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Archives for April 2019

Roberto Matta

April 5, 2019 By dillon Leave a Comment

LA ABSTRACCIÓN SURREALIZANTE DE

ROBERTO MATTA

FERNANDO UREÑA RIB

 

La pintura del chileno Roberto Matta sobresale, en el amplio panorama del arte latinoamericano y occidental del siglo XX, con una de las personalidades más características,  intensas y dramáticas. Un humor, con frecuencia acre y exacerbado,  se apodera de las imágenes exaltadas por la rica imaginación del artista.

Gestual y agudo, Roberto Matta indaga en los cimientos mismos de la abstracción y funde esa tendencia con la del surrealismo bretoniano que preponderó en París durante los años treinta.

El se adentra en la psiquis y en la emoción del espectador a fuerza de trazos enervados que representan la permanente crisis de la condición humana. La densidad de sus pinturas contrasta con lo burlesco y caricaturesco de algunas de sus imágenes mejor logradas, en las que se mezclan aspectos de la figuración, del surrealismo y de la abstracción y en  las que el animal y el ser humano se confunden en un apasionado ejercicio crítico. 

FERNANDO UREÑA RIB


ROBERTO MATTA 1910-2002

Ficha del MuseoROBERTO MATTA

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, nace en Santiago de Chile el 11 de noviembre de 1911. pintor y arquitecto chileno, además de ser uno de los personajes decisivos en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40, es calificado como el renovador del surrealismo, por expresar en sus obras las imágenes del subconsciente a través de metáforas visuales con una fuerte carga psicológica.

Realiza sus estudios básicos y medios en el Colegio de Los Sagrados Corazones; posteriormente se titula de arquitecto en la escuela de la Universidad Católica de Chile, diplomado con el proyecto “La liga de religiones -Valle de Joasphat, la Isla de Elefante”, un templo para 147 religiones, con dibujos realizados en la Escuela de Bellas Artes.

En esta época, Matta vivió la falta de estabilidad económica y política que aquejaba su patria. Además de la inflación, Chile estaba bajo la presión de huelgas y juntas militares. Las condiciones de vida no eran favorables, las cuales ocasionaron emociones profundas dentro del artista que luego se revelarían en su arte. Es por ello que en 1932, Matta sale de Chile como reacción a la situación política después de la elección de Arturo Alessandri, un político conservador que no apoyaba las clases laborales.

Algún tiempo después -y luego de recorrer varios países- se instala en París, para trabajar con el arquitecto Le Corbusier. En esta ciudad llena de artistas conoció a René Magritte, Pablo Picasso, Joan Miró, Rafael Alberti, García Lorca y se hizo amigo de Marcel Duchamp.

En 1936 se instaló en Londres, a trabajar con el arquitecto alemán Walter Gropius. También estuvo una breve temporada en Portugal, invitado por la poetisa Gabriela Mistral, quien despertó en él su interés por la obra poética de José Martí y los postulados del mexicano José Vasconcelos sobre la creación de brigadas culturales.

Las ideas de poetas como Mistral o García Lorca tuvieron un impacto muy grande en el arte temprano de Matta, pues utilizaba -al igual que ellos- imágenes oscuras y metafóricas para presentar temas cosmológicos. En “La Tierra es el Hombre”, por ejemplo, la creación de la tierra revela sus imágenes mentales del nacimiento y del renacimiento de su identidad como exiliado. Su representación de la tierra también revela imágenes del caos geográfico y político del Chile de su juventud. Por eso, esta pintura muestra “un regreso al concepto de la tierra nacida del caos”.

Entre los años 1937 y 1940 Matta definió su vocación artística y regresa a París a trabajar en el pabellón español de la Exposición Internacional, incrementando su interés por los dibujos y la pintura. Luego de visitar varias veces el taller de Pablo Picasso, quien estaba pintando su cuadro Guernica, conoce -por intermedio de Salvador Dalí- al escritor André Breton, quien le compra dos dibujos


Sus estudios secundarios los realiza con los jesuitas marianos del Sagrado Corazón de Jesús y de María, continúa estudios superiores en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile.

1933 Emigra a Europa, en París trabaja en el taller de Le Corbusier, durante su estadía Gabriela Mistral lo invita a pasar una temporada en Lisboa.

1936 Viaja a Londres, donde tiene la oportunidad de compartir con Gropius y Moholy Nagy.

1937 Regresa a París para participar en “La Exposición Internacional”, trabajando en el pabellón español, allí comparte con Magritte, Picasso y Miró; por intermedio de García Lorca y de Dalí conoce a André Bretón y se incorpora al grupo surrealista.

1938 Conoce a Marcel Duchamp con quien establecerá una permanente amistad. Mientras reside en París vive con Pablo Neruda en La Roche-Guyon,

Participa en la exposición Internacional de Surrealismo, que se celebra en la Galería Breaux-Arts de París.

1939 Se inició la Segunda Guerra Mundial, junto con Duchamp y Tanguy deciden abandonar Europa y establecerse en Nueva York, allí ejerce una enorme influencia en los pintores jóvenes que darían vida al fenómeno de la pintura norteamericana de los í50.

1946 Visita París. Participa en la Exposición Surrealista de la Galería Maeght.

1948 Se establece nuevamente en Europa, donde es expulsado del grupo surrealista, será readmitido 11 años más tarde.

1950 Reside en Roma y Polonia.

1951 Expone en el Institute of Contemporary Art, de Londres.

1956 Pinta para la UNESCO el mural “Las dudas de tres mundos”, realiza una serie de retrospectivas de su obra en Nueva York, Estocolmo y París.

1968 Visita Cuba y preside el Congreso Cultural de la Habana. Expone un discurso con el título de “La guerra interior”.

1970 Realiza una exposición retrospectiva en la National Galerie de Berlín.

1970/1972 Viaja a nuestro país invitado por el Presidente Salvador Allende, trabaja en murales colectivos con la brigada “Ramona Parra”.

1971 Los trabajadores de la Peugeot organizan una retrospectiva de Matta en la villa francesa de Sochaux.

1975 Participa en la Exposición itinerante “el gran Burundún-Burunda ha muerto” para apoyar la declaración del tribunal Russell sobre los crímenes de la Junta Militar en Chile, inaugurada en el Museo de Arte Moderno de México.

1982 Viaja a Nicaragua con ocasión del Congreso Interamericano sobre “Autonomía cultural de nuestra América”, donde participa junto a Julio Cortázar y García Márquez.

1983 Realiza la exposición retrospectiva “Mediterráneo verbo América” en Valencia y Barcelona en España.

1990 En 27 de Agosto recibe el Premio Nacional de Arte; en Noviembre del mismo año se realiza una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes, actualmente es considerado el mejor pintor vanguardista del mundo aún vivo.


Fuente
BINDIS, RICARDO. “La Pintura Chilena desde Gil de Castro hasta nuestros días”. Phillips Chilena. S.A. Santiago, 1984.
CARRASCO PIRARD, EDUARDO. “Matta”. Ediciones Hercar Aetna Chile S.A. Santiago 1990.
IVELIC, MILAN / GALAZ, GASPAR. “La Pintura en Chile: desde la colonia hasta 1981. Ediciones Universidad Católica de Valparaiso.
“Chile Arte Actual”. Ed. Universidad Católica de Valparaíso.
ROJAS ABRIGO, ALICIA. “Historia de la Pintura en Chile”. Libro Audio Visión, tomo I. Banco Español Chile. Santiago, 1981.
ROMERA, ANTONIO. “Historia de la Pintura Chilena”. Editorial Andrés Bello, Santiago-Chile, 1976. Cuarta edición.
SAUL, ERNESTO. “Artes Visuales 20 años 1970-1990”. Ministerio de Educación, Santiago 1991.
“Matta: conversaciones”. Editorial CESOC-CENECA. Santiago, 1987.
“Matta” Ministerio de Cultura de España. Dirección General de Bellas Artes y Archivos.. Sep.-Oct. 1989. España.

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Joanquin Torres Garcia

April 5, 2019 By dillon Leave a Comment

LA PINTURA CONSTRUCTIVISTA DE

JOAQUÍN TORRES GARCÍA

FERNANDO UREÑA RIB

 

 

La pintura del uruguayo Joaquín Torres García causó impacto en Barcelona y luego en París durante los años finales del siglo diecinueve y los iniciales del siglo veinte. Era una pintura de gran sobriedad cromática, de gruesos empastes y de una particular geometría en la que colindaban con igual preponderancia, la modernidad plástica descubierta por Picasso y Braque y la rica imaginación indígena que procreaba al amparo de sus dioses una demiurgia y una teogonía admirables. El juego podría llamarse constructivismo o como se quisiera, pero lo esencial es que se trata de una pintura que se apodera de los signos, los revitaliza y les da vigencia en un mundo que vive de mitos encubiertos, de falacias que se superponen unas sobre otras hasta formar una gruesa e impenetrable capa de misterios que no son más que una herencia ancestral reinventada.

 

 

Fernando Ureña Rib



“He dicho Escuela del Sur; porque en realidad, nuestro norte es el Sur. No debe haber norte, para nosotros, sino por oposición a nuestro Sur. Por eso ahora ponemos el mapa al revés, y entonces ya tenemos justa idea de nuestra posición, y no como quieren en el resto del mundo. La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente el Sur, nuestro norte.”

Joaquín Torres García. Universalismo Constructivo, Bs. As. : Poseidón, 1941.

JOAQUÍN TORRES GARCÍA(1874-1949)   Montevideo, Uruguay

 

Pintor uruguayo, abstracto, que contribuyó decisivamente a la difusión del constructivismo en Latinoamérica, con su teoría del universalismo constructivo (1944). Nació en Montevideo en 1874. Hijo de padre catalán y madre uruguaya ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en 1892, tras el regreso de su familia a España. Aquí se vio muy influenciado por el movimiento modernista catalán, con el que siempre se identificó, e inició su amistad con Pablo Picasso y Antoni Gaudí, con quien colaboró en la realización de las vidrieras del templo de la Sagrada Familia en Barcelona (1903-1907).Durante los veintinueve años que vivió en la ciudad, llevó a cabo varias obras en edificios públicos y privados (ayuntamiento, diputación, iglesias de San Agustín y San Jorge), También trabajó con Gaudí en la restauración de la catedral de Palma de Mallorca, donde realizó unas vidrieras con diseño geométrico y colores planos, que producen en el interior una iluminación singular. En 1910 se traslada a Bruselas para decorar el pabellón uruguayo de la Exposición Internacional (dos murales sobre la agricultura y ganadería uruguayas) y con motivo de este viaje visita también París, Florencia y Roma.

En 1913 publica Notes sobre Art, con el que se inicia en la teoría artística y realiza el fresco La Catalunya ideal. En 1919 viaja a Nueva York, y tres años más tarde a Italia y Francia fijando su residencia en París, en 1926. Aquí toma contacto con Mondrian, Van Doesburg y Seuphor. Con éste funda en 1930 la revista y el grupo ‘Cercle et Carré’, promotor de la primera exposición de arte constructivista y abstracto.

En 1932 abandona París y se instala en Madrid, donde conoce a Lorca y crea un grupo de artistas constructivos. Tras su regreso a Montevideo en 1934, funda la ‘Asociación de Arte Constructivo’ y más tarde el ‘Taller Torres García’.

Su teoría sobre el constructivismo fue difundida a través de la revista Cercle et Carré y de su libro Universalismo constructivo, publicado en 1944; ese mismo año le fue concedido el Premio Nacional de Pintura. De su obra cabe resaltar además: Ritmos curvos en blanco y negro (1937), Arte constructivo (1942) y siete murales de 1944 (Locomotora blanca, El sol, El tranvía). Tras su muerte en 1949 se organizaron diversas muestras de su obra en Europa y América; su influencia fue muy importante para el desarrollo de la plástica uruguaya. © eMe

 

 


 

FICHA DEL MUSEO

 

 

 

 

 

JOAQUÍN TORRES GARCÍA

Orígenes. Primeros años. Educación.

Joaquín Torres García nació en Montevideo el 28 de julio de 1874, hijo de Joaquín Torres Fradera y María García Pérez.

Su padre era catalán. Había nacido en Mataro en el seno de una familia de cordeleros es decir en un ambiente relacionado con la navegación. Quizás por ello, en su condición de segundón, que no le ofrecía demasiadas perspectivas de continuar el negocio de su progenitor, emigró a los diecinueve años al Uruguay, donde trabajó denodadamente creando en Montevideo y en lo que en el último cuarto del siglo pasado se denominaba “Plaza de las Carretas” un establecimiento comercial que era algo así como un bazar o almacén de los más heterogéneos artículos, con una cantina anexa que frecuentaban principalmente los gauchos que llegaban a la ciudad para vender sus productos y a ola vez hacer su provisiones.

Torres Fradera tenía, junto a su almacén y cerca de un copudo ombú, un aserradero de madera y un vasto taller de carpintería en el que Joaquín pasaba muchas horas cortando y ensamblando piezas. Su arte acusará la huella de la habilidad así adquirida. La madre, uruguaya de nacimiento pero hija de un oriundo de Canarias, de nombre José María y de profesión carpintero, y de una mujer Rufina, que era la única americana de varias generaciones y tenía en sus venas sangre de los colonizadores españoles y de los aborígenes. Joaquín creció flaco y pálido, como decían los suyos “era todo pellejo y huesos”. Se manifestaba sensible y nervioso. Dotado de un gran poder de asimilación, se formó en buena parte por su cuenta, leyendo vorazmente. Torres Fradera experimentará diversos altibajos en su situación económica. Sus ahorros se esfumarán al quebrar un banco y, cuando había rehecho su fortuna, una disposición del gobierno uruguayo, prohibiendo determinadas importaciones lo arruinó de nuevo. Decidió volver a tierra de sus padres. En julio de 1891 embarcó en Montevideo con su esposa e hijos hacia Génova y seguidamente rumbo a Barcelona.
Vuelta a las raíces. Aprendizajes. Tanteos.

Llegados a la capital catalana, van casi sin detenerse, del puerto a la estación ferroviaria, para tomar el tren que los lleve a Mataro. Joaquín tiene diecisiete años. Todo excita su curiosidad: la gran ciudad vislumbrada y la villa nativa de su progenitor; el taller de la familia de cordelería; incomprensible lenguaje en el que su padre conversa con sus tíos y sobrinos, aquel catalán que al poco tiempo hablar a la perfección e incluso años más tarde utilizará literariamente; el suave paisaje de Mareme, de vegetación modesta pero animado por la incomparable luz del mar latino, que habrá de influir posteriormente y de un modo decisivo en la concepción clásica de una etapa de la evolución pictórica. Frecuenta la escuela nocturna de Artes y Oficios para tomara lecciones de dibujo con Josep Vinardell. Se inicia en la pintura…

A la vez que se forma culturalmente, su afición a la pintura va en aumento. Llega un momento en que su destino está decidido, no sin cierta oposición paterna: será artista. Ingresa a la célebre Academia de la Lonja, la célebre “Llotja” fundada por la Junta de Comercio y que en los días de Torres García se denominaba “Escuela Oficial de Bellas Artes de Barcelona”

En 1897 un número extraordinario del diario barcelonés “La Vanguardia” reproduce un dibujo suyo: una escena callejera costumbrista llamada “La compra de turrones” y al cabo de pocos días presenta una variada colección de dibujos en el Salón de Exposiciones del mismo diario. Se sabe que Torres García trabajó una temporada en las obras del templo de la Sagrada Familia, a las órdenes de Antonio Gaudí, aunque se desconoce la naturaleza de su aporte a la obra, así como que colaboró con Gaudí en la Reforma de la Catedral de Palma de Mallorca.

En 1904, poco después de trabajar a las órdenes de Gaudí realiza con Iu Pascual, su compañero de trabajo en la Catedral Mallorquina una exposición en el “Círculo Artístico de Sant Luc” con gran apoyo de la crítica especializada. En mayo de 1904 publica un artículo en la revista “Universitat catalana” donde sostiene que nunca la forma artística debe consistir en una copia de la realidad, revelando así el idealismo de su concepto del arte.

En 1906 se le presenta a Torres García la primera oportunidad de realizar un trabajo personal: pintar óleos de escenas idílicas de la vida campesina en una estancia de la residencia del Barón de Rialp. Prontamente recibe otro encargo, se trataba de la seis grandes lienzos para decorar la Capilla del Santísimo de la Iglesia Neoclásica de San Agustín de Barcelona. En 1908 se presenta otra gran oportunidad para Torres García, pintar una estancia del ayuntamiento de Barcelona, realiza allí escenas alusivas a la actividad comercial y mercantil de la ciudad. Su obra generó algunas voces de descontento “su modernidad desagradó a los rutinarios”.

En 1910, ya casado con Manolita Piña, parte a Bruselas con el objetivo de montar el pabellón uruguayo de la Exposición Universal, pinta allí escenas dedicadas a las principales fuentes de riqueza de su país: la ganadería y la agricultura. Tanto en el viaje de ida como de vuelta se detuvo en París donde intercambio ideas y contempló la obra de sus amigos pintores. A su retorno a mediados de 1910 expone en la sala “Faianç Catala”, la acogida de la prensa y el público es tibia, solo algún crítico elogia la armonía de sus grises pero con reticencias.

El descubrimiento del Mediterráneo. Serenidad.

Por razones de economía el matrimonio Torres-Piña se instala en Vilasar del Mar, el pintor encuentra allí un aislamiento fecundo. La sugestión de aquel paisaje ribereño contribuye a despertar en su espíritu un fervor por lo clásico. Por ello al nacer en Vilasar su primera hija le asigna el nombre de Olimpia, le seguir cuatro años después Ifigenia, luego Augusto y por último Horacio. Parece haber logrado ver con sus ojos lo que contemplaban los antiguos. En la primavera de 1911 se celebra en Barcelona la “Sexta Exposición Internacional del Arte”, Joaquín había enviado allí diversos cuadros como “Palas introduciendo a la Filosofía en el Helikon como Décima Musa”

Tiempo más tarde le proponen la tarea de adorno y restauración del Palacio de la Generalitat, realizando también los murales del “Salón de San Jorge”. A mediados de 1912 parte a Italia con el propósito de conocer los frescos sobre todo los de Pompeya, sin embargo fatigado por tantos viajes desistió de la empresa, estuvo en Florencia y en Roma.

En setiembre de 1913 aparece un libro de Torres García llamado “Notes sobre art” que recopila sus conceptos sobre estética. Sus frescos en las paredes del Salón de San Jorge le ocasionaron muchas críticas, incomprensión y disgustos. Se crea una gran polémica en torno a su arte que sacude toda Barcelona.

El sosiego anhelado.

Lejos de las intrigas de Barcelona Joaquín Torres García pretende arraigarse y vivir en una casita de campo en las cercanía de “Can Bogunya”. Esta casita se inaugurar en 1914 era una mezcla de casa de campo catalana, villa romana y templo griego con dinteles y columnas inclusive, la bautizó con el nombre de “Mon Repos”, o sea “Mi descanso”. Pero el sueño no pudo cumplirse, Torres García no pudo renunciar a su pasión y continuar con el Salón de San Jorge y otras obras. Elabora un arte muy sencillo, voluntariamente limitado.El arte que crea entre 1915 y 1917 puede calificarse de franciscano porque surge fruto de una total admiración a cuanto lo rodea.

La crisis de 1917. Dinamismo ciudadano.

A principios de 1917 y junto al pintor Rafael Sala, expone por segunda vez en las galerías Dalmau, que albergaban las más célebres manifestaciones artísticas de Barcelona. Ese mismo año toma contacto con el pintor uruguayo Rafael Barradas, con quien establecerá un vínculo muy estrecho. Barradas denomina a la pintura de Torres García “vibracionismo”. Paulatinamente y sobre todo después de la muerte de su amigo Henrios Proa de la Riba, Torres García pierde apoyo de las autoridades locales y es muy seriamente cuestionado por la prensa. Su cuarto fresco en el Salón de San Jorge fue ampliamente censurado. Los años 1918 y 1919 serán muy duros.

Desaliento. Arte pobre. Inconformismo.

El desengaño sufrido lleva a Torres García a aislarse, concentrarse más en sí mismo y limitar sus amistades a un círculo de personas de ideología inconformista, incluso simpatizantes de la revolución. Torres García ser presa del estado de espíritu de su tiempo.

Ni el desaliento ni la austeridad son obstáculos para que se realice entonces una de sus obras más felices y enjundiosas: un panel decorativo con unos personajes elegantemente vestidos y situados en el jardín (entre ellos el propio pintor), que exhibió en la Exposición General de Arte de Barcelona, celebrada en la primavera de 1918. En aquel mismo período, Torres García inicia una modalidad en su producción artística en la que pondrá muchas esperanzas y obtendrá nuevos desengaños a pesar del evidente interés que ofrece: se dedicar a la producción de juguetes de madera, diseñados por el e ingeniosamente ensamblados. Las horas de infancia transcurridas en el taller de su padre en Montevideo estaban allí presentes. Pero el negocio fracasa. La situación económica empeora. En el ambiente artístico catalán donde abundan como en todas partes los maledicientes empieza a aludirse Torres García como “Torres-Desgracias”. Desanimado decide marchar a los Estados Unidos.

América dinámica y amarga.

Pocas fueron las alegrías y muchos los sinsabores vividos por Torres García y su familia en Nueva York. Si en parte quedó fascinado por la vida trepidante en esa inmensa aglomeración humana, por otra encontró grandes dificultades para obtener algún dinero con su arte en aquella sociedad materialista a la que no pudo integrarse del todo por su desconocimiento del inglés

Escena callejera en Nueva York, óleo de 1921.

Muchas obras del artista reflejan su admiración por Nueva York, pero por las dificultades de idioma se relaciona preferentemente con extranjeros. Ensaya nuevamente con la industria del juguete sin obtener buenos resultados, pensando en mayores oportunidades de éxito y facilidades de fabricación hace un nuevo intento y se marcha con toda su familia a Génova, lleno de esperanzas. en julio de 1922.
Frustraciones. Episodio final de los frescos barceloneses.

Los Torres se instalan en Fiéstole, el artista deja de pintar enfrascado en la fabricación de juguetes de madera, celebra una muestra con grandes expectativas y muy pobres resultados. Un nuevo emprendimiento en materia de industria del juguete queda frustrado por el incendio de un almacén donde guardaba las existencias ya listas para la venta de Navidad. Igualmente Torres García continúa con la construcción y venta de juguetes a Norteamérica y Holanda. Pero el régimen fascista italiano más allá de las razones económicas hace muy incómoda la permanencia de la familia Torres-Piña en Italia.

En diciembre de 1924 se instala en Villefranche-sur-Mer, un pueblito francés de la Costa Azul y empieza a pintar nuevamente. Se diría que el ambiente del Mediterráneo ha desarrollado su espíritu clásico pintando hombres y mujeres trabajando la tierra, más semidioses que agricultores, pintados con un voluntario arcaísmo estilístico. La dictadura de Primo de Rivera incide en la autonomía de Cataluña, y pintores oficialistas y con tendencias académicas quedarán a cargo de los frescos del Salón de San Jorge. Con honrosas excepciones muchos pintores se prestaron gustosos a eliminar la obra mural de Torres García. La tendencia era “dar marcha atrás” a la obra de la administración catalana, lo penoso es que ninguno de esos pintores depredadores de la obra de Torres García logró jamás superar ni su fama, ni su obra.

En setiembre de 1926 y estimulado por el éxito de algunas exposiciones suyas logra el sueño de llegar a París con toda su familia.

Estancia en París. Actividad febril. La abstracción.

Los primeros tiempos en París fueron muy duros, dificultades para conseguir alojamiento, la “Vía Crucis” de los “marchands”. Sin embargo nunca deploró haber pasado por desalentadoras experiencias: “Yo he aprendido mucho en París, puedo decir que allí me formé definitivamente” sostiene Torres García.

En los primero tiempos de su estancia en París, su pintura acusa una influencia “fauve” en la voluntaria brutalidad de los rostros o las figuras de cuerpo entero, pintadas toscamente como ciertos ídolos de los pueblos salvajes, aunque en la obra de aquella época, además de la seducción del arte negro, se percibe en algunos paisajes y bodegones, una preocupación estructural de innegable filiación cubista.

El círculo de amistades de Torres García en París entre 1928-1929 revela, pues una afinidad en el sentido artístico, con un conjunto de personas que, a pesar de la diversidad de formulaciones y de la multiplicidad de los experimentos estéticos llevados a cabo por cada una de ellas, aprecian lo estructural más que lo aparente, el concepto más que la imagen, lo racional más que lo sensible.

A finales de 1928 Torres García se ha desprendido ya de todo resabio “fauvista” y primitivista y tiene de a la abstracción. Su tendencia a la austeridad formal se acusa en una modalidad estilística que dar mucho juego en su pintura por aquellos años: la disociación de la línea y el color y la producción de un tipo de dibujo muy esquemático.

“La Historia del Arte -dijo Torres García- muestra que todos los pueblos pasan de lo puramente imitativo a lo abstracto. Esa evolución no es fortuita: obedece a la tendencia de la Humanidad a seguir el sentido del Universo, que en todo momento se encamina hacia la Unidad…”

Si la perspectiva constituía para el pintor un impedimento para sugerir, en un solo plano, la noción de la unidad de la diversidad de las formas, también en aquella época constructiva consideró Torres García que los valores, la intensidad de los tonos o lo que se denominas “claroscuro” son elementos accesorios o secundarios respecto a lo esencial, que es el color, de modo que, para no perjudicar la unidad de la composición, aprovecha el sistema del funcionalismo ortogonal o de las cuadrículas, para destruir el colorido, asignando cada color diferenciado a un plano o cuadro distinto.

Del tamaño de éstos dependía, al parecer del artista la intensidad tonal. Las formas y los colores que perciben nuestros sentidos son, pues reelaborados y pasan a ser objeto de una reestructuración. Pero ésta no se hace arbitrariamente. Sometiéndola a una orden -decía Torres García- se puede elevar a la Naturaleza a un plano universal, porque se procura ajustar lo visible a la ley de Unidad que preside el Cosmos. La pretensión del artista era, por tanto, muy ambiciosa. Si, por un tiempo, definió sus pinturas como “Constructivismo” poco después les aplicó la denominación de “Universalismo Constructivo”

” En definitiva se trata de un arte de gran contenido ideológico, ya que aspiraba a dar una visión unitaria del Mundo por medio de una rígida estructura y de un esquematismo formal y colorístico, sin incidir en la abstracción total. Por eso las obras del pintor están llenas de alusiones a la realidad, Torres García incluye en los recuadros de sus composiciones, representaciones de objetos usuales: un reloj, un martillo, un áncora, o bien figuraciones de seres vivientes: un pez, un hombre… Así el contemplador de esta especie de jeroglífico nunca llega a tener la impresión de estar desligado en la realidad perceptible.

Durante sus años parisinos pudo haber sido completamente feliz de no haber sentido de un modo acuciante la preocupación económica. El crack de 1929 y la consecuente crisis económica mundial, lo hacen pensar en trasladarse a España donde acababa de instaurarse la República Española, pensando sobre todo en sus amigos influyentes ahora en el nuevo régimen. Llega a Madrid el 11 de diciembre de 1932.

Período madrileño. Vanos esfuerzos. Transitoriedad.

Pasar en Madrid cerca de un año y medio. Reconoce en su autobiografía como una de las épocas de su vida en que ha sufrido más, no solo desde el punto de vista económico, la prédica de su estética, y su pintura son recibidas con indiferencia. Sin embargo más allá de esas dificultades puede Torres García reencontrar viejos amigos de su etapa catalana y hacer muchos nuevos amigos, hombres ilustres de su tiempo, vanguardia artística de la época como Federico García Lorca que tenía referencias suyas a través de Rafael Barradas, entre otros. Lo que no obtuvo fue el público reconocimiento de su valía. De gran ascendiente entre sus alumnos, logró formar un Grupo de Arte Constructivo. Precisamente cuando su situación económica tendía a mejorar, Torres García resuelve viajar a América, primero piensa en México pero descarta esa tierra por motivos de salud, luego en Montevideo para donde embarca en abril de 1934.

Los últimos años en el Uruguay. Fecunda docencia.

Cuando después de 43 años de ausencia, regresó a los 60 años a Montevideo y se constituyó en un incansable maestro.

En la capital uruguaya dictó más de seiscientas conferencias, pintó con asombrosa vitalidad y llegó a publicar cerca de una decena de libros, debemos recordar que, pese a los motivos sentimentales los contactos de Torres García con su país de origen no habían sido muy intensos. A causa del carácter esporádico de esas relaciones, la información que el artista tenía sobre su país de origen era más bien escasa. Inmediatamente sintió una profunda admiración por Montevideo y sus habitantes. La desilusión vino poco después, cuando Torres se percató de que aquella ciudad de Montevideo que tenía todo el aire de gran metrópoli del siglo XX en lo material, se nutría en cambio, en lo artístico, de las manifestaciones más pobres y anticuadas.

Ante ese contraste Torres García reaccionó con su característico entusiasmo. Publicó multitud de artículos de prensa, pronunció en círculos culturales, aulas universitarias, emisiones radiofónicas una impresionante cantidad de conferencias. Buscó aleccionar a sus compatriotas y mostrarles la diferencia existente entre el arte periclitado y el arte vivo. Multiplicó las exposiciones haciendo presente su arte. A partir de mayo de 1936 edita una revista “Círculo y Cuadrado” casi íntegramente confeccionada por él, segunda época de “Cercle et Carré” fundada en París para el movimiento contructivista. Más tarde en 1944 publica “Removedor” que se define “Revista del Taller Torres García”. En el grupo de sus discípulos figuran entre otros sus dos hijos Augusto y Horacio, Julio, José Gurvich, Francisco Matto, José Cullell y Gonzalo Fonseca. Torres García se siente compenetrado con la tierra que lo vio nacer porque, finalmente, sus compatriotas se han percatado de lo mucho que ha hecho para afinar la sensibilidad colectiva en lo que a la plástica se refiere. Fallece en Montevideo el 8 de

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Maria Veronica Leon

April 5, 2019 By dillon Leave a Comment

MARÍA VERÓNICA LEÓN

UNA JOVEN ARTISTA LATINOAMERICANA EN PARÍS

FERNANDO UREÑA RIB

 

MARÍA VERÓNICA LEÓN

La conocí en Quito. En una cumbre. Corría el año de 1996 y alcancé a ver a María Verónica trepada (y atrapada) en un andamio. Ella trabajaba junto al maestro Oswaldo Guayasamín, en su taller, unos enormes paneles murales que servirían para la Capilla del Hombre. Cuando logró descender me extendió una mano embadurnada de acrílicos que yo apreté gustoso. El viejo zorro la miraba emocionado. María Verónica poseía la chispa de la juventud y esos ojos ávidos, ansiosos, capaces de absorberlo todo.

Luego surcamos las noches de Quito y sus bares secretos. Hubo otros encuentros. Ella fue invitada a exponer en el Museo de Arte Moderno y presentó una enorme y chocante vagina ensangrentada, hecha de no sé qué materiales. Se salvó de la inocente ira de los isleños y se refugió en París.

Allí fui a visitarla. Su buhardilla no había de tener más de cuatro metros cuadrados. De las cortinas del baño colgaban lienzos en proceso de secado. A veces pinta retratos, y ciudades inhóspitas sacudidas volcanes, huracanes y temblores.  Ella se arroja desnuda sobre el suelo y pinta con una pasión desbordada, cautivante, incontenible.

Y es esa pasión lo que distingue, en París y en el mundo, las pinturas de María Verónica León. Porque pinta sin miedo. Con arrojo, sin que nada se interponga entre ella misma y la materia efusiva, que chorrea y se escapa buscando la imagen elusiva, vital y radiante, definitiva, resuelta y libre.

 

 

Fernando Ureña Rib

 

 

MARÍA VERÓNICA LEÓN Y FERNANDO BOTERO

Je suis convaincue que depuis la saturation des manifestations conceptuelles, nous vivons une époque faisant référence à une renaissance ou les activités comme le dessin, la peinture, la sculpture reprennent le rôle “protogétique”. On nous dit aussi, lors des conversations avec des personnalité et auteurs culturels internationaux que l’on observe une dépression caussée par l’épuisement du discours, un “facilisme” évident, surgissant de cette manière de la nécéssité, de revenir au commencement et si possible sauver les concepts: Esthétiques, Ludiques, Magiques

MARÍA VERÓNICA LEÓN

UNA ENTREVISTA RECIENTE…

1) ¿Quién es María Verónica León?

Soy una mujer artista apasionada por el arte y la vida, sensible y activa,
que ama las relaciones humanas y la comunicación. Un ser conciliador que
busca en el mundo expresar libremente su pensamiento y sensibilidad; sin
barreras de idioma e idiosincrasia. Una mujer que concede a la libertad su
poder de acción y creación, y que, sin dejar de reconocer los fundamentos
de la vida y el ser humano, se interesa por la actualidad y el  progreso,
que cree en la renovación, buscando un equilibrio entre lo ideal y lo
material, y que lucha para dar a la mujer ecuatoriana un mejor sitial en el
mundo del arte, con nuestras propias capacidades.

2) ¿Cómo defines tu propuesta artística?
Prefiero no ser yo quien defina mi propuesta artística, la expansión
expresiva seria limitada por una autodefinición. Hoy en dia que las
definiciones artísticas se siguen cociendo en el caldero del mercado del
arte común; me reservo el derecho a la no definición, para no caer en el
modelo típico de hoy. Prefiero hablar de intención, un principio que parte
de una expresión multidisciplinaria que contempla distintas areas como la
pintura, el dibujo, el video arte, el performance y la fotografía digital;
como disciplinas que con la aplicación simultanea dinamizan la expresión
creativa, así como la renuevan. Esta posibilidad de jugar con las técnicas
diversas genera un movimiento saludable para la transmutación de mis ideas.
Acciono con cada una de dichas disciplinas hacia sus alcances y hasta sus
limites. Me reservo el derecho de conservar un carácter humanista en mi
obra a partir del protagonismo que ejerce el ser humano, y en particular la
mujer, que por “justicia histórica” esta haciendo sus mejores
intervenciones en el mundo. La presencia del ser enfatiza el sentido
humanista del arte, y su proyección histórica en el mundo del arte.

3) ¿Cómo logras involucrar al espectador en tu obra?
No me lo propongo. Creo que el hecho de establecer una comunicación
constante con la gente y el mundo; buscando un entendimiento armonioso,
hace que en mi afán de expresar mi sensibilidad haya un oído sensible y una
mirada atenta como respuesta.
Al partir de una autenticidad propia y expresar espontáneamente las
inquietudes del espíritu, un ser humano inteligente y sensible, no puede
restar ajeno a esa intención de comunicación, ese deseo original involucra
de hecho a todos los seres humanos

4) ¿Qué representa lo urbano en tu obra?
Prefiero abstraerme de lo urbano para la representación, eso no es
renovador.
Como mujer de una sociedad contemporánea, soy en cierto grado sinónimo de
ese urbanismo y su alta complejidad. Mi participación en sociedades
desarrolladas y mi adaptación relativamente fácil al desarrollo de sus
ciudades y procesos culturales; me hace considerar lo urbano como un
elemento explotado, reutilizado, y, después de esta saturación, me abstengo
de la representación artística termino, creo que esta implícita, para
concentrarme de mejor manera en el humanismo que hemos perdido, en lo
natural de la expresión, en un nuevo comienzo sin corrupción, en el ser
humano, que sin duda alguna necesita afirmar y conocer sus capacidades
espirituales.

5) ¿Cómo conjugas París, Venecia y Guayaquil en tu vida y en tu obra?
Un delicado triangulo, lleno de magia y posibilidades. El alimento mas
apropiado a mi ávido espíritu de conocimiento, cultura y belleza. El
triangulo necesario para conocer las diferencias y establecer un equilibrio
que favorezca mi expresión como artista. Paris es la visión luminosa con
noción de eternidad, donde el hombre ha expresado bien su alto sentido
artístico. El mito que alimenta las fantasías e ideas de un artista, pero
que se desvanece en su actual complejidad y el desenfrenado apetito de
progreso…Venecia un cuento de hadas, un enorme escenario al aire libre
que hace sentir las capacidades del espíritu humano a través de sus
encantos arquitectónicos, un escenario sin tiempo; donde los oídos vuelven
a la inocencia.
Guayaquil; que como cuna, me recuerda mis raíces latinoamericanas, y que
con gracia y generosidad ha hecho de su gente la mas grata arquitectura
humana; donde se respira aun ternura y humor y que me permite dejar en mi
querido pais semillas curiosas de arte y cultura.

6) ¿Cuáles son tus obsesiones?
Aja, solo te voy a decir que el arte es mi mayor obsesión, el resto lo
dejare a vuestra imaginación…

7) ¿Qué es el arte para María Verónica León?
Es un nombre que se puede conjugar, un nombre bien puesto que se entiende
en diversas lenguas, y que implica la conjunción de las capacidades
espirituales e intelectuales mas desarrolladas del ser humano; a través de
sus facultades sensibles y por que no, especiales, manifestándose de manera
distinta en las diferentes épocas de la historia. La expresión del
pensamiento, el alimento de los pueblos para su crecimiento, que nos lleva
a la comprensión, y la aceptación serena de las diferencias en el mundo, al
entendimiento de los espejos del ser humano. En fin, el arte también es
para mi el nombre ficticio que el hombre le dio a la locura, y que en
algunos casos se llamo genialidad…

8) ¿A quién admiras y por qué?
Admiro sobretodo a grandes lideres espirituales, como Jesucristo,  Gandhi,
Madre Teresa de Calcuta, Dalai Lama, estos espíritus altamente nobles que
hicieron de su vida un ejemplo para la humanidad, que sin pretensiones
entendieron mejor la esencia de la vida, haciendo de la paz una realidad,
que si no se mantiene es por la insensibilidad; la ignorancia y la ambición
humana.
Admiro su resistencia a las tentaciones, que es tan difícil de lograr, y al
poder natural que sin nada supieron expresar a través del amor…

9) ¿Quiénes son los artistas que más te han influenciado?
Mas que influencias, prefiero hablar de maestros, de genios; de escuelas a
las que admirado y son referencias, asi: la pintura clásica española, la
pintura de Flandes y Holanda; la pintura Italiana, el impresionismo
francés, la pintura expresionista alemana, el modernismo en sus mejores
escuelas, el happening y el performance mas que la instalación.
Asi citar a un sinnumero de maestros es demasiado, por lo que citare unos
pocos grandes, como Goya, El Greco, Zurbaran, Velásquez, Van Dyck, Van
Eyck, Roger Van der Wayden, Hieronimus Bosch, Rubens, Rembrandt, Leonardo
Da Vinci, Miguel Angel, Rafael; Boticcelli, y luego…Klimt, Egon Schielle,
Kokoshka, Monet, Manet, Picasso, Chagall, Matisse, Pollock,  Mary Cassat,
Giorgia O keefe, Leonor Fini, Frida Kahlo…despues…Kusama; Pierre et
Gilles, Bill Viola, Marina Abramovich, Mathiew Barney, Cyndy Sherman, Nan
Goldin, The Guerrilla Girls, etc, etc, etc….En fin, tantos buenos y
buenas, de la historia del arte, cuya obra prima antes de cualquier
discurso.

10) ¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?
La exposición de mi obra mas reciente en el Museo Galliera de Paris, y
sobre la que estoy trabajando. Este museo es uno de los  museos mas
importantes, con una historia interesante y particular que nace del
generoso mecenazgo de la Duquesa de Galliera en el siglo 19. De hecho estoy
preparando su retrato que integrare a la muestra en noviembre del 2006 y a
la que están invitados. Es la primera vez que una mujer ecuatoriana
participa en la historia del museo.
Luego me dedicare a la promoción de mi obra en los Estados Unidos.

11) ¿Cómo defines tu discurso?
Simplemente por cortesía a tu generosa entrevista, caeré por un instante en
el cliché del bla bla bla del arte contemporáneo. Quiero que mi obra
prescinda del típico discurso; que su fuerza máxima se extienda no solo a
los pretenciosos iluminados o a las elites menores y mayores del mundo del
arte, sino a gente de todo tipo. Entonces diría: Voy  hacia la política del
no discurso, preservando la calidad en la ejecución plástica en sí. Mi obra
guarda un lenguaje multidisciplinario, polivalente, donde la técnica es una
herramienta mas en la representación. De cierta sofisticación estética,
maneja los opuestos o contrarios, entre el estatismo y el movimiento;  la
posibilidad y la imposibilidad; la definición y no definición, busca en la
diversidad y lo ambiguo una fusión de sus elementos creativos; Las
reflexiones producen realidades plásticas de distinta índole, la
superposición o collage de posibilidades, donde el ser humano es el
protagonista y el conductor hacia el principio.
No me interesa ser considerada como artista contemporánea en el modelo
típico de hoy en día, prefiero pensar que soy una mujer contemporánea,
artista sin tiempo, que busca a través de una renovación despojarse de los
lenguajes caducos y explotados, y que prefiere retomar lo natural, lo
mágico y lo  lúdico en los procesos del acto creativo. Si lo que yo llamo
el protagonismo de la literatura del arte contemporáneo o literatura
contemporánea  en si ha tomado dichos alcances artísticos, prefiero
pertenecer a un nuevo despertar que no lo definiré yo misma, pero que sabe
a diferente y autentico…y que a pesar de mis convicciones vagamente lo he
definido ja…

Como te proyectas en los próximos anos…
Me proyecto como una mujer artista, apasionada por el arte y por la vida,
sensible y activa, que ama las relaciones humanas……(volver al
principio, leer  pregunta numero 1…, pero añadir una mujer algo satisfecha
por haber creído en el arte, y en la grandeza de su pequeño país…)

Besos
MARIA VERÓNICA

 

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Edgar Negret

April 5, 2019 By dillon Leave a Comment

​

AMÉRICA, EN LA ESCULTURA DE

EDGAR NEGRET

FERNANDO UREÑA RIB

Que un escultor domine la materia, cualquiera que esta sea, y consiga con ella un conjunto de formas que se distingan de inmediato como propias y auténticas implica no solo un gran talento, sino una dedicación casi absoluta al arte de la escultura. Esto es lo que consigue sin dudas el escultor caucano Edgar Negret Dueñas.

Pero no sólo eso. Negret desborda los límites de su imaginación creadora y es posible ver, palpar y sentir a América, la enorme cordillera, las cataratas y las selvas en estas abstracciones del metal, moldeado con brío y saña, para que muestre el gran continente que somos, desde el discreto silencio de las formas.

Negret hace hablar la materia.  La convierte en vasos comunicantes,  en ideas forjadas (literalmente) por la sierra, el soplete y el fuego. Una limpieza de perfiles, una incuestionable autoridad en la verticalidad de las líneas y sobre todo, un juego de variables visuales, de posibilidades de observación, y en suma: una riqueza poética suprema, hacen de este escultor uno de los hitos de América.

Negret no es sólo colombiano, es nuestro. Es un gran escultor de América.

FERNANDO UREÑA RIB

 


EDGAR NEGRET DUEÑAS

Escultor caucano (Popayán, 1920). Hijo del general Rafael Negret Vivas y de María Dueñas, Negret estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. A1 año siguiente, conoció en su ciudad natal al escultor vasco Jorge de Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna.

Así, después de sus figuras erguidas o reclinadas, realizadas en la escuela dentro de una concepción convencional, Negret trabajó entre 1944 y 1948 una serie de yesos de innegable calidad, que anticipan su enorme inventiva. Son cabezas (de los poetas Guillermo Valencia, Porfirio Barba-Jacob, Gabriela Mistral y Walt Whitman), algunos temas religiosos (Virgen, Cabeza del Bautista, Ascensión, Mano de Dios y Anunciación), algunos temas mitológicos (Tritón y Venus) y La muchacha en la ventana. Aunque en las cabezas se reconocen los personajes, estas esculturas son básicamente abstractas por ser ante todo formas esenciales, alejadas de los pormenores.
Entre fines de 1948 y 1950, Negret realizó su primer viaje a Nueva York. Allí, a más de algunas cerámicas biomórficas, realizó sus primeras construcciones. Entre ellas se destacan El nido y Rostro de Cristo, ambas de 1950. En una y otra, la lámina de metal y el alambre aluden a los temas sin ninguna proclividad naturalista. En 1949 Negret había realizado otra escultura en metal: Vaso con una flor, un dibujo hecho en varilla de hierro que no sólo representa el tema sino delimita el espacio real. Luego de una breve temporada en Colombia, Negret viajó a Europa; vivió en París, Barcelona, Madrid, Mallorca y St. Germain-en-Laye, entre 1950 y 1955. Inicialmente siguió trabajando yesos.
En estas nuevas esculturas la abstracción predomina sobre cualquier alusión figurativa, tal como lo corroboran los propios títulos de las obras: Dirección sur, Homenaje a Gaudí, Columna conmemorativa de una masacre, etc. Luego de ver en París la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret pasó a utilizar el hierro. Estas construcciones realizadas en Palma de Mallorca, entre 1953 y 1954, ya sugieren aparatos o máquinas. A fines de 1955 y hasta 1963 Negret se instaló en Nueva York. Durante estos años ejecutó la serie denominada Aparatos mágicos en la que, por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) y luego de intentar unir las diferentes piezas con dobleces se decidió por la utilización de tuercas y tornillos.

La serie se caracteriza por el empleo de elementos geométricos y por el rigor compositivo; también por el color: las construcciones están pintadas de negro, blanco, rojo y azul. Luego de quince años de ausencia, Negret regresó al país en 1963, y desde entonces ha vivido en Bogotá (donde ya había expuesto en 1958 y 1962), con un corto intervalo en Cali entre 1968 y 1971. En 1963 participó en el XV Salón de Aristas Colombianos y ganó el primer premio en Escultura, con Vigilante celeste. En 1967 volvió a obtener el primer premio en el XIX Salón Nacional, con Cabo Kennedy.

A partir de los primeros años sesenta, las esculturas de Negret encuentran un elemento nuevo: El espacio interior que surge de la lámina de aluminio doblada y enfrentada a otra similar. El vacío, que ya había trabajado en Cabeza del Bautista, se convierte en un elemento importante en sus primeros Navegantes, y durante mucho tiempo estará presente en su producción. El espacio interior da volumen a la construcción y, sobre todo, enriquece la composición que se convierte en un contraste permanente de formas metálicas y de formas espaciales, limitadas por el aluminio doblado.
En estos mismos Navegantes se afianza la presencia de elementos repetidos, verdaderos módulos que ya habían hecho su aparición en las primeras construcciones de Mallorca. Dos ripos de esculturas predominaron en la producción de Negret desde los primeros años sesenta: los Navegantes, siempre flotantes, con pocos puntos de apoyo, y los Puentes, siempre extendidos entre dos puntos, firmes y bien sostenidos.
Luego aparecieron las series Cabo Kennedy, Géminis, Acoplamientos y, simultáneamente, las Torres, Edificios, Templos, Columnas y Escaleras, entre otras construcciones.

Negret nunca ha puesto sus títulos arbitrariamente, siempre ha acertado en esas denominaciones, que tienen algo en común: todas se refieren al mundo de las construcciones, ese mundo extraordinario que, a lo largo del siglo y gracias a la tecnología, ha realizado los aparatos más prodigiosos de navegación aérea en la atmósfera y el espacio abierto, los puentes, las estructuras y los edificios más grandes y sorprendentes de la historia de la humanidad.
Pero sus construcciones no sólo aluden a esas obras de la ingeniería y la arquitectura contemporáneas, son obras de arte, creaciones escultóricas con leyes propias que traducen un mundo material en formas completamente inventadas. La serie de Los Andes inicia una nueva etapa en la producción de Negret.

A primera vista, la morfología no es demasiado diferente de las composiciones precedentes; sin embargo, estas esculturas recuerdan el poderío de nuestras montañas, su concatenación, su apariencia similar, sus picos y sus depresiones profundas. Las metamorfosis de 1981 tienen una novedad que poco a poco se irá enfatizando: los planos que se articulan entre sí sin recurrir a los enfrentamientos con otros para crear espacios internos, y si esto último ocurre, el vacío no es tan importante como sucedía en la mayoría de las esculturas anteriores.

El carácter protagónico de los planos distingue su producción de los últimos años de buena parte de sus construcciones previas. Trátese de los Arholes, los Soles, las Lunas, los Templos solares, los Relojes solares, las Medidas, los Muros del Cuzco, etc., para sólo mencionar algunas de las obras recientes, son los planos los que presiden las construcciones, levantándose, doblándose o curvándose sin la presencia de los planos enfrentados para crear un vacío.

Los espacios se logran ahora por las separaciones entre los planos, por sus inclinaciones y no por el recurso de enfrentamiento para darle volumen a las esculturas. Luego de todas las construcciones “abombadas”, Negret ha pasado a trabajar los cuerpos de sus esculturas a base de planos, y así, pendiente de las superficies, se ha aproximado a la pintura. Obras como los Quipus, las Banderas del Inca, las Lagunas, todas con varios colores, son especie de pinturas sobre soportes de aluminio.

La simple enumeración de algunas de las obras de los últimos años indica que Negret ha dejado en segundo plano el mundo de la astronáutica, la ingeniería y la arquitectura contemporáneas, y que ahora prefiere concebir sus construcciones a partir de su interés cada día más grande por la naturaleza y el arte precolombino, especialmente el de la cultura de los incas. Desde siempre, Negret se ha sentido atraído por la naturaleza y también desde hace mucho tiempo ha sido un estudioso y un coleccionista del arte prehispánico, pero una y otro sólo lo estimulaban para realizar sus esculturas, como una hermosa paráfrasis del mundo de las construcciones modernas. Ahora los términos se han invertido y la gran mayoría de sus obras actuales aluden al mundo natural o a las diversas manifestaciones artísticas y culturales precolombinas.

Esto no significa que sus construcciones hayan perdido las características fundamentales de su producción anterior; siguen siendo las mismas esculturas refinadas, hechas de partes que se articulan con extraordinaria coherencia; sin embargo, la morfología -a veces clásica, a veces barroca- recibe nuevos contenidos y visiones que remiten a lo orgánico entreverado con formas de origen mítico. Entre las esculturas públicas de Negret sin duda la más importante es Metamorfosis, del parque olímpico de Seúl. Esta obra, íntegramente trabajada en Corea en el marco del Simposio de Escultura realizado con ocasión de los Juegos Olímpicos de 1988, es una especie de gigantesca flor tropical, hecha de innumerables piezas a manera de cintas ondulantes que simultáneamente ascienden y se extienden a los lados, creando diversidad de ángulos e imagen.

 


FUENTE   PRESIDENCIAL DE COLOMBIA

FICHA DEL MUSEO

La geometría orgánica

La carrera de Edgar Negret, nacido asimismo en 1920 en la ciudad de Popayán, ofrece un recorrido completamente diferente aunque igualmente fascinante. A los 18 años, Negret asiste a la Escuela de Bellas Artes de Cali, y en 1944 establece contacto en Popayán con el escultor español Jorge de Oteiza, quien sería una influencia dominante en el inicio de su carrera.

En 1950, y luego de participar activamente en la vida artística de Bogotá, Negret expuso en Nueva York en la muestra “Sculpture and Painting From Colombia”, en The New School for Social Research, en compañía de Enrique Grau y Ramírez Villamizar, pintor este último con quien había comenzado a desarrollar una estrecha amistad. Después de su visita a la metrópolis norteamericana Negret se marchó a Europa, donde residiría sucesiva aunque temporalmente en Barcelona, Mallorca y París.

Para 1955, el prestigio internacional de Negret se encontraba en ascenso. Ello le permitió participar, además de otras exposiciones, en “New Acquisitions” del Museo de Arte Moderno, en Nueva York.

Su carrera es una de las más distinguidas que haya podido tener un escultor a nivel internacional. En su momento, en Nueva York, Negret puedo asociarse con artistas norteamericanos que representan su contraparte, como por ejemplo Louise Nevelson, Jack Youngerman y Ellsworth Kelly. Su serie de “Aparatos Mágicos” expuestos por primera vez en la Bienal de São Paulo de 1957 y luego en Bogotá al año siguiente ­ a la cual pertenece Mapa ­ son un excelente ejemplo de este período. Igualmente, Navegante Espacial y Torre Metálica lo son de otro cuyo momento culminante es el reconocimiento concedido a su trabajo en la XXXIV Bienal de Venecia, al adjudicársele el premio David E. Bright de escultura.

La obra de Negret está llena de alusiones a la tecnología de la postguerra, pero al mismo tiempo está cargada de una disgresión inteligente que nos hace cuestionar la relevancia de nuestro presente y las ansiedades del futuro. Como objetos, sus esculturas llevan a cuestionar asimismo la obviedad del lugar que aquellos otros de necesidad obligada merecen, o mejor dicho obligan a ocupar en nuestro espacio personal y en el comunitario que debemos compartir, aunque no queramos, dentro del devenir de la sobrevivencia diaria.

Ese cuestionamiento ha llevado a Negret, al igual que a Ramírez Villamizar aunque en opuesta dirección, probablemente, a investigar otros objetos productos de tecnologías milenarias, de las cuales ha extraído su poesía y parte de su misterio, dotando a su trabajo de un tono telúrico que no obstante sorprende por su intemporalidad.

Las obras de Negret se convierten finalmente en eso: aparatos mágicos cuyo genio escondido, como en la antigua historia, se personifica solamente cuando los frotamos con el tacto de nuestra humanidad para ayudarnos a convivir más espiritualmente con la frialdad desalmada de la máquina, la despersonalización de la producción en serie, la homogenización de la sistematización formal, hechos irremediables con los que el hombre común debe confrontarse e idealmente convivir en armonía, tratando contradictoriamente de elevar su nivel de espiritualidad.

FUENTE

ORGANIZACIÓN DE ESTADOS AMERICANOS

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Marta Traba

April 5, 2019 By dillon Leave a Comment

MARTA TRABA

CRÍTICA DE ARTE INGENIOSA, PUNZANTE Y CONOCEDORA

ANA MARÍA ESCALLÓN

 

Crítica de arte y escritora oriunda de Argentina (Buenos Aires, enero 25 de 1930 – Madrid-Barajas, noviembre 27 de 1983). Hija de dos inmigrantes gallegos, el periodista Francisco Traba y Marta Taín, Marta Traba quiso ser desde siempre escritora y por eso eligió la carrera de Filosofía y Letras, que estudió en la Universidad Nacional de Buenos Aires. Mientras realizaba sus estudios, trabajó con el crítico de arte Jorge Romero Brest en la revista Ver y Estimar, donde publicó sus primeros artículos y así, rápidamente, encontró su rumbo en el mundo del arte y en la dimensión de la escritura.

Desde muy joven, Marta Traba eligió una vida errante -que con los años se convirtió en una condición de exilio- cuando, ante la necesidad de libertad y por inconformismo ante la situación de la Argentina periodista, se lanzó al vacío: se fue a Europa en busca de otros argumentos de vida. Llegó a Roma, y vivió en París, donde estudió Historia del Arte en la Sorbona (1949-1950).

Como le sucedió siempre, necesitaba un horizonte más abierto. Sabía de su capacidad de trabajo. Tenía rigor y una estricta disciplina. Confiaba en su ritmo interior, no tenía barreras porque conocía bien sus debilidades; no presentaba la lejana distancia ni la pared del tímido, aunque sabía de su profunda timidez; y no entendió nunca la incompetencia, porque su nivel de exigencia fue siempre severo. Sus ambiciones fueron reales y por lo tanto seguras; también así vivió las frustraciones, que dentro de su autocrítica y su mirada hacia los demás, hacían parte de su realidad cotidiana.

Tenía un inmenso don de palabra, una organización mental y unas convicciones férreas que la llevaron al éxito y a la adversidad. Se preocupaba por mantener una cultura amplia. Día a día, mantenía la alegría y el entusiasmo por adquirir una nueva dimensión de las cosas, una nueva interpretación del mundo, un entendimiento más real de las situaciones políticas: había que profundizar y asimilar los acontecimientos. Le interesaba la historia y le apasionaba el presente.

Su personalidad de líder la hizo ser más fuerte y la mostraba menos vulnerable. Dedicó la vida a su trabajo que siempre tuvo la escritura como eje y oscilaba entre la crítica y la novela. Entendió que la historia, toda biografía, toda descripción de la realidad, es una ceremonia tenida de prudencia. El historiador tiene la obligación de documentar, el novelista inventa, puede mover sus personajes y concertarlos en cualquier lugar y tiempo. Así, ella unió esas dos dimensiones: investigadora meticulosa del arte v creadora literaria.

Para ser consecuente con su decisión de conocer el mundo. Marta Traba vivió la Europa de la postguerra, v como la gran mayoría de los intelectuales latinoamericanos, estuvo bajo el sino de la supervivencia y la lectura, el debate y el compromiso. Todas 1as adversidades de la pobreza eran parte de esa aventura. En 1952, en París, escribió su primer libro de poemas: Historia natural de la alegría. En 1954 llegó a Colombia, casada con el periodista Alberto Zalamea, y eran entonces dos soñadores que recorrían los caminos del periodismo colombiano. Participó con otro gran modernista, Jorge Gaitán Durán, en la revista Mito.

Desde que la televisión fue un hecho en el país, realizó su programa de historia del arte, que emitía en directo, y en la Universidad Nacional obtuvo su cátedra sobre historia del arte, desde donde fomentaba la cultura de las artes plásticas con inmensa generosidad y observaba cómo los jóvenes intuían un nuevo rumbo en el arte colombiano. En la misma universidad fundó como protectora de las artes, su templo: el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Emma Araújo de Vallejo cuenta: «Lo instaló en una pequeña construcción de la Caja de Previsión Social; tumbó muros y surgieron salas, levantó una tapia y apareció el patio de esculturas y, aún más importante, el Museo y el departamento de extensión se convirtieron en centro cultural; mesas redondas, simposios, exposiciones de artistas colombianos y extranjeros se mezclaron de manera espontánea,>. Como era una incansable trabajadora, también daba clases de arte en la Universidad de los Andes. Ella bien lo sabía, la pedagogía era el método para salir adelante. La crítica, la forma de demoler estadios retardatarios.

Su crítica en los diversos diarios de Bogotá siempre fue aguda y severa, porque no podía aceptar el encierro de ese mundo claustrofóbico en que se encontraba el arte colombiano. Era dura, porque debía iniciar batallas allí donde no se movían las ideas, simplemente porque se llevaba el impulso tranquilo de 1as tradiciones académicas en la mitad del siglo xx. Su aguerrida lucha tenía el convencimiento de que en el ambiente no se había despertado el espíritu de la modernidad, y por lo tanto existía un retraso fundamental que era intolerable. Llegó a desenmascarar la situación que cómodamente se representaba con retratos, a luchar, contra el paisajista, a instigar al movimiento de 1os Bachués, a remover la actitud tradicional en favor de la modernidad. Y eso sólo lo podía lograr a través de una concientización cultural en todos los medios.

En 1968, los militares se tomaron la Universidad Nacional. Cuando pidieron su opinión, ella declaró su inconformismo ante la ocupación y denunció los destrozos que había realizado el ejército. Esto fue motivo suficiente para que el presidente Carlos Lleras Restrepo la expulsara del país, como a extranjera que estaba interviniendo en los asuntos del país. Le dieron veinticuatro horas para salir y desde ese momento el exilio fue una imagen y un concepto que se incorporó a su vida. De una manera u otra, cada cambio de país fue un estadio en el que se mezcló el sentimiento de abandono con el de expulsión. Le quedó la marca, aunque nunca se llevó a cabo la sanción. Hubo un repudio general, y el Estado colombiano nunca suministró el dinero para los pasajes de ella y sus dos hijos, Gustavo y Fernando. Era, además, la esposa de un ciudadano colombiano, con derecho a ser colombiana.

Marta Traba conocía la magnitud de las labores que le otorgaran peso a su trabajo. Como pedagoga e impulsora de la cultura, le explicó a un público general un destino más amplio. Demostró y formó una nueva generación que estaba 1ista para lo que ella llamó “el salto al vacío”, abrió caminos, explicó nuevas propuestas, subrayó la importancia de los accionistas de arte moderno latinoamericano, buscó y señaló en cada país los hombres que hoy son pilares de las artes plásticas.

Marta Traba tenía un acertado y severo ojo crítico y hoy, la historia le da la razón. Con su crítica y su pedagogía sobre la historia del arte fue armándose de una imagen profesional de mucho peso, que podemos resumir en dos aspectos: combativa y seductora. Sus ideas tenían fundamento, proyectaba su inmensa fuerza interna y siempre encontraba grandes cómplices. Ella, desde la década de los sesenta, fue abriendo los caminos del “boom”. Demostró cómo Alejandro Obregón comenzó la historia de la abstracción verdadera, explicó la deformación de Fernando Botero, explicó la dimensión de artistas extranjeros como Leopoldo Richter y Guillermo Videmann,., resumió la geometría de Eduardo Ramírez y Edgar Negret, se comprometió con la anarquía de Feliza Bursztyn o el dramatismo de Antonio Roda. En la década de los setenta asumió el mundo del arte pop y del arte conceptual. Cada época era para ella una generación que asumía la modernidad como lo que era: testigos de su historia.

En 1958 Marta Traba publicó su ensayo sobre estética, El museo vacío, donde analizó a Crocce y a Worringer y expuso la necesidad de que existiera un paralelo coherente entre el arte moderno y el hombre actual. En 1961 apareció La pintura nueva . en Latinoamérica, donde puso en evidencia el olvido en que se encontraba el arte de América Latina. Con sus libros y sus múltiples actividades se dedicó a subsanar errores profundos, que existían por el enorme desconocimiento y un público carente de opinión.

En sus libros sobre la historia del arte de América Latina, como Dos décadas vulnerables en las artes plásticas latinoamericanas, que editó en México en 1973, Marta Traba analizó el paso del 50 al 60 y del 60 al 70, época que le interesaba porque durante este tiempo aparecieron actitudes de lo que ella llamaba la vanguardia. En su último libro, Arte de América Latina I900-1980, amplió esta visión. País por país, fue señalando los movimientos y las características individuales que el arte contemporáneo presentaba. En un sistemático orden histórico fue explicando desde la aparición de artistas que vivían la condición de la individualidad, hasta la cadena de sucesos que hacían posible la aparición histórica de movimientos, tendencias y posturas. Ella siempre vio el arte latinoamericano como un rompecabezas, donde cada pieza era tan necesaria como la de al lado para formar el conjunto y comprender cada paso.

Sin duda alguna, Colombia fue su centro. Se convirtió en colombiana con su acento porteño en 1982, cuando el presidente Belisario Betancur le otorgó la nacionalidad. Fue su país, es el país de sus hijos y nietos. Salió de Colombia en 1969 y siguió su camino errante a vivir en Montevideo, Caracas, San Juan, Washington, Princeton, Barcelona y París. Este mundo lo recorrió junto con el crítico literario Angel Rama, su marido. Para mostrar el impulso de la creación interminable de Marta Traba, Elena Poniatowska comenta en un prólogo que escribió en marzo de 1984: «En 1966, conocida por todos como crítica y por algunos como autora de un bello libro de poemas, Historia natural de la alegría (Qué bonito título), se revela como novelista. En La Habana, un jurado compuesto por Alejo Carpentier, Manuel Rojas, Juan García Ponce y Mario Bennedetti confiere a Las Ceremonias del verano el premio Casa de las Américas.

Fogosa y entusiasmada, Marta se adhiere a la joven revolución. Son años fructíferos, asoleados, las ramas del árbol Marta Traba se cubren de follaje y de manzanas de oro. Marta Traba publica en diversos países, en México, en Colombia, en Puerto Rico, en Venezuela. Los libros salen en tres meses, ¡ni Carlos Fuentes el prolífico!».

Su muerte, junto con la de Angel Rama, ocurrió trágicamente. Después de haber superado un cáncer que la hizo creer en la vida y sentir próxima la muerte, murió en un accidente aéreo cerca del aeropuerto de Barajas, en Madrid, el 27 de noviembre de 1983. Viajaban a Colombia para asistir a un Encuentro de la Cultura Hispanoamericana, invitados por el presidente Belisario Betancur.

ANA MARÍA ESCALLÓN

Bibliografía

CORREA DE ZAPATA, CECILIA. “Marta Traba (193~1983)”. En: DIANE E. MARTING. Escritoras de Hispanoamérica. Una guía bioBiBliográfica. Bogotá, Siglo XXI Editores 1991, pp. 543-554. MUSEO DE ARTE MODERNO. Marta Traba. Bogotá, Planeta, 1984. PONIATOVSKA, HELENA. “Marta Traba o el salto al vacío”. Revista Hispanoamericana, 51 (1985), pp. 883-897.

Esta biografía fue tomada de la Gran Enciclopedia de Colombia del Círculo de Lectores, tomo de biografías.

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