hojas individuales). Temas de amor, muerte, y pérdida, continuamente permean el trabajo de González-Torres. Uno es Pila (El Joven Amante) 1990, que con sus mermantes hojas se relaciona mórbidamente con el atrofiamiento de los cuerpos de las víctimas del SIDA. Las hojas de Sin Título (Muerte por Arma) 1990, muestra los nombres, edad, y caras de cuatrocientos sesenta personas que fueron muertas por armas de fuego, en una semana, en los Estados Unidos, los cuales son, en cierta medida, recordados por aquellos que se llevaron hojas de las pilas. Esto demuestra la motivación en el trabajo de González-Torres: “dar”, en sus palabras, “información y significado nuevamente a la gente.” En cuestión están nociones de cambio y renovación, la idea de que los significados no son estáticos sino que cambian de acuerdo a quién somos y dónde estamos en determinado momento…la absurdidad de las certezas.

Otro grupo de trabajo relacionado con pilas: inmensas cantidades de velas envueltas individualmente (a veces tantas como media tonelada). Estos trabajos dejan ver claramente la noción del objeto de arte como un objeto de consumo y gratificación. Las pilas de velas también muestran abundante belleza formal. Sin Títulos (U.S.A. Today) 1990, velas envueltas en rojo, azul y plateado, en una esquina, para crear el vislumbre de un cuadro representativo de la ‘olla de fundición’ Americana. El artista también une los dulces (caramelos) con la euforia momentánea (azúcar-prisa) del neo-patriotismo de los años de Reagan/Bush.

Letreros – como las pilas y velas, su significado se transforma cuando abandonan los museos y galerías y pasan a formar parte del público. El artista esta interesado en lo pasajero. 1991 – un cordón de ampolletas comunes – suspendidas del techo o colgando de las paredes. Cada cordón de luces puede tomar diferentes formas dependiendo de la configuración de la galería o los deseos del propietario del trabajo. Esta democratización es un ejemplo más del intento del artista por eliminar las asociaciones de áura y selección asociadas con el ARTE privilegiado.

Con sus trabajos de luces González-Torres trata de provocar algunas de las cualidades espirituales y sensaciones transitorias de la luz. Los cordones de luces evocan los mismos sentimientos que en sus fotografías, letreros, y plataformas de teatros, todos son como la utilería de una obra de estreno.

Dibujos, una decadencia, arte como la institución de la vida, no una celebración, pero la aceptación de las debilidades de cada uno bajo las estrellas.

González-Torres llena las formas, aparentemente benignas e inocuas, con sus propios pensamientos, emociones y experiencias. Al mismo tiempo alienta a los espectadores a participar con sus propias ideas y sentimientos. Los objetos increibles de González-Torres sirven de espejos conceptuales que él continúa dirigiendo no solamente hacia él, pero también hacia todos nosotros.

La fotografía de su cama doble, vacía, ampliada hasta un tamaño de letrero de carretera e instalada en veinticuatro lugares en la ciudad. Lo que realmente interesa aquí es la cuestión de, qué pasa a confesiones privadas cuando se las pone en un contexto público. El explora la transición de privado a público. Félix González-Torres asegura que ya no hay espacio privado, convenio colectivo y decisiones propias. Por el echo de concentrarse en las implicaciones públicas que tienen las acciones del individuo, González-Torres complica las distinciones convencionales entre estas dos regiones. El artista cambia el énfasis de la fotografía, de contenido a contexto. A través de su reiteración, lo que pasa a ser distintivo no es la imagen, sino que sus alrededores. La ausencia persigue el trabajo de González-Torres en muchas formas. No hay idioma, sí mbolo o etiqueta. Una cama vacía nos invita a todos a co-habitar sin importar quienes somos – homosexual o heterosexual, hombre o mujer, blanco o negro. Se ha establecido un terreno neutral. Al mismo tiempo este tipo de arte nos recuerda que ninguna obra de arte, ninguna imagen, significa lo mismo para todos. Durante el período de nacimiento y muerte, la cama es el lugar donde podemos descansar. Y en la ciudad de Nueva York, con su enorme población de gente sin casa, la imagen de la cama nos recuerda de algo que se ha perdido. Lo que importa es la idea de transición, del museo a la calle, de lo personal (la pérdida de un ser querido) a lo político (la pérdida de privacidad) de lo privado a lo público, y otra vez. En cuestión están nociones de cambio y renovación, la idea de que los significados no son estáticos sino que cambian de acuerdo a quienes somos y donde estamos en cierto determinado momento. El cree que el espectador debiera de contribuir con cincuenta por ciento del trabajo. El trabajo de González-Torres insinúa que la individualidad sólo importa cuando se reúne con otras, intercambiando individualidad por identidad colectiva.

En sus instalaciones sin rival, tanto por sus objetos sin pretensiones y sus imágenes que se mueven, González-Torres nos ha recordado inequívocamente que ‘vida’ existe, y que tiene un valor tremendo, aún cuando es tranquila, modesta, transitoria.

“González-Torres bien pueda que sea el maestro con la facultad de humanizar aún las cosas que tienen las formas más estandarizadas y manufacturadas, transformando todo lo que toca en algo que tiene significado para nuestras vidas, sin disminuir su impacto como obra de arte.” (Terry R. Myers-Lapiz, Verano 1993)

“Encuentro que esta instalación tiene que ver con vulnerabilidad, el estado de tener nada que perder, la posibilidad de renovar los trabajos cada vez que son contemplados por el espectador. También establece un comentario sobre el paso del tiempo y la posibilidad de borrón o desaparición, lo cual envuelve una poesía del espacio, presencia, y la belleza de la casualidad – la misma casualidad que hace posible el amor. Este trabajo también toca a la vida en su definición más radical, su límite: la muerte. Como en todas las prácticas artísticas, esta relacionado con el acto de abandonar un lugar por otro, uno que quizás asegure que es mejor que el primero.

Parte del mito del Modernismo que ha perdurado es que el arte importante debe ser irrespetuoso, y debe ser empujado por una fuerza asertiva brutal de urgencia por expresarse. González-Torres cuestiona este mito con un arte que es radical, no en su estridencia, sino que en su reticencia…la construcción del significado se lo devuelve al espectador.” (Soliloquio Final del Interior Paramour. Wallace Stevens.)

HUMOR Y DRAMA BURLESCO EN

JORGE DE LA VEGA

RAÚL MANRUPE

Por Raúl Manrupe

Coincidiendo con la exposición de obras de Jorge de la Vega del periodo 1966-71, en Florida 1000 hasta el 14 de octubre, la Galería de arte Ruth Benzacar ha reeditado el viejo álbum que el artista grabara en 1968 para el sello Olympia.

Se trata de El gusanito en persona y aquí efectivamente lo tenemos, volviendo a aparecer en la superficie a casi treinta años de la muerte de su creador e intérprete. Que de la Vega fue integrante de la nueva figuración (perdón, otra figuración) de la pintura argentina de comienzos de los ´60 (para algunos el más creativo) es sabido.

Lo que pocos recuerdan  hoy es su participación juglaresca dentro de la tendencia, esta vez musical, que a fines de esa década fue llamada La nueva canción.

De la Vega, como su contemporánea María Elena Walsh, exploró nuevos caminos en la poesía, mostrando que lo lúdico también podía ser para adultos y además, decir algo . Podríamos decir que era una especie rebelión creativa para los que por ese entonces ya se habían pasado de veinteañeros y quedaban out de iracundias pop: recordemos por ejemplo que hasta 1970 era obligatorio el saco y corbata para ir al cine.

Difícilmente recordada o revisada hoy, tal vez al quedar afuera de los géneros tradicionales, sería justicia recordar a esa nueva canción como el tronco de un árbol genealógico que derivó en retoños como la canción de protesta, y el café concert con ejemplos disímiles o no como Marikena Monti, Joge Schusseim , Nacha Guevara, la Walsh más combativa de 1971, Gasalla, Perciavale, Edda Diaz o el primer disco de Pedro y Pablo. Lanzado originalmente el mismo año que Juguemos en el Mundo, el primer disco de la Walsh para adultos, El gusanito en persona es un canto fresco de surrealismo y -hoy- inocencia.

Temas como Diamantes en almíbar, La gata Teresa o el clásico El gusanito nos muestran a un De la Vega ya regresado de Estados Unidos, con su voz no especialmente dotada para el canto, pero con un duende especial para decir sus canciones y sus metáforas con mucho encanto. Los arreglos y orquestaciones de Camaleón Rodríguez son particularmente similares a los de Oscar Cardozo Ocampo en Juguemos…juguetones y externos a la influencias del pop o el rock. El trabajo integral es especialmente disfrutable.

Desempolvarlo y volverlo a poner en la calle en formato CD, manteniendo el diseño original de la tapa y con un librito con letras, y notas , una excelente iniciativa que nos hace soñar con aquella época especial en que las distintas disciplinas artísticas tenían una relación extraordinaria. También, con poder escuchar alguna vez El viejo de la galera, (el tema fue un éxito de la Monti) el segundo álbum inconcluso del gran Jorge de la Vega.

CD, El gusanito en persona-Jorge de la Vega canta sus canciones.
Galería de Arte Ruth Benzacar, 2000.

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JORGE DE LA VEGA

OBRAS 1961-1971
Del 14 de noviembre de 2003 al 3 de febrero de 2004

Malba – Colección Costantini inaugura al público Jorge de la Vega. Obras 1961–1971, una exposición que reúne alrededor de cien obras del artista argentino Jorge de la Vega (1930-1971) realizadas en Buenos Aires y Nueva York entre 1961 y 1971, incluyendo pinturas, collages, obras sobre papel y aspectos de su actividad como cantautor, dibujante de historietas y diseñador gráfico.

La exposición, que cuenta con Mercedes Casanegra como curadora invitada, reúne obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Buenos Aires, Córdoba y Posadas. El espectador tendrá la posibilidad de recorrer las principales series realizadas por el pintor durante la década 1961–1971. 1961 es la fecha de la primera presentación pública en la Galería Peuser de Buenos Aires del grupo Nueva Figuración (Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé) y 1971 es el año de la muerte repentina del artista.

Cuando realizó su primera exposición, en 1951, Jorge de la Vega aún estudiaba arquitectura. Poco después, abandonó esa carrera para dedicarse por entero al arte, disciplina en la que era autodidacta. Pero su producción más valiosa, interrumpida por una muerte súbita, fue la ejecutada durante la última década de su vida: las obras de entonces hicieron de él uno de los creadores más destacados y originales de su época.
De la Vega, que había practicado la abstracción geométrica, se contó entre los fundadores del movimiento neofigurativo con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Rómulo Macció (1961-65). Vivió dos años en los Estados Unidos (1965-67), entre la Universidad de Cornell, donde enseñaba, y Nueva York. Tras volver a Buenos Aires, abordó, en 1968, la canción popular crítica, como poeta e intérprete, y a esta nueva forma creativa se entregó de lleno, relegando en cierto modo a la pintura.

Si fuera preciso compendiar en una sola noción la rica y expresiva obra de Jorge de la Vega, habría que admitir que elaboró una especie de saga de la formación y deformación del ser humano, una “ontogonía”. Pero ella tiene que ver con la época convulsa y transformadora en que fue creada. La “ontogonía” es, por lo tanto, una visión de seres en un tiempo y un espacio, establecida con burlesca y patética entonación, pero también con una animosa y esperanzada confianza en el destino del hombre: Urano en casa 4 es una muestra válida de sus creaciones.

Sin embargo, no se entenderá cabalmente la obra del artista si no se abarcan, además, las clave de su personalidad: la abrumadora ansia de vivir, el ínsito sentido del humor, el rechazo de las convenciones, una ingenuidad básica -que era el elemento de oposición al lugar común-, y el hecho de ser una autodidacta, que le permitía todas las audacias.
Artista integrante del Grupo Nueva Figuración- Cronología – Artist of the Group New Figuration – Chronology

 

 

 

OSADIA ESTETICA DO

EMILIANO DI CAVALCANTI

Di Cavalcanti era um intelectual bem informado sobre as vanguardas modernistas do seu tempo, interessado não só por artes plásticas, mas por outras áreas também. Por isso mesmo, em 1921, o artista fora convidado a ilustrar o livro “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, um dos mais significativos escritores contemporâneos.

Em 1923, Di Cavalcanti realiza viagem a Paris, freqüentando o ambiente intelectual e boêmio da época e convivendo com Picasso e Braque, entre outros, numa relação de admiração mútua. Sua experiência do contato com o cubismo, expressionismo e outras correntes artísticas inovadoras, conjugadas à consciência da sua posição de artista brasileiro, concorreram para aumentar a sua convicção no propósito de ousar e destruir velhas barreiras, colocando a arte brasileira em compasso com o que acontecia no mundo.

Di Cavalcanti sabia estar no caminho certo esteticamente e a viagem a Paris só reforçou as suas certezas. Entretanto, o ambiente do pintor não era o dos boulevares de Paris: Di Cavalcanti estava impregnado dos trópicos, de uma atmosfera sensual e quente.

À sua ousadia estética e perícia técnica, marcada pela definição dos volumes, pela riqueza das cores, pela luminosidade, vem somar-se a exploração de temas ligados ao seu cotidiano, que ele percebia com vitalidade e entusiasmo. A profunda inclinação aos prazeres da carne e a vida notívaga influenciaram sobremaneira sua obra: o Brasil das telas de Di Cavalcanti é carregado de lirismo, revelando símbolos de uma brasilidade personificada em mulatas que observam a vida passar, moças sensuais, foliões e pescadores. A sensualidade é imanente à obra do pintor e os prostíbulos são uma de suas marcas temáticas, assim como o carnaval e a festa, como se o cotidiano fosse um permanente deleitar-se. A originalidade de uma cultura constituída por um caldo de referências indígenas, européias e africanas, de forma contraditória e única, transparece em suas telas através de uma luminosidade ímpar.

Marcada pela evolução constante em direção a uma técnica cada vez mais acurada, a obra de Di Cavalcanti pode ser situada numa tradição interpretativa do Brasil. Hoje, o pintor é um dos mais populares artistas brasileiros, alcançando enorme prestígio também no exterior: suas obras são disputadíssimas nos leilões internacionais, imprescindíveis a todas as coleções latino-americanas. A pintura de Di Cavalcanti representa toda uma imagem do país no mundo afora, ressaltando a sua exuberância natural e humana: é indiscutivelmente figura chave da arte brasileira. Todo o seu entendimento tem passagem obrigatória por Di Cavalcanti.

EMILIANO DI CAVALCANTI

Nasceu no Rio de Janeiro em 1897.

O pintor Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 6 de setembro de 1897. Naquela época, o panorama das artes plásticas no Brasil era bastante desolador: a pouca informação, conjugada ao tradicionalismo conservador das elites vigentes deixavam o cenário da pintura a depender ainda de ecos das já ultrapassadas correntes artísticas européias.

Nesse contexto, tornaram-se muito importantes as exposições de Lasar Segall, em 1913, e de Anita Malfatti, em 1917, esta duramente criticada. Esses dois episódios fazem parte da história de um movimento em direção às correntes modernistas européias, que iria culminar na Semana de Arte Moderna de 1922. Di Cavalcanti já era um artista de talento bastante reconhecido nessa época, e sua atuação em 1922 foi essencial: o artista foi um dos idealizadores da Semana de Arte Moderna e uma referência importantíssima para todo o grupo modernista e, desde então, para a história das artes plásticas no Brasil.

Em 1914, a revista Fon-Fon publicou seus desenhos de caricaturas. Matriculou-se na Faculdade de Direito dois anos depois e em 1917, mudou-se para São Paulo, não tendo terminado o curso. Conviveu com Mario e Oswald de Andrade, Tarsila, Anita e Brecheret. Interessado em pintura, frequentou, em São Paulo, o ateliê do pintor George Elpons, um alemão de influências impressionistas. É considerado, entretanto, um autodidata.
Di Cavalcanti foi o idealizador da Semana de Arte Moderna de 1922. Participou de sua organização, fez os catálogos e programas e expôs doze pinturas.

Entre 1923 e 1925, viveu em Paris, época em que entrou em contato com Picasso, Braque e Matisse. O Beijo data dessa época, evocando uma atmosfera romântica de sua juventude. Em viagem à Itália, pôde ver os clássicos, que contribuiram para sua formação de pintor. Teve influências, também, de Delacroix, de Gauguin e dos muralistas mexicanos.

Filiou-se ao Partido Comunista e a partir de então, as temáticas sociais e nacionais tornaram-se presentes em suas obras. Retornou a Paris em 1937, onde viveu até 1940. Mulher Sentada, exemplifica grande parte de sua produção, marcada pela temática da sensualidade da mulata brasileira.

Executou vários painéis, publicou álbuns com gravuras e serigrafias, ilustrou livros, bilhetes de loteria e desenhou jóias. Escreveu crônicas e comentários para jornais e revistas. Participou das I, II (prêmio de Melhor Pintor Nacional) e VII Bienais de São Paulo, da XXVIII Bienal de Veneza, além de inúmeras exposições no Brasil e no exterior. Morreu em 1976, no Rio de Janeiro. 100 anos do Nascimento de di Cavalcanti

 

— “Não sou brasileiro nem português, sou Albuquerque de Pernambuco”, assim se expressaria mais tarde o menino nascido Emiliano —6 de setembro de 1897 apelidado Didi, criado por sete amas de leite, entre saraus e poesias de Castro Alves… infância feliz no velho bairro de São Cristóvão, Rio de Janeiro. Fugidias escapadas à casa do tio Abolicionista José do Patrocínio, casado com tia Bibi, irmã de D. Rosália de Senna, sua mãe. Frederico Augusto, o militar austero, cedo negou ao menino irrequieto a proteção paterna. Partiu sem poder orgulhar-se do rapaz que iniciara a vida artística no ano de 1916, expondo em conjunto no Salão dos Humoristas.

Aquele que se tornaria “glória nacional” idealista e autodidata, expôs individualmente na sede da Revista Cigarra em São Paulo, cidade que juntamente com Paris adotaria de coração como se nelas tivesse nascido.

Em fevereiro de 1922, tomou-se o pioneiro idealizador da Semana de Arte Moderna, galgando o mundo, expondo em Paris, Bélgica, Amsterdam, Roma, Nova York, Buenos Aires, Montevidéu e México. Conquistou medalha de ouro através do quadro “Mulata Desnuda”, tema preferido por seus admiradores, onde “— a mais loura brasileira é a minha mulata metafísica…”

Sensualidade, arte barroca, erotismo, religiosidade, mulheres, cubismo, festas populares, samba e carnaval, burguesia, pescadores, natureza morta, folclore, flores, mar, impressionismo, paisagens, maternidade misturando-se a caricaturas, charges, portraits, paineis, murais, cenários e ilustrações.

Pintou em 1929 para o Teatro João Caetano “Samba e Carnaval”, considerados os primeiros painéis modernistas da América Latina.

Escritor, Jornalista e Poeta publicou “Viagem da Minha Vida” e “Reminiscências Líricas de um Perfeito Carioca”. Crónicas sobre suas vivências correram mundo. Como pintor, conquistou entre outros o prêmio de Melhor Pintor Nacional na II Bienal de São Paulo, recebeu o 1ro Prêmio na Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste, pelo quadro “Crucificação” adquirido pelo Instituto de Arte Litúrgica de Roma, Medalha de Ouro na II Bienal Interamericana do México e Prêmio Critica de Arte em 1971, por ocasião da Retrospectiva no Museu de Arte Modema de São Paulo.

Suas obras espalham-se em Museus e coleções particulares por toda América Latina, Estados Unidos e Europa, destacando-se os quadros “Família” Museu de Arte de Montevidéu, “Scene Brésilienne” Museu de Arte Modema de Paris, “Via Sacra” Catedral de Brasília, “Cinco Moças de Guaratinguetá” Museu de Arte de São Paulo, “Ciganos” e o tríptico “Navio Negreiro” no Museu Nacional de Belas Artes e “seu Ateliê e Obra Inacabada” permanecem no Museu de Arte Moderna de São Paulo, doados após sua morte em 26 de outubro de 1976.

— “Criar é acima de tudo dar substância ideal ao que existe.”

 

JORGE PINEDA

INSTALACIONES CONTEMPORÁNEAS

POSTALES DESDE EL PARAÍSO

 

 

Postales desde el Paraíso es un acercamiento a la obra reciente de Jorge Pineda. La exposición está compuesta por un conjunto de instalaciones. La atención al componente espacial ha sido una constante en su obra, ello le ha llevado a mantener una preocupación por el diálogo con el entorno circundante y con el público que se adentra en ese ambiente. Tal es el caso de la obra Post Cards desde el Paraíso, con la cual el artista ha intervenido la galería creando un bosque virtual mediante dibujos sobre las paredes.

A propósito de esta pieza Pineda ha comentado: “Los bosques de República Dominicana están desapareciendo paulatinamente, al igual que la mayoría de los bosques del mundo; debido a la tala indiscriminada de los árboles o a la quema de los mismos. Ambas acciones están reducidas a la ambición. ¿Pecado de la humanidad?

En República Dominicana el bosque es usado como materia prima para prender el fuego en las casas de los campesinos. Aún hoy el vendedor de carbón es una figura popular en los pueblos. Lleno de ceniza, nos trae el bosque hecho pedazos para así ganar unos pocos pesos para la comida de día. El círculo vicioso de la miseria y el poder”. Todos esos recursos y soluciones formales que componen las obras de Pineda son tan sólo el inicio de una propuesta que pretende indagar sobre el ser humano, sobre las condiciones existenciales en las que habitan los hombres.

Particularmente ha penetrado en las peculiaridades del Caribe como contexto social. Pero sus obras trascienden la especificidad de un sitio para convertirse en elocuentes metáforas sobre la sociedad y la Historia. Enmascaramiento, simulación, representación, son algunos de los procesos de construcción del imaginario colectivo que explora Jorge Pineda en su obra. De ahí que parte esencial de ese tránsito hacia la creación esté volcado sobre la participación activa del público.

La violencia es otro de los motivos sobre los que Pineda centra su atención en esta muestra, a partir de obras como El sueño de Winnie de Pooh y Muñeca Tatuada, en las que presenta impactantes metáforas visuales sobre la explotación del sujeto femenino en las sociedades contemporáneas. Desde el desgarramiento de la condición humana, tomado como pretexto para un viaje hacia la poesía visual conceptualista, este creador convida al trato con una propuesta artística profundamente imbuida de un espíritu crítico y social.

Postales desde el Paraíso trata de reivindicar un espacio y un tiempo de meditación y de orígenes para el ser humano. Desde la utopía de un mundo mejor Pineda convida al espectador a repensarse como individuo, a replantearse una historia colectiva que en muchos casos es reflejo de las tantas historias anónimas y personales que se tejen a diario.

Descubrir los roles del ser humano en medio de esa madeja de actitudes y sentimientos sobre los que trata su obra, es parte del diálogo artístico que propone este creador en estas postales que llegarán desde este Paraíso en el que habitamos con la certeza de la imperfección.

      JORGE PINEDA

Nació en Barahona, República Dominicana, en 1961. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. También estudió en el taller de litografía Bordas en París. En 1985 realiza su primera exposición personal en la Galería de Art Nouveau. Desde entonces ha presentado varias muestras individuales y participado en numerosas exposiciones colectivas en República Dominicana, Perú, Francia, España, Puerto Rico, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. Al tiempo que ha sido merecedor de premios y reconocimientos por su labor creativa.