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Pedro Mir

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ENRIQUILLO SÁNCHEZ SOBRE

PEDRO MIR

 

Enriquillo Sánchez: Pedro Mir es, sin la menor duda, uno de los mayores poetas dominicanos de todos los tiempos.

Somos una literatura razonablemente joven, con apenas 125 años de actividad literaria nacional, y Pedro Mir dentro de ella tiene un lugar preponderante, un lugar cimero sin la menor duda. Es un poeta de carácter social, aunque él no se inició como poeta social. Fue Juan Bosch quien, en el año 36 ó 37, lo anunció como el posible poeta social esperado en República Dominicana; pero antes de salir al exilio Mir no era aún conocido como poeta social en general, sino por otros poemas más líricos. Su gran poema social “Hay un país en el mundo”por ser un poema antitrujillista no llegó al país sino hasta 1962, luego de la muerte de Trujillo.

Se podría decir que, en un sentido, Pedro Mir divide la poesía dominicana en un antes y un después. Él pertenecía a lo que se conoce como los llamados “poetas independientes del 40”; son cuatro: él, Héctor Incháustegui Cabral, Tomás Hernández Franco y Manuel del Cabral. Todos tienen de alguna manera inclinación por lo social, a diferencia de los poetas de la Poesía Sorprendida, en los que la presencia de lo social es mucho menor. Pero Pedro Mir es, sin lugar a dudas, el mayor poeta social de la República Dominicana.

F. G: ¿ Se podría decir que la palabra de Pedro Mir llegó realmente a la mayoría del pueblo dominicano, o solamente a un reducido círculo de lectores y críticos?

E.S: Con toda seguridad, Félix, llegó más allá de los críticos y lectores usuales de poesía. Su obra llegó a un grupo de lectores que no eran habituales lectores de poesía.

En el caso de Pedro Mir se puede señalar como significativo que, precisamente, logró romper ese estrecho círculo de lectores y llegó a considerables muchedumbres. Incluso uno de sus libros, publicado como una especie de antología en México, se llama “ Viaje a la muchedumbre” y si algo hizo Pedro Mir fue un viaje a la muchedumbre, pues su poesía fue mucho más allá del reducido círculo de las capillas literarias convencionales. Él encontró un eco particularísimo entre los dominicanos de varias generaciones, del 62 en adelante, y su poema fue convertido en una especie de emblema nacional. Por eso, fue designado por la Cámara de Diputados como Poeta Nacional, título que nadie osa regatear y todo el mundo reconoce como justo. Su obra poética produjo un impacto que la poesía dominicana no había conocido anteriormente.

F.G: ¿Calificaría la poesía de Mir como vanguardista?

E.S: Fue vanguardista en su momento histórico; estamos hablando de 1949, fecha en que aparece el primer gran poema de Pedro Mir, que es “Hay un país en el mundo”, y luego en 1954, su segundo gran poema, “ Contracanto a Walt Whitman”. En esos dos grandes poemas, que son los de mayor importancia que él escribió, sin la menor duda actuó como un poeta de vanguardia, dentro de los cánones de las letras dominicanas y, si se quiere, de las letras hispanoamericanas.

Hay que recordar que el gran poeta dominante en ese periodo histórico era Pablo Neruda, y Pedro Mir se adscribe a esa línea de poetas como Neruda, Guillén en Cuba…, y pertenece a ese grupo de grandes poetas latinoamericanos en el que hay que incluir también a un poeta como Manuel del Cabral, César Vallejo…

Estuvo muy influido inicialmente ( eso se lo he oído confesar y además es evidente en la lectura de su poesía ) por el Modernismo hispanoamericano que encabezó Rubén Darío, de Nicaragua, y era muy adicto a la poesía del uruguayo Julio Herrera y Reissig. Cultivaba con mucho esmero la forma poética, incluso ha sido catalogado como un preciosista. Él intentó una poesía de corte social sin romper con esas ataduras preciosistas y se propuso metas vanguardistas en su obra.

Lo que hay que entender, es que transcurridos ya más de 50 años de la escritura de “Hay un país en el mundo”, su poesía hoy día no es ya vanguardista. Ha habido otras líneas de trabajo a lo largo de todos estos años, y la obra de Pedro Mir está situada en la historia de la literatura para siempre.

F.G: ¿ Considera Usted que la poesía de Mir ha marcado a los poetas más jóvenes?

E.S: Marcó, sobre todo, a los poetas de los años 60. Había entonces mucha poesía redentora, mucha poesía de liberación, situada en lo político y en lo social, que se escribió al calor de los años 60 con la Revolución Cubana, la guerra de Abril de Santo Domingo, hasta que esa poesía fue diluyéndose, y poetas como, por ejemplo, René del Risco, que inicialmente escribió poesía social, empezaron a escribir una poesía urbana que comenzó a desplazar los valores propiamente políticos del poema.

Hoy día ya nadie escribiría poesía como la escribió Pedro Mir, por lo tanto, no se puede decir que él influye a los jóvenes: los influyó en su momento, años 60, en los que muchos jóvenes poetas escribieron dentro de esa tradición.

F.G: Señor Sánchez, ¿ cree Usted que la muerte de Pedro Mir deja, entonces, un vacío en la poesía social dominicana?

E.S: Deja un vacío, pero sobre todo deja el gran espacio que él creó. El vacío no es tan sensible si partimos de la respuesta a la pregunta anterior, en el sentido de que otras poéticas han ocupado su lugar; estamos más ligados a corrientes universales que desbordan los límites de la lírica castellana por la influencia de poetas ingleses o franceses de este siglo.

De modo que ningún gran autor, por grande que sea su jerarquía, deja en realidad un vacío. Deja su obra que es un espacio lleno de sugerencias y significaciones.

Pedro Mir fue un poeta amado, y amada fue también su poesía; fue furiosamente defendido por la juventud que enarbolaba su poesía como arma de combate. Ya la poesía no es un arma de combate. Tiene una filiación más intelectual, trabaja con otras herramientas conceptuales. El sentido del poema como ”un arma cargada de futuro”, para usar las expresiones de la época, ha desaparecido con los tiempos.

No obstante, la poesía de Mir es una referencia obligada y eminentemente erudita. Estudiarla es una gran experiencia para cualquier joven poeta.

F.G: Si tuviera que recomendar una lectura a alguien que se inicia en el estudio de la obra de Mir, ¿ cuál o cuáles obras recomendaría Ud.?

E.S: En verso, yo recomendaría el “Contracanto a Walt Whitman”, porque es su poema más ambicioso. Es donde él intenta una poesía de tesis, no sólo de carácter poético, sino incluso de carácter político, social, histórico.

Aunque yo no comparta su tesis, y no la comparto porque entiendo que el “Yo” de Whitman abarca toda la amplitud que luego Pedro Mir proponía en el Contacanto, entiendo que este poema es una obra maestra en cuanto a lo que se refiere a desarrollar poéticamente una tesis, y desde el punto de vista de la orfebrería poética, es admirable su construcción.

Desde luego, para los dominicanos “ Hay un país en el mundo” es el poema nacional por excelencia, el que nos expresó en un momento a todos, pero la obra de mayor alcance conceptual y poético de Mir es el Contracanto.

En el terreno del ensayo, yo pienso que su libro inicial “Tres leyendas de colores” es una joya en el ensayo histórico, porque a pesar de que estaba adscrito a las tesis marxistas propias de los tiempos, es una obra escrita con donosura, libertad, riqueza imaginativa, que contrasta de manera increíble con el lenguaje hasta cierto punto adocenado que era propio de esa escuela de análisis histórico. Entonces yo pienso que “Tres leyendas de colores” en el área del ensayo, sus investigaciones sobre estética, que tienen una importancia considerable dentro de lo que es el acervo cultural dominicano, son de gran importancia en nuestra cultura que es muy introvertida si se quiere, donde sólo lo dominicano preocupa a los dominicanos. Pedro Mir se preocupó por asuntos que estaban más allá de nuestras fronteras, y aunque en poemas como “Hay un país en el mundo” es radicalmente nacional, ya en otros como “Contracanto a Walt Whitman” trata de situar su poesía en el contexto latinoamericano; y en sus ensayos nos vincula a todo el gran orbe del pensamiento universal. De modo que Pedro Mir iba siempre en camino de lo nacional a lo universal con pasos muy firmes. Y es por ello que logró la significación que tiene para las letras hispanoamericanas.

F.G: A nombre de la redacción de la revista Hispaniola online queremos

agradecerle por el valioso tiempo que nos ha concedido, así como por los interesantes puntos de vista expresados sobre el tema. Muchas gracias.

* Enriquillo Sánchez Mulet, nacido en 1947, profesor universitario, periodista y escritor. Ha publicado entre otros, “ Pájaro dentro de la lluvia” ( Premio Nacional de Poesía Salomé Ureña; “ Para uso oficial solamente”, su más reciente libro que reúne una gran cantidad de artículos y ensayos breves escritos entre 1989 y 1991. Actualmente está trabajando en algunos proyectos de narrativa, además de su labor periodística.

TOMADO DE LA REVISTA HISPANIOLA ON LINE

Diogenes Valdez

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DIÓGENES VALDÉZ

CUENTOS SOBRESALIENTES DEL SIGLO XX

 

Los cuentos dominicanos más
sobresalientes del siglo XX

DIÓGENES CÉSPEDES

A la verdad que la seductora teoría de Bosch encaja perfectamente a un tipo de cuento que estuvo en boga en América Latina hasta la irrupción de los modos de vida urbanos más descalabradores de la paz bucólica de la llamada novela de la tierra, de la cual el cuento fue subsidiario antes de independizarse, como la novela misma, de las jerarquías sociales campesinas teñidas de prácticas políticas e ideológicas autoritarias.

Aunque existen excelentes precedentes de cuentistas clásicos, medievales, neoclásicos, modernos -y sobre todo en nuestro idioma a partir de El conde Lucanor, de don Juan Manuel, los escritores nacidos en la isla de Santo Domingo, así como sus sucesores hasta el siglo XVIII prefirieron, junto con los lectores de aquellas centurias, consumir lo europeo antes que producir lo propio.

No es hasta finales del siglo XIX cuando encontramos atisbos del cultivo del género cuento que podríamos llamar inicios, protocuentos, con las narraciones de César Nicolás Penson incluidas en Cosas añejas y en el libro Cuentos puertoplateños, de José Ramón López.

Incluso los autores recogidos por Sócrates Nolasco en la antología El cuento en Santo Domingo (1957) y los censados por Emilio Rodríguez Demorizi en la antología Cuentos de política criolla (2da, de 1963), con prólogo de Juan Bosch, no son en su opinión, propiamente tales, sino estampas, cuadros de costumbres, anécdotas, apólogos o sátiras políticas.

Si uno se remite a las exigencias del propio Bosch en su ensayo «Apuntes sobre el arte de escribir cuentos», cuya primera versión vio la luz en La Habana en los años 40 y el texto ya más acabado del suplemento Papel Literario del diario El Nacional de Caracas en 1958, ninguno de los textos que llamamos cuentos publicados con anterioridad a Camino real (1933), del propio Bosch, califica en el canon boschista del relato de un hecho-tema único y de la «fluencia constante».

A la verdad que la seductora teoría de Bosch encaja perfectamente a un tipo de cuento que estuvo en boga en América Latina hasta la irrupción de los modos de vida urbanos más descalabradores de la paz bucólica de la llamada novela de la tierra, de la cual el cuento fue subsidiario antes de independizarse, como la novela misma, de las jerarquías sociales campesinas teñidas de prácticas políticas e ideológicas autoritarias. Tales prácticas condujeron a muchos escritores del período a subordinar su literatura a los hechos de la historia. Esto produjo como resultado una escritura de un plural parsimonioso -como le llamaba Roland Barthes-, cuando no unos textos francamente dualistas o binarios con un clara ideología de lucha entre el bien y el mal a la cual eran arrastrados los personajes de la ficción, con su consecuente tributo al historicismo y al realismo.

Sin embargo, las grandes transformaciones urbanas y la ruptura de la linealidad historicista experimentadas por algunos países como Argentina, México, Brasil -con las urbes modélicas de Buenos Aires, Ciudad de México y Río- lanzaron al mundo, a partir de los años 50 y 60, una nueva literatura que de Borges a Cortázar, de Onetti a Bioy Casares, de Lezama a García Márquez, produjeron nuevas imágenes con las cuales ya no era posible semantizar la vida y sus contradicciones. El hecho tema único reacio a digresiones, suspensiones o desvíos -recuérdese la imagen boschiana de la flecha disparada por un arco en tensión- se irá por la borda con la herencia literaria del cubismo, del surrealismo y con el principio de la descronología introducida en los años 50 por la teoría y la práctica de la nueva novela francesa.

Los mejores cuentos. Así como la métrica y la rima -al decir de Octavio Paz- no pueden ya decir en imágenes o figuras los sentidos de la vida moderna, de la misma manera el hecho tema único y la ley de la fluencia constante no pueden dar cuenta de la simultaneidad de miles de acontecimientos que ocurren en el cerebro del escritor al momento de escribir su texto, sea cuento, novela o poema.

No es que poetizar o dar cuenta de las contradicciones de la vida de una gran ciudad o del problema urbano sea un «progreso» con respecto a un «atraso» vinculado a la vida campesina. El ritmo, definido como la orientación política del sentido en un texto, es lo que decide del valor de la escritura. Entonces lo que procede es transformar las viejas imágenes de la vida campesina.

Fue esto lo que hizo Juan Bosch, nuestro cuentista de mayor importancia, cuando escribió Camino real (1933), libro que inaugura el género cuento en el país y elimina el dominio que tuvo hasta entonces la estampa, la anécdota, la sátira política o el cuadro de costumbres.

De esa época son también «La Nochebuena de Encarnación Mendoza», «El indio Manuel Sicuri», «El hombre que lloró», los cuales rivalizan con los de la primera etapa: «Los amos», «La mujer». Y no es un azar que el mejor cuento de Bosch, «La mancha indeleble», haya sido escrito en Caracas en 1960, una gran urbe en comparación con Santo Domingo. Pero no solamente eso, sino que este texto -junto a otros estrictamente de temática urbana- dicen adiós para siempre a las figuras de la cuentística campesina. Es obvio que comparado con algunos cuentos borgianos o cortazarianos, «La mancha indeleble» simboliza el auge y caída del Bosch cuentista en beneficio del Bosch político. La influencia de su escuela literaria campesina comenzaría a su llegada al país en 1961, pero también «La mancha indeleble» prepara a los cuentistas del futuro que adoptaron lo urbano como una urgencia del decir.

Virgilio Díaz Grullón, con sus cuentos «La enemiga» y «El espejo» es nuestro segundo mejor cuentista.

La enumeración que sigue no tiene una prelacía en orden de importancia, sino que responde a un principio cronológico. Y esta selección, extraída de los libros publicados por los autores o de revistas, no implica que no tengan valor solamente los textos que ofrecemos como ejemplo. Cada autor posee otros que se leen con interés y pasión y su ritmo no decae, pero diría que son secundarios con respecto a los que aquí ofrezco.

Para mí, el mejor cuento de Hilma Contreras es «La espera» porque en este género planteó en los años 50 el problema de la homesexualidad femenina en el espacio de lo público.

Marcio Veloz Maggiolo posee cuentos de mucha calidad, pero a mi juicio el que lo singulariza es «La fértil agonía del amor», título homónimo de su libro publicado en 1987.

Nadie mejor que Pedro Vergés en «Intuición femenina» para captar los intríngulis de los personajes de la pequeña burguesía y su relación con el sexo, así como sus pruritos y desenfados en el orden del escalamiento social.

J. M. Sanz Lajara, cuentista que debido a su carrrera diplomática vivió siempre en el extranjero, escribió un texto cosmopolita que revela el aburrimiento de esa vida llena de convenciones. El playboy latino en una urbe que pudiera ser Río por el carácter casi mecánico que adopta allí el amor y la actividad sexual, es simbolizado por la anonimia de los personajes de «Curiosidad», texto que se encuentra en su libro El candado.

Un cuentista por lo general relegado ha sido Sócrates Nolasco. Considero que de su libro Cuentos cimarrones leer, como recreación del mundo maravilloso, los textos «De lo que vino a encontrar el que buscaba lo que no se le había perdido», «De cómo Ezequiel se le disfrazó a la muerte» y en El diablo ronda en los guayacanes, el cuento homónimo del título del libro y «Gente de la aldea» y, finalmente, «Diálogo en la sombra».

Pienso que Ramón Marrero Aristy ocupa un lugar cimero en la narrativa que pugna por salir del campo, pero que no llega a la ciudad sino como periferia, como el lugar del mal. Eso lo logra primero en «El libertador», incluido en la antología de Max Henríquez Ureña, escrita en 1938, pero jamás publicada, y esto por razones políticas obvias. Ha venido a serlo en 1996. El otro texto de Marrero que ronda, como transición, lo rural hacia lo urbano, es «Balsié” , libro de narraciones, estampas y cuentos publicado en 1938.

El tema de la mujer como perfección de la belleza platónica es, en Fabio Fiallo, semejante en sus poemas y en sus cuentos. Tanto Américo Lugo como Federico García Godoy, Jacinto López y Ana María Garasino, que comentaron su obra en prosa y en verso, atinan a señalar la abstracción del topos de la obra de Fiallo. Sólo en un cuento que ha dejado la marca del lugar de su escena- el Club Unión- puede catalogarse de texto relacionado con la cultura dominicana. Estimo que un cuento como «Antojo femenino», de Renato de Soto, es una joyita que cohabita al lado de los textos del eterno femenino de Fiallo.

La tópica de los cuentos y poemas de Fiallo es el cosmopolitismo, enredado en el exotismo, el romanticismo y briznas del modernismo. De ese modo hay que tomar su escritura y decir que «Ernesto de Anquises», publicado en la Revista Ilustrada en 1899, es uno de los mejores cuentos de Fiallo. Y a su lado coloco estos dos: «Subasta de amor» y «Esquiva», incluidos en Cuentos frágiles (1ra, edic. de 1934), aunque algunos de estos textos hayan sido publicados a finales del siglo XIX, el hecho mismo de que el autor los corrigiera muy avanzado el siglo XX, les dan una perspectiva temporal propia de la última centuria.

Delia Weber nos ha dejado bajo el título de «Dora», su mejor cuento, incluido en el libro Dora y otros cuentos (1952). Es un circunloquio del amor místico. O mejor dicho, el símbolo de la perfección amorosa como algo inalcanzable. No hay topos en el texto de Weber, al igual que no lo hay en Fiallo. Lo cual muestra que era una ideología de época, venida del platonismo. Y Weber logra, con el desdoblamiento del personaje Dora en su hermana y viceversa, envolver, a quienes lean el texto, en la vaga atmósfera de frustración que termina con el suicidio del personaje en la sima del mar, otro símbolo de lo eterno, del abismo y del misterio y de lo inalcanzable.

La vieja generación de cuentistas se
secó y aún no nace una nueva generación

Con su cuento «Chito», José Rijo tiene derecho a figurar en esta selección.

Cuando leo los poemas escritos por un Hernández Franco o un Incháustegui Cabral -«Yelidá» o «Canto triste a la patria bienamada» o «Invitación a los de arriba» y, los demás poemas incluidas en Poemas de una sola angustia (libro de 1940), los cuales son una crítica del poder y de lo social hecha en el interior mismo del régimen dictatorial de Trujillo, me pregunté si en el cuento también ocurrió lo mismo. Mi búsqueda, que todavía no ha terminado, encontró tres cuentos que respondieron, como una débil y velada crítica al régimen, a mi interrogación. Se trata de «Aquel hospital», de Virgilio Díaz Ordóñez; «Mi traje nuevo», de Miguel Angel Jiménez; y, «Un hombre de la calle», de Néstor Caro. Si en mi buceo literario me encontrara con otros textos que los desplazaran, con igual punzón que los de Incháustegui Cabral o Hernández Franco, los incorporaría a este juicio valorativo.

Ahora sigue una lista de cuentistas surgidos a la luz pública después de la caída de la dictadura, fundamentalmente a partir de 1966, una vez terminada la guerra civil y patriótica.

Los textos de estos narradores, si los consideramos en su conjunto, tienen deficiencias en la forma-sentido (problemas de sintaxis, de puntuación, de conjugaciones verbales, de léxico sobre todo, pues las faltas a la ortografía sólo son detectables en los manuscritos, jamás en un libro publicado, pues no se sabría a quién atribuírselas, incluso si el autor ha corregido el original). Casi todos vadearon el tránsito de la literatura de la tierra y pasaron directamente a la temática urbana, hijos como eran de la pequeña burguesía de la ciudad.

La prosa revela más que el poema, la falta de dominio del idioma. Casi todos los poetas de las generaciones pos-dictadura, esconden tal deficiencia en versos cortos y libros de menos de cien páginas. Y cuando cometen una falta visible a la sintaxis, pueden justificarla con el eufemismo vergonzante de que están descalabrando a propósito la estructura del lenguaje o subvirtiendo la lengua.

En la prosa artística o informativo-ideológico no hay excusa que valga. Sólo el crítico avezado sabe -y tiene que justificarlo muy bien- cuándo un escritor viola las reglas sintácticas para proponer una nueva forma de escritura o para burlarse de la de otros escritores o para hacer befa de una oralidad asnal.

Para comparar un modelo de cuento que se ha tenido como paradigmático y a fin de ilustrar cuanto acabo de decir, invito a quienquiera estudiar las variantes que presenta el cuento «Ahora que vuelvo, Ton», de René del Risco, en su edición de 16 cuentos latinoamericanos (Coedición Latinoamericana, 1992) y la que aparece en las antologías dominicanas anteriores a 1996.

Y con este cuento, que incluyo entre los mejores del período pos-dictadura tengo, al igual que con los demás, las reservas expresadas más arriba. Sin orden de prelacía: Efraim Castillo, «El oidor»; José Alcántara Almánzar,«Ruidos»; Miguel Alfonseca, «Delicatessen»; Armando Almánzar Rodríguez, «Infancia feliz»; Ramón Lacay Polanco, «El hijo»; Pedro Peix, «Pormenores de una servidumbre»; Diógenes Valdez, «Antipólux»; Ramón Francisco, «No hay vacante»; y, Angela Hernández, «El amor de Ana”.

Conclusión. Ha transcurrido un tiempo enorme desde Camino real hasta hoy. Y de la llegada en 1961 de Bosch y su teoría sobre el arte de escribir cuentos. La línea que tomó la escritura del cuento fue la urbana. Pero el autor de «La mancha indeleble» siempre tuvo sus reparos con los cuentistas que emergieron apadrinados por él en el acto de la Librería Dominicana en 1966. A causa de la flojera en el dominio del idioma y el manejo del hecho-tema único.

Hay que darle un poco de razón, pero hay que decir que los cuentistas de aquellas generaciones se secaron. Pocos han seguido escribiendo. Como si los hechos-temas únicos se hubiesen al parecer, agotado o como si los hechos hubiesen dejado de tener interés humano. Pero digamos que esa fue una etapa que ya se cumplió.

Para los que se propongan izar la bandera del nuevo cuento dominicano que todavía no ha nacido, hay que decirles que el hecho-tema único no es una limitación. Es su cronología de reloj suizo la que no puede seguirse hoy a la letra. Incluso si hay que resquebrajar la ley de la «fluencia constante» en favor de la ruptura de la linealidad del relato, habrá que hacerlo a fin de destruir la ilusión de realidad que envuelve al lector al atarlo a las peripecias de una aventura que no tiene otro lugar que el papel. Hay que hacer de los lectores sujetos inteligentes e independientes que busquen primero las leyes con que está hecha una escritura y no las intrigas que narra. Hay que volver a la aventura del relato y cambiar radicalmente la escritura tradicional que uno identifica con el relato de una aventura. Todos los temas caben en esta nueva escritura, como cabían en la anterior. Pero para esta última ya no hay figuras e imágenes que la digan. A la era de los temas ciberespaciales, de la astrofísica, de la internet y de la informática hay que buscarle una nueva forma-sentido. Hay que poetizar los nuevos horrores, abyecciones y excrecencias sociales. Fundar el género policial en nuestra cultura, pero no como ha existido hasta ahora, sino ligado a las nuevas tecnologías. Si Rimbaud y Baudelaire se la buscaron a la ciudad moderna que surgía con la era industrial y el barón Haussmann, ¿por qué no puede usted hacer lo mismo?

La prosa revela más que el poema, la falta de dominio del idioma. Casi todos los poetas de las generaciones pos-dictadura, esconden tal deficiencia en versos cortos y libros de menos de cien páginas.

Dario Estrella

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DARÍO ESTRELLA

COMPOSITOR DOMINICANO

DARÍO ESTRELLA

 

Música clásica, popular y sagrada

 

DARIO ESTRELLA

Darío Estrella es un músico dominicano que empezó a muy temprana edad sus estudios de saxofón.  Nacido de una familia de artistas, empezó su vida profesional a los 14 años como saxofonista de varias orquestas en Valverde Mao. Su Maestro Rafelito Martínez Decamps lo escogió como discípulo al percatarse de que se aprendió 30 lecciones de Eslava con solo escucharlo desde una puerta. Darío se conecta con una generación anterior de músicos que pertenecían a principios de Siglo y se hace extemporáneamente compañero de trabajo de músicos mucho mayores, convirtiéndose en un eslabón para varias generaciones de la música Dominicana.

En 1969,  luego de graduarse de piano, saxofón y armonía en el Conservatorio de La Vega decide cambiar la estructura del Merengue dando un paso más allá en la experimentación que los antecesores suyos, como Billo Frómeta, Félix del Rosario y Tavito Vásquez, quienes ya habían comenzado en la forma de adaptaciones de Jazz para Orquestas de Merengue y en la introducción de solos jazzeados en los Merengues tradicionales. Es entonces cuando empieza a utilizar una armonía progresiva, el cromatismo, el paralelismo, y todas las teorías de armonía avanzada, ampliando la cantidad de acordes del Merengue que hasta ese momento se limitaba a tres.

Decide bautizar esta fusión con el nombre de Merengue-Jazz, siendo la 1ra persona en utilizar este término. A partir de ese momento se convierte en un arreglista muy respetado haciendo arreglos a Maestros de gran experiencia como Rafael Solano y Papa Molina. Viaja a New York a principios de los 70 y se conecta con Mario Rivera y Michael Camilo, tocando con grandes Jazzistas y artistas Latinos como: Oliver Beener, Mario Bauzá, Tito Puente, Celia Cruz, etc.

Regresa a República Dominicana y hace el Curso de Dirección de Orquestas Sinfónicas con el actual Director de la Sinfónica de Madrid Enrique García Asencio, el cual le regaló una Batuta y le firmó una recomendación para que pudiera dirigir cualquier Orquesta Sinfónica del mundo, dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional con la 7ma Sinfonía de Beethoven y el Sombrero de 3 picos. Participó con éxito de Festivales de Música Nacionales e Internacionales. Se convirtió en arreglista de orquestas y cantantes populares como: Anthony Rios, Johnny Ventura, Wilfrido Vargas, Jazmin Objio, Freddy Kenton, Charityn Goico, etc. Creó fusiones de merengue con ritmos norteamericanos como el Merengue-Hustle, el cual estrenó Johnny Ventura y de paso introdujo por primera vez el uso del Sintetizador en el Merengue en 1975. Regresa a New York y realiza Conciertos en Auditorios de gran prestigio en el Jazz como El Village Gate, The Grand Home y The Other End, apareciendo en revistas de gran renombre como la “Down Beat”. Es en esta época que comienza a realizar por invitación de Federico Astwood conciertos de Merengue-Jazz (Desde 1973-1999), los cuales alternaba con sus viajes a Puerto Rico en donde desarrolla como arreglista su propia versión Merenguera de la Diáspora Dominicana. En 1992 graba su CD “Merengue-Jazz & Capricornio”, firmando con la casa Disquera BMG.

Comienza además a concentrarse en la Composición clásica y crea sus llamadas: “Merenfonías” o Sinfonías de Merengue, declarando el comienzo del “Período Híbrido” de la música, teoría con la que describe cómo la música se encamina hacia la fusión planetaria o “Hibridación” en el Nuevo Milenio.

Se reencuentra con Tito Puente y le hace el Arreglo Sinfónico de su Composición “Oye Como Va”, la cual estaba destinada a estrenarse en Radio City, New York, pero lamentablemente Don Tito muere, no sin antes pedir ver la partitura de dicho arreglo. Vuelve a la República Dominicana en el 2005 y a partir de ese momento reanuda los Conciertos de Merengue-Jazz, realizando un concierto por año.

En el 2007 realizó en el Hotel Meliá de Santo Domingo un Concierto en Homenaje a Federico Astwood, donde presentó junto a su Orquesta de Jazz un grupo de baile folklórico para demostrar que el Merengue-Jazz es bailable, fundó AsodiJazz, Institución dedicada a la difusión de nuestra música y nuestros grandes Maestros. Volvió a EEUU y allí concluyó la composición clásica del Cuarteto de Cuerdas “Merenata” (Serenata Merengue), la cual grabó en RD (Auspiciado por el CCE) con el Concertino de la Sinfónica Pavlé Vuijcic (1er Violín), la Concertino Asociada Zvezdana Radojkovic (Viola), Militza Iankova 2do violin y Pablito Martínez (Cello). Recibió el Premio Guillermo Lacrespeaux 2009 de parte de Amucaba, le puso la música a la película “Improbable” y regresó a Miami fundando la “Dominican Music Band”. En Abril del 2011, viene a la República Dominicana como invitado de honor del Congreso Internacional de Musica MIC IV, (Inec y Centro León) trayendo consigo su nuevo Libro: ” Merengue-Jazz hacia el Nuevo Milenio” y presentando además su “Método de Improvisación para Saxofón”. Aprovechará además esta plataforma para el Lanzamiento de su nuevo CD “El Principio de la Sabiduría”, en el cual se distinguen las Improvisaciones del Maestro Tavito Vásquez y Dario Estrella, En el año 2012, el Maestro Enrique Garcia Asensio vendrá a RD a dirigir dos de sus Sinfonías.

Candido Bido

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EL SUEÑO MULTIPLICADO DE

CÁNDIDO BIDÓ

FERNANDO UREÑA RIB

 

Juan, el limpiabotas, me mira con ojos ansiosos. ¿Sucede algo extraño? “Tengo que terminar rápidamente”, me dice, excusándose, “llegó el profesor de pintura”. El niño tiene mucho interés, porque los sábados en la mañana los limpiabotas de Bonao se reúnen en el parque, frente al Centro de Cultura Cándido Bidó, para aprender a pintar y dibujar.

Me acerco y los veo sentados bajo un árbol frondoso. Julio Cesar Martínez es quien dirige el Centro que Bidó creo para el aprendizaje de disciplinas artísticas diversas. “Para que no pierdan de ganar limpiando zapatos, nosotros les damos algo de dinero.” Me explica el joven profesor.

La dinámica es intensa. Veo la plaza y me doy cuenta que esta aventura heroica y quijotesca evidencia el altruismo de un hombre que cree en los demás. Ninguna otra ciudad dominicana tiene una plaza tan colorida. Ni tan sonora. Desde altoparlantes situados en el campanario de la iglesia contigua se escucha a Bach y los conciertos de Brandenburgo. Los niños, transportados al reino de la imaginación, intentan dar forma a su propia expresión. Palomas rojas y azules parecen desprenderse de la torre monumental que el artista erigiera en medio de la plaza. Adentro, en la escuela, veo centenares de niños, adolescentes y adultos muy ocupados. Unos tocan guitarra otros imprimen grabados y serigrafías.

¡Cuánto crimen y violencia nos ahorraríamos si en cada ciudad del país hubiera proyectos como este! Es una pena, pero los gobernantes parecen ignorar el poder transformador del arte. “Pronto tendremos una nave industrial, cerca de la autopista, para producir y vender artesanías” me explica Cándido Bidó durante el almuerzo. “Esperamos que los dominicanos apoyen económicamente ese proyecto, porque el Centro, apenas recibe cuarenta mil pesos mensuales y gasta alrededor de cien mil.”

No es de extrañar. Son muchos los profesores y muchas las disciplinas. La ambición de Cándido va mucho más lejos: “Bonao necesita un anfiteatro y ya está diseñado. Aquí no hay dónde presentar una orquesta, ni una obra de teatro, ni un espectáculo de danza. Nos faltan ocho millones de pesos para completar las instalaciones del Museo y del Anfiteatro. Pero lo vamos a lograr.”

El conjunto arquitectónico de la plaza es dominado por el Museo Cándido Bidó, una estructura aérea y espaciosa. Falta por terminar los pisos superiores, uno que será dedicado a la pintura dominicana (comenzando por el arte taíno) y otro, a obras de la autoría deBidó, seleccionadas por el artista para este propósito. En el piso inferior se presentarán exposiciones temporales.

En el país los museos regionales y provinciales son difíciles de hallar. Las escuelas de arte son pocas y las academias de música son una especie en vías de extensión o se limitan al trabajo de las casi extintas bandas municipales. Los coros, que en otras partes son el orgullo de cada comunidad, por minúscula que fuera, son en nuestro país un deleite olvidado. Por eso es admirable que en Bonao, y gracias a una iniciativa personal de Cándido Bidó, los jóvenes canalicen a través del arte su energía, su talento y sus sueños. Así, el sueño de Cándido Bidó se multiplica y crece.

FERNANDO UREÑA RIB

Mundo óptico y azulado de Candido Bidó

 



“La madre”, Cándido Bidó, 2007. (Imagen suministrada)

Por: Jorge Rodríguez
EL VOCERO

Ausente de Puerto Rico desde su pasada exposición “Azul de Otoño”, en 2003, el maestro y pintor del Caribe, Cándido Bidó, retorna por sus fueros, en esta ocasión con la exposición titulada “El mundo azul de Bidó”, en la Galería Uri de Puerto Nuevo, donde el artista mostrará obras en su más reciente estilo pictórico más allá de todos sus azules, acuñado en los últimos años, y denominado como puntillismo.

Fascinado con las raíces y costumbres de su tierra dominicana, así como de su trópico y sus contenidos, éste exhibe 20 pinturas de distintos formatos con sus usuales naranjas y amarillos para calentar sus tonos, así como sus constantes rojos, cienas, negros y blancos para encapsular esa visual naïf que denota esta obra de carácter universal.

Contrario al puntillismo de Georges Seurat, con piezas de paisajes tan límpidos y calmados, ordenados e integrados, en Bidó este efecto óptico se da también a través del movimiento, la idiosincrasia de la identidad caribeña, con todos sus paisajes, sus mujeres, su gente, y objetos, y esa particularidad emblemática del uso de su luz continuamente sensual, lírica y brillante.

No obstante, lo más representativo de este pintor cuya obra ha recorrido por décadas museos y galerías selectos en tres continentes, es que posee en su narrativa plástica un discurso visual no referenciado a nada que no sea a su propia expresión visualística e iconográfica.

“Vengo con 20 obras de distintos formatos, en la Galería Uri de Raquel Espinosa, pero que ahora la he enriquecido con el puntillismo dentro de la misma temática y con un nuevo orden dentro de mis obras. Lo que pasa es que el artista tiene que estar buscando, enriqueciendo y cambiando su obra un poco, para presentar algo diferente a su público. Yo lo estoy utilizando desde hace dos a tres años, y veo el puntillismo como una nueva forma de interpretar mi estilo”, expresó Bidó a su llegada a Puerto Rico.

Con un itinerario deslumbrante, el maestro Bidó, natural de Bonao, acaba de regresar de Guatemala donde expuso “Cuando brote el azul. Este continúa en su lugar de origen con el monumental proyecto “La Plaza de la Cultura” donde se encuentra su museo y talleres en tres edificios. Desde allí celebran la Bienal Premio Paleta de Níquel, que coauspicia una multinacional canadiense. De 500 obras participantes se han escogido 150 para la inauguración colectiva del evento, este próximo 26 de octubre.

“Yo el color que más uso dentro de mis obras es el azul que ya domino. Llevo tantos años de uso —con el color ultramarino desde donde degrado todos los azules— y aunque es muy difícil de usar, lo domino a fondo en todas mis manifestaciones”, concluyó el maestro.

La Galería Uri está ubicada en la avenida Andalucía 500 de Puerto Nuevo. Para más información puede llamar al 787-749-8146.

Centro Leon

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CENTRO LEÓN

PULSO DE LA CULTURA

EDITORIAL DEL LISTÍN DIARIO

Es una pena que existiendo tanto dinero para gastar en obras no prioritarias y personal super numerario, los principales centros de la cultura operados por el Estado presenten deficiencias y deterioros en sus estructuras físicas, y sean infrecuentes las actividades que promueven.

Este Centro León es una maquinaria imparable que se proyecta no sólo nacionalmente, sino en el extranjero, trayendo o llevando exposiciones y organizando eventos de la mayor importancia para la cultura caribeña.
El que todavía no se ha dado una vuelta por esta impresionante fuente de la cultura, que lo haya ya y no se arrepentirá.

 

Editorial del Listín Diario.

 

CENTRO LEÓN

PULSO DE LA CULTURA

Poco a poco el Centro León, que honra con su nombre a Eduardo Leon Jimenes, se ha convertido en la unica y mejor plataforma de la cultura que tiene el pais, sin restar méritos a otras instituciones que, bajo el control del Estado, han venido realizando su tarea según dispongan de recursos.Pese al corto tiempo que lleva operando, apenas dos años, el Centro León , de Santiago, es el punto en el que reverberan a diario todas las expresiones de nuestra cultura.
No hay un centro en el pais que se le iguale en su dinámica.
Cada día se ofrecen allí, en sus majestuosos y modernos salones, y casi de manera simultánea, actividades que privilegian el cine, la pintura, la literatura, la investigación científica o el puntual debate de los temas nacionales.
También se ofrecen conciertos, exposiciones, conferencias , tertulias, proyecciones de filmes y talleres educativos para cualquier rama del saber y del conocimiento.
Posee una mediateca en la que los estudiantes o los investigadores, no importa su rango ni especialidad, pueden encontrar información sobre arte, antropología y ciencias ambientales, tanto de forma virtual o presencial, con una red de computadoras para el acceso a distintos catálogos y bases de datos con informaciones gráficas, textuales, fotográficas, cartográficas, fílmicas y sonoras.
Cuenta con salas de exposiciones permanentes, con las obras ganadoras de sus famosos concursos de pintura y con temporales, sea de dibujo, fotografía, escultura y cualquier otra forma expresiva.
Se atesoran los llamados símbolos o signos de la identidad dominicana, aquellos elementos característicos de las distintas etapas de nuestra vida como Nación, tanto en objetos originales, que constituyen valiosas reliquias históricas, como en fotografías y diaporamas.
Una de esas exposiciones temporales es “Huella y memoria”, que recrea la historia de la familia León Jimenes, exitosa en su incursión en la producción y fabricación de tabacos y cigarrillos, bebidas cerveceras y sus invalorables aportes a la cultura, a la educación y a otras actividades humanas.
Poco a poco el Centro León, que honra con su nombre a Eduardo Leon Jimenes, se ha convertido en la única y mejor plataforma de la cultura que tiene el país, sin restar méritos a otras instituciones que, bajo el control del Estado, han venido realizando su tarea, según dispongan de recursos.