HUMOR Y DRAMA BURLESCO EN

JORGE DE LA VEGA

RAÚL MANRUPE

Por Raúl Manrupe

Coincidiendo con la exposición de obras de Jorge de la Vega del periodo 1966-71, en Florida 1000 hasta el 14 de octubre, la Galería de arte Ruth Benzacar ha reeditado el viejo álbum que el artista grabara en 1968 para el sello Olympia.

Se trata de El gusanito en persona y aquí efectivamente lo tenemos, volviendo a aparecer en la superficie a casi treinta años de la muerte de su creador e intérprete. Que de la Vega fue integrante de la nueva figuración (perdón, otra figuración) de la pintura argentina de comienzos de los ´60 (para algunos el más creativo) es sabido.

Lo que pocos recuerdan  hoy es su participación juglaresca dentro de la tendencia, esta vez musical, que a fines de esa década fue llamada La nueva canción.

De la Vega, como su contemporánea María Elena Walsh, exploró nuevos caminos en la poesía, mostrando que lo lúdico también podía ser para adultos y además, decir algo . Podríamos decir que era una especie rebelión creativa para los que por ese entonces ya se habían pasado de veinteañeros y quedaban out de iracundias pop: recordemos por ejemplo que hasta 1970 era obligatorio el saco y corbata para ir al cine.

Difícilmente recordada o revisada hoy, tal vez al quedar afuera de los géneros tradicionales, sería justicia recordar a esa nueva canción como el tronco de un árbol genealógico que derivó en retoños como la canción de protesta, y el café concert con ejemplos disímiles o no como Marikena Monti, Joge Schusseim , Nacha Guevara, la Walsh más combativa de 1971, Gasalla, Perciavale, Edda Diaz o el primer disco de Pedro y Pablo. Lanzado originalmente el mismo año que Juguemos en el Mundo, el primer disco de la Walsh para adultos, El gusanito en persona es un canto fresco de surrealismo y -hoy- inocencia.

Temas como Diamantes en almíbar, La gata Teresa o el clásico El gusanito nos muestran a un De la Vega ya regresado de Estados Unidos, con su voz no especialmente dotada para el canto, pero con un duende especial para decir sus canciones y sus metáforas con mucho encanto. Los arreglos y orquestaciones de Camaleón Rodríguez son particularmente similares a los de Oscar Cardozo Ocampo en Juguemos…juguetones y externos a la influencias del pop o el rock. El trabajo integral es especialmente disfrutable.

Desempolvarlo y volverlo a poner en la calle en formato CD, manteniendo el diseño original de la tapa y con un librito con letras, y notas , una excelente iniciativa que nos hace soñar con aquella época especial en que las distintas disciplinas artísticas tenían una relación extraordinaria. También, con poder escuchar alguna vez El viejo de la galera, (el tema fue un éxito de la Monti) el segundo álbum inconcluso del gran Jorge de la Vega.

CD, El gusanito en persona-Jorge de la Vega canta sus canciones.
Galería de Arte Ruth Benzacar, 2000.

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JORGE DE LA VEGA

OBRAS 1961-1971
Del 14 de noviembre de 2003 al 3 de febrero de 2004

Malba – Colección Costantini inaugura al público Jorge de la Vega. Obras 1961–1971, una exposición que reúne alrededor de cien obras del artista argentino Jorge de la Vega (1930-1971) realizadas en Buenos Aires y Nueva York entre 1961 y 1971, incluyendo pinturas, collages, obras sobre papel y aspectos de su actividad como cantautor, dibujante de historietas y diseñador gráfico.

La exposición, que cuenta con Mercedes Casanegra como curadora invitada, reúne obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Buenos Aires, Córdoba y Posadas. El espectador tendrá la posibilidad de recorrer las principales series realizadas por el pintor durante la década 1961–1971. 1961 es la fecha de la primera presentación pública en la Galería Peuser de Buenos Aires del grupo Nueva Figuración (Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé) y 1971 es el año de la muerte repentina del artista.

Cuando realizó su primera exposición, en 1951, Jorge de la Vega aún estudiaba arquitectura. Poco después, abandonó esa carrera para dedicarse por entero al arte, disciplina en la que era autodidacta. Pero su producción más valiosa, interrumpida por una muerte súbita, fue la ejecutada durante la última década de su vida: las obras de entonces hicieron de él uno de los creadores más destacados y originales de su época.
De la Vega, que había practicado la abstracción geométrica, se contó entre los fundadores del movimiento neofigurativo con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Rómulo Macció (1961-65). Vivió dos años en los Estados Unidos (1965-67), entre la Universidad de Cornell, donde enseñaba, y Nueva York. Tras volver a Buenos Aires, abordó, en 1968, la canción popular crítica, como poeta e intérprete, y a esta nueva forma creativa se entregó de lleno, relegando en cierto modo a la pintura.

Si fuera preciso compendiar en una sola noción la rica y expresiva obra de Jorge de la Vega, habría que admitir que elaboró una especie de saga de la formación y deformación del ser humano, una “ontogonía”. Pero ella tiene que ver con la época convulsa y transformadora en que fue creada. La “ontogonía” es, por lo tanto, una visión de seres en un tiempo y un espacio, establecida con burlesca y patética entonación, pero también con una animosa y esperanzada confianza en el destino del hombre: Urano en casa 4 es una muestra válida de sus creaciones.

Sin embargo, no se entenderá cabalmente la obra del artista si no se abarcan, además, las clave de su personalidad: la abrumadora ansia de vivir, el ínsito sentido del humor, el rechazo de las convenciones, una ingenuidad básica -que era el elemento de oposición al lugar común-, y el hecho de ser una autodidacta, que le permitía todas las audacias.
Artista integrante del Grupo Nueva Figuración- Cronología – Artist of the Group New Figuration – Chronology

 

 

 

OSADIA ESTETICA DO

EMILIANO DI CAVALCANTI

Di Cavalcanti era um intelectual bem informado sobre as vanguardas modernistas do seu tempo, interessado não só por artes plásticas, mas por outras áreas também. Por isso mesmo, em 1921, o artista fora convidado a ilustrar o livro “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, um dos mais significativos escritores contemporâneos.

Em 1923, Di Cavalcanti realiza viagem a Paris, freqüentando o ambiente intelectual e boêmio da época e convivendo com Picasso e Braque, entre outros, numa relação de admiração mútua. Sua experiência do contato com o cubismo, expressionismo e outras correntes artísticas inovadoras, conjugadas à consciência da sua posição de artista brasileiro, concorreram para aumentar a sua convicção no propósito de ousar e destruir velhas barreiras, colocando a arte brasileira em compasso com o que acontecia no mundo.

Di Cavalcanti sabia estar no caminho certo esteticamente e a viagem a Paris só reforçou as suas certezas. Entretanto, o ambiente do pintor não era o dos boulevares de Paris: Di Cavalcanti estava impregnado dos trópicos, de uma atmosfera sensual e quente.

À sua ousadia estética e perícia técnica, marcada pela definição dos volumes, pela riqueza das cores, pela luminosidade, vem somar-se a exploração de temas ligados ao seu cotidiano, que ele percebia com vitalidade e entusiasmo. A profunda inclinação aos prazeres da carne e a vida notívaga influenciaram sobremaneira sua obra: o Brasil das telas de Di Cavalcanti é carregado de lirismo, revelando símbolos de uma brasilidade personificada em mulatas que observam a vida passar, moças sensuais, foliões e pescadores. A sensualidade é imanente à obra do pintor e os prostíbulos são uma de suas marcas temáticas, assim como o carnaval e a festa, como se o cotidiano fosse um permanente deleitar-se. A originalidade de uma cultura constituída por um caldo de referências indígenas, européias e africanas, de forma contraditória e única, transparece em suas telas através de uma luminosidade ímpar.

Marcada pela evolução constante em direção a uma técnica cada vez mais acurada, a obra de Di Cavalcanti pode ser situada numa tradição interpretativa do Brasil. Hoje, o pintor é um dos mais populares artistas brasileiros, alcançando enorme prestígio também no exterior: suas obras são disputadíssimas nos leilões internacionais, imprescindíveis a todas as coleções latino-americanas. A pintura de Di Cavalcanti representa toda uma imagem do país no mundo afora, ressaltando a sua exuberância natural e humana: é indiscutivelmente figura chave da arte brasileira. Todo o seu entendimento tem passagem obrigatória por Di Cavalcanti.

EMILIANO DI CAVALCANTI

Nasceu no Rio de Janeiro em 1897.

O pintor Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 6 de setembro de 1897. Naquela época, o panorama das artes plásticas no Brasil era bastante desolador: a pouca informação, conjugada ao tradicionalismo conservador das elites vigentes deixavam o cenário da pintura a depender ainda de ecos das já ultrapassadas correntes artísticas européias.

Nesse contexto, tornaram-se muito importantes as exposições de Lasar Segall, em 1913, e de Anita Malfatti, em 1917, esta duramente criticada. Esses dois episódios fazem parte da história de um movimento em direção às correntes modernistas européias, que iria culminar na Semana de Arte Moderna de 1922. Di Cavalcanti já era um artista de talento bastante reconhecido nessa época, e sua atuação em 1922 foi essencial: o artista foi um dos idealizadores da Semana de Arte Moderna e uma referência importantíssima para todo o grupo modernista e, desde então, para a história das artes plásticas no Brasil.

Em 1914, a revista Fon-Fon publicou seus desenhos de caricaturas. Matriculou-se na Faculdade de Direito dois anos depois e em 1917, mudou-se para São Paulo, não tendo terminado o curso. Conviveu com Mario e Oswald de Andrade, Tarsila, Anita e Brecheret. Interessado em pintura, frequentou, em São Paulo, o ateliê do pintor George Elpons, um alemão de influências impressionistas. É considerado, entretanto, um autodidata.
Di Cavalcanti foi o idealizador da Semana de Arte Moderna de 1922. Participou de sua organização, fez os catálogos e programas e expôs doze pinturas.

Entre 1923 e 1925, viveu em Paris, época em que entrou em contato com Picasso, Braque e Matisse. O Beijo data dessa época, evocando uma atmosfera romântica de sua juventude. Em viagem à Itália, pôde ver os clássicos, que contribuiram para sua formação de pintor. Teve influências, também, de Delacroix, de Gauguin e dos muralistas mexicanos.

Filiou-se ao Partido Comunista e a partir de então, as temáticas sociais e nacionais tornaram-se presentes em suas obras. Retornou a Paris em 1937, onde viveu até 1940. Mulher Sentada, exemplifica grande parte de sua produção, marcada pela temática da sensualidade da mulata brasileira.

Executou vários painéis, publicou álbuns com gravuras e serigrafias, ilustrou livros, bilhetes de loteria e desenhou jóias. Escreveu crônicas e comentários para jornais e revistas. Participou das I, II (prêmio de Melhor Pintor Nacional) e VII Bienais de São Paulo, da XXVIII Bienal de Veneza, além de inúmeras exposições no Brasil e no exterior. Morreu em 1976, no Rio de Janeiro. 100 anos do Nascimento de di Cavalcanti

 

— “Não sou brasileiro nem português, sou Albuquerque de Pernambuco”, assim se expressaria mais tarde o menino nascido Emiliano —6 de setembro de 1897 apelidado Didi, criado por sete amas de leite, entre saraus e poesias de Castro Alves… infância feliz no velho bairro de São Cristóvão, Rio de Janeiro. Fugidias escapadas à casa do tio Abolicionista José do Patrocínio, casado com tia Bibi, irmã de D. Rosália de Senna, sua mãe. Frederico Augusto, o militar austero, cedo negou ao menino irrequieto a proteção paterna. Partiu sem poder orgulhar-se do rapaz que iniciara a vida artística no ano de 1916, expondo em conjunto no Salão dos Humoristas.

Aquele que se tornaria “glória nacional” idealista e autodidata, expôs individualmente na sede da Revista Cigarra em São Paulo, cidade que juntamente com Paris adotaria de coração como se nelas tivesse nascido.

Em fevereiro de 1922, tomou-se o pioneiro idealizador da Semana de Arte Moderna, galgando o mundo, expondo em Paris, Bélgica, Amsterdam, Roma, Nova York, Buenos Aires, Montevidéu e México. Conquistou medalha de ouro através do quadro “Mulata Desnuda”, tema preferido por seus admiradores, onde “— a mais loura brasileira é a minha mulata metafísica…”

Sensualidade, arte barroca, erotismo, religiosidade, mulheres, cubismo, festas populares, samba e carnaval, burguesia, pescadores, natureza morta, folclore, flores, mar, impressionismo, paisagens, maternidade misturando-se a caricaturas, charges, portraits, paineis, murais, cenários e ilustrações.

Pintou em 1929 para o Teatro João Caetano “Samba e Carnaval”, considerados os primeiros painéis modernistas da América Latina.

Escritor, Jornalista e Poeta publicou “Viagem da Minha Vida” e “Reminiscências Líricas de um Perfeito Carioca”. Crónicas sobre suas vivências correram mundo. Como pintor, conquistou entre outros o prêmio de Melhor Pintor Nacional na II Bienal de São Paulo, recebeu o 1ro Prêmio na Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste, pelo quadro “Crucificação” adquirido pelo Instituto de Arte Litúrgica de Roma, Medalha de Ouro na II Bienal Interamericana do México e Prêmio Critica de Arte em 1971, por ocasião da Retrospectiva no Museu de Arte Modema de São Paulo.

Suas obras espalham-se em Museus e coleções particulares por toda América Latina, Estados Unidos e Europa, destacando-se os quadros “Família” Museu de Arte de Montevidéu, “Scene Brésilienne” Museu de Arte Modema de Paris, “Via Sacra” Catedral de Brasília, “Cinco Moças de Guaratinguetá” Museu de Arte de São Paulo, “Ciganos” e o tríptico “Navio Negreiro” no Museu Nacional de Belas Artes e “seu Ateliê e Obra Inacabada” permanecem no Museu de Arte Moderna de São Paulo, doados após sua morte em 26 de outubro de 1976.

— “Criar é acima de tudo dar substância ideal ao que existe.”

 

JORGE PINEDA

INSTALACIONES CONTEMPORÁNEAS

POSTALES DESDE EL PARAÍSO

 

 

Postales desde el Paraíso es un acercamiento a la obra reciente de Jorge Pineda. La exposición está compuesta por un conjunto de instalaciones. La atención al componente espacial ha sido una constante en su obra, ello le ha llevado a mantener una preocupación por el diálogo con el entorno circundante y con el público que se adentra en ese ambiente. Tal es el caso de la obra Post Cards desde el Paraíso, con la cual el artista ha intervenido la galería creando un bosque virtual mediante dibujos sobre las paredes.

A propósito de esta pieza Pineda ha comentado: “Los bosques de República Dominicana están desapareciendo paulatinamente, al igual que la mayoría de los bosques del mundo; debido a la tala indiscriminada de los árboles o a la quema de los mismos. Ambas acciones están reducidas a la ambición. ¿Pecado de la humanidad?

En República Dominicana el bosque es usado como materia prima para prender el fuego en las casas de los campesinos. Aún hoy el vendedor de carbón es una figura popular en los pueblos. Lleno de ceniza, nos trae el bosque hecho pedazos para así ganar unos pocos pesos para la comida de día. El círculo vicioso de la miseria y el poder”. Todos esos recursos y soluciones formales que componen las obras de Pineda son tan sólo el inicio de una propuesta que pretende indagar sobre el ser humano, sobre las condiciones existenciales en las que habitan los hombres.

Particularmente ha penetrado en las peculiaridades del Caribe como contexto social. Pero sus obras trascienden la especificidad de un sitio para convertirse en elocuentes metáforas sobre la sociedad y la Historia. Enmascaramiento, simulación, representación, son algunos de los procesos de construcción del imaginario colectivo que explora Jorge Pineda en su obra. De ahí que parte esencial de ese tránsito hacia la creación esté volcado sobre la participación activa del público.

La violencia es otro de los motivos sobre los que Pineda centra su atención en esta muestra, a partir de obras como El sueño de Winnie de Pooh y Muñeca Tatuada, en las que presenta impactantes metáforas visuales sobre la explotación del sujeto femenino en las sociedades contemporáneas. Desde el desgarramiento de la condición humana, tomado como pretexto para un viaje hacia la poesía visual conceptualista, este creador convida al trato con una propuesta artística profundamente imbuida de un espíritu crítico y social.

Postales desde el Paraíso trata de reivindicar un espacio y un tiempo de meditación y de orígenes para el ser humano. Desde la utopía de un mundo mejor Pineda convida al espectador a repensarse como individuo, a replantearse una historia colectiva que en muchos casos es reflejo de las tantas historias anónimas y personales que se tejen a diario.

Descubrir los roles del ser humano en medio de esa madeja de actitudes y sentimientos sobre los que trata su obra, es parte del diálogo artístico que propone este creador en estas postales que llegarán desde este Paraíso en el que habitamos con la certeza de la imperfección.

      JORGE PINEDA

Nació en Barahona, República Dominicana, en 1961. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. También estudió en el taller de litografía Bordas en París. En 1985 realiza su primera exposición personal en la Galería de Art Nouveau. Desde entonces ha presentado varias muestras individuales y participado en numerosas exposiciones colectivas en República Dominicana, Perú, Francia, España, Puerto Rico, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. Al tiempo que ha sido merecedor de premios y reconocimientos por su labor creativa.

 

ARTE ARGENTINO

FERNANDO FADER

PILAR DE LA PINTURA ARGENTINA

 

Fernando Fader (1882-1935). fue el pintor argentino que ejerció una influencia determinante en el proceso de renovación que puso fin al imperio de las corrientes realistas o naturistas y académicas -originadas en la pintura italiana.

Nacido en Mendoza -hay quienes afirman que en Burdeos-, de madre francesa y de padre alemán, partió a Europa en 1900 y, en el Real Instituto de Artes y Ciencias, de Munich, siguió los cursos del maestro Heinrich von Zugel, cuya pintura de aire libre es una especie de versión germana, muy particular, del impresionismo.

Definen el arte de este maestro la preocupación de la luz, la fusión en ella de las formas y la pesadez de los empastes y, en su concepción general del cuadro, gravitan de modo muy evidente fuertes elementos naturalistas. La influencia de su mentor muniqués se hizo sentir poderosamente en la obra de Fader a lo largo de toda su vida.

De vuelta en la Argentina se presenta por primera vez en el Salón Costa de la calle Florida, en 1905, y luego, durante varios años, se expone en Muller. Su éxito es fulminante. Se lo acoge con interés y es, desde el primer momento, de los pocos artistas argentinos que tienen compradores. Espíritu emprendedor, intenta la construcción, en el río Mendoza, de un embalse que le permita instalar una usina destinada a proveer energía eléctrica a la capital de la provincia.

Pero un inusitada creciente del río arrasa el dique y se lleva, con él, toda su fortuna. Fader abandona los negocios, se consagra de nuevo a la pintura y reconstruye, con ella, su bienestar. Pero, enfermo de los pulmones, se ve obligado a recluirse en las sierras de Córdoba y allí termina sus días, en el pueblito de Ischilín, trabajando con intensidad hasta su último instante.
Su pintura -inspirada en temas, por lo general, de nuestras serranías cordobesas- incorporó, en la Argentina , una visión nueva ,completamente distinta, de esos motivos. Sus características son, en términos generales, las mismas de su maestro Zugel : empastes pesados, preocupación de la luz, fusión en la retina de los tonos divididos en la tela, composición impuesta por la reproducción de motivo más que por un propósito deliberado de equilibrio y, dominándolo todo, una concepción naturalista. Desde el punto de vista del color no siempre Fader es afortunado. Con frecuencia su cromatismo adolece de cierta actitud y no son raros, en sus cuadros, los grises carentes de limpieza. Logra, a veces, hermosas transparencias atmosféricas. Su obra -con la de Malharro, principalmente- señala el fin de la etapa naturalista y academinizante de la pintura argentina y el advenimiento de la renovación impresionista.

Tomado de: Cordova Iturburu 80 años de pintura argentina.
Ediciones Librería de la Ciudad Pag. 25

 

Fernando Fader

Hijo de padre alemán y madre francesa, Fernando Fader vivió una breve parte de su niñez en la provincia argentina de Mendoza, donde su familia tenía empresas, e hizo sus cursos escolares en Francia y Alemania (1888-98), adonde volvió en 1900, para estudiar pintura. De nuevo en la Argentina, realiza su primera muestra en Buenos Aires, en 1905. Desde entonces, un éxito inusual de crítica y de ventas acompañará a Fader durante un cuarto de siglo. Célebre fue por eso su actitud al conferírsele el Premio Adquisición del IV Salón Nacional, en 1914, por su tela Los mantones de Manila: como el monto de laureo (3.000 pesos) no se ajustaba a su tasación (6.000), rechazó el premio y conservó la obra (será comprada más tarde para el MNBA). Resentida su salud, Fader se instala en la mediterránea provincia de Córdoba, en 1916; queda imposibilitado de pintar, en 1931, y ha de morir pocos años después. La honda revolución pictórica del Impresionismo llega a la Argentina al despuntar el siglo, cuando no ha logrado aún el reconocimiento debido en Francia, su lugar de origen. Tampoco es aceptado fácilmente entre nosotros, excepto el caso de Fernando Fader, según se ha dicho más arriba. Por cierto, el impresionista faderiano, como el de los otros pintores asociados a esta poética, es propio de él, denotado en su caso por una manera densa, grave, a veces ruda, derivada quizá de su formación en Alemania. Fader, junto a Pío Collivadino y Carlos Ripamonte, entre otros, fundó el grupo Nexus (1907-08) con el objeto de dar cuenta del país y de sus gentes desde una perspectiva localista pero abierta al universalismo pictórico. Fader pudo explayarse como nunca en esta vía, con sus paisajes y escenas humanas de Córdoba, uno de los cuales es este Fin de invierno, donde los empastes se dulcifican por la luz.

 

Aunque nació en Burdeos, Francia, el 11 de abril de 1882, a los 3 años de edad, Fernando, hijo de un ingeniero alemán (Carlos Fader) y una vizcondesa de Francia, se vino con su familia a vivir a Mendoza, donde residió durante unos años para luego recibir su educación primaria y secundaria en Alemania.
De regreso a Argentina en 1898, realiza sus primeras pinturas y es con estos trabajos donde decide su vocación y viaja nuevamente a Alemania a estudiar pintura.
Recorre toda Europa tomando conocimientos en distintos países y a fines de 1904, vuelve a Mendoza para realizar su primera exposición donde presentó 70 obras propias.
Durante su vida se dedicó a la pintura, abandonando el arte en 1909 y volviéndolo a retomar en 1914, y exponiendo en importantes eventos, tanto en Argentina, como en Uruguay y España.
Hacia fines de la década del 20 la salud de Fader, comienza a decaer, a tal punto que en 1932, su estado le impide presenciar el homenaje a sus 50 años en la Galería Muller.
Deja de existir tres años más tarde, el 28 de febrero de 1835 a los 52 años de edad en Loza Corral.
A pesar de tener procedencia francesa, el mismo argumentaba ser mendocino, con lo que no se puede negar su espíritu tan argentino como las obras que el realizó.

Fernando Fader (1882-1935). fue el pintor argentino que ejerció una influencia determinante en el proceso de renovación que puso fin al imperio de las corrientes realistas o naturistas y académicas -originadas en la pintura italiana.

Nacido en Mendoza -hay quienes afirman que en Burdeos-, de madre francesa y de padre alemán, partió a Europa en 1900 y, en el Real Instituto de Artes y Ciencias, de Munich, siguió los cursos del maestro Heinrich von Zugel, cuya pintura de aire libre es una especie de versión germana, muy particular, del impresionismo.

Definen el arte de este maestro la preocupación de la luz, la fusión en ella de las formas y la pesadez de los empastes y, en su concepción general del cuadro, gravitan de modo muy evidente fuertes elementos naturalistas. La influencia de su mentor muniqués se hizo sentir poderosamente en la obra de Fader a lo largo de toda su vida.

De vuelta en la Argentina se presenta por primera vez en el Salón Costa de la calle Florida, en 1905, y luego, durante varios años, se expone en Muller. Su éxito es fulminante. Se lo acoge con interés y es, desde el primer momento, de los pocos artistas argentinos que tienen compradores. Espíritu emprendedor, intenta la construcción, en el río Mendoza, de un embalse que le permita instalar una usina destinada a proveer energía eléctrica a la capital de la provincia.

Pero un inusitada creciente del río arrasa el dique y se lleva, con él, toda su fortuna. Fader abandona los negocios, se consagra de nuevo a la pintura y reconstruye, con ella, su bienestar. Pero, enfermo de los pulmones, se ve obligado a recluirse en las sierras de Córdoba y allí termina sus días, en el pueblito de Ischilín, trabajando con intensidad hasta su último instante.
Su pintura -inspirada en temas, por lo general, de nuestras serranías cordobesas- incorporó, en la Argentina , una visión nueva ,completamente distinta, de esos motivos. Sus características son, en términos generales, las mismas de su maestro Zugel : empastes pesados, preocupación de la luz, fusión en la retina de los tonos divididos en la tela, composición impuesta por la reproducción de motivo más que por un propósito deliberado de equilibrio y, dominándolo todo, una concepción naturalista. Desde el punto de vista del color no siempre Fader es afortunado. Con frecuencia su cromatismo adolece de cierta actitud y no son raros, en sus cuadros, los grises carentes de limpieza. Logra, a veces, hermosas transparencias atmosféricas. Su obra -con la de Malharro, principalmente- señala el fin de la etapa naturalista y academinizante de la pintura argentina y el advenimiento de la renovación impresionista.

Tomado de: Cordova Iturburu 80 años de pintura argentina.
Ediciones Librería de la Ciudad Pag. 25

Fernando Fader

 

Hijo de padre alemán y madre francesa, Fernando Fader vivió una breve parte de su niñez en la provincia argentina de Mendoza, donde su familia tenía empresas, e hizo sus cursos escolares en Francia y Alemania (1888-98), adonde volvió en 1900, para estudiar pintura. De nuevo en la Argentina, realiza su primera muestra en Buenos Aires, en 1905. Desde entonces, un éxito inusual de crítica y de ventas acompañará a Fader durante un cuarto de siglo. Célebre fue por eso su actitud al conferírsele el Premio Adquisición del IV Salón Nacional, en 1914, por su tela Los mantones de Manila: como el monto de laureo (3.000 pesos) no se ajustaba a su tasación (6.000), rechazó el premio y conservó la obra (será comprada más tarde para el MNBA). Resentida su salud, Fader se instala en la mediterránea provincia de Córdoba, en 1916; queda imposibilitado de pintar, en 1931, y ha de morir pocos años después. La honda revolución pictórica del Impresionismo llega a la Argentina al despuntar el siglo, cuando no ha logrado aún el reconocimiento debido en Francia, su lugar de origen. Tampoco es aceptado fácilmente entre nosotros, excepto el caso de Fernando Fader, según se ha dicho más arriba. Por cierto, el impresionista faderiano, como el de los otros pintores asociados a esta poética, es propio de él, denotado en su caso por una manera densa, grave, a veces ruda, derivada quizá de su formación en Alemania. Fader, junto a Pío Collivadino y Carlos Ripamonte, entre otros, fundó el grupo Nexus (1907-08) con el objeto de dar cuenta del país y de sus gentes desde una perspectiva localista pero abierta al universalismo pictórico. Fader pudo explayarse como nunca en esta vía, con sus paisajes y escenas humanas de Córdoba, uno de los cuales es este Fin de invierno, donde los empastes se dulcifican por la luz.

 

Aunque nació en Burdeos, Francia, el 11 de abril de 1882, a los 3 años de edad, Fernando, hijo de un ingeniero alemán (Carlos Fader) y una vizcondesa de Francia, se vino con su familia a vivir a Mendoza, donde residió durante unos años para luego recibir su educación primaria y secundaria en Alemania.
De regreso a Argentina en 1898, realiza sus primeras pinturas y es con estos trabajos donde decide su vocación y viaja nuevamente a Alemania a estudiar pintura.
Recorre toda Europa tomando conocimientos en distintos países y a fines de 1904, vuelve a Mendoza para realizar su primera exposición donde presentó 70 obras propias.
Durante su vida se dedicó a la pintura, abandonando el arte en 1909 y volviéndolo a retomar en 1914, y exponiendo en importantes eventos, tanto en Argentina, como en Uruguay y España.
Hacia fines de la década del 20 la salud de Fader, comienza a decaer, a tal punto que en 1932, su estado le impide presenciar el homenaje a sus 50 años en la Galería Muller.
Deja de existir tres años más tarde, el 28 de febrero de 1835 a los 52 años de edad en Loza Corral.
A pesar de tener procedencia francesa, el mismo argumentaba ser mendocino, con lo que no se puede negar su espíritu tan argentino como las obras que el realizó.

LOS LABERINTOS GEOMÉTRICOS DE

OMAR RAYO

FERNANDO UREÑA RIB

 

Omar Rayo nos demuestra, en su obra gráfica y pictórica, que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro insondable. Utilizando el rastro primordial de los ancestros indígenas, Omar Rayo descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos tan propios de las culturas más antiguas del continente americano. 

Laberintos que envuelven  una vocación ritual y mágica porque intentaban descubrir los arcanos del universo, trazar sobre la arena o la piedra esas líneas invisibles que unen un astro a otro a millones de kilómetros de distancia. 

Omar Rayo nos demuestra además que el arte geométrico no es necesariamente frío y racional y que pueden hallarse, en esos patrones visuales, formas sumamente voluptuosas, alegres, lúdicas, ardientes, sugerentes y sensuales. 

Finalmente, la obra de Omar Rayo nos muestra  que todo en el universo está relacionado, que hay una madeja intrincada que se teje como en punto de cruz sobre un panel meticulosamente estructurado, que hay una  urdimbre secreta y subyacente en el tapiz esplendoroso y trágico de la existencia humana. Trama y drama que  muchos prefieren  nombrar, (en tiempos actuales y remotos) como : Destino. 

FERNANDO UREÑA RIB

OMAR RAYO

 

Nació en 1928, en Roldanillo (Valle) – Colombia, inició su carrera artistica en 1947, dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Santafé de Bogotá.

Entre 1948 y 1954, exhibió varias veces sus obras en Santafé de Bogotá y en otras ciudades de Colombia.
En 1954 comenzó a viajar para estudiar en todos los países de América Latina. Vivió en México desde 1959 hasta 1960 y ha estado viviendo en Nueva York desde entonces.

En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo (Valle) y en 1983 inauguró el proyecto “Arte Vial” con artistas internacionales entre Roldanillo y Zarzal.

En 1995 dirigió el proyecto “Arte Vial” con artistas colombianos con motivo de la cumbre de países no alineados, en Colombia.
En 1996 instaló una escultura metálica de 8 metros en la ciudad de Cali y en 1997 instaló una escultura metálica de 6 metros en Sevilla.
El maestro Rayo ha viajado por todo el mundo y ha expuesto en muchos países.

De 1946 a 1954 expuso en Colombia y desde este año hasta 1958, hizo un extenso viaje de estudio por toda América Latina. o Entre 1959 y 1986 vivió y trabajó en México y Nueva York. En 1971 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo, Valle, el cual se mantiene en permanente actividad.

Obra de Rayo
Museo Rayo en Roldanillo
El pintor y grabador colombiano ha participado hasta hoy en más de 200 exposiciones individuales y colectivas realizadas en: España, Noruega, Perú, Brasil, Italia, Chile, México, Puerto Rico, Venezuela, Panamá, Ecuador, Cuba, Hungría, Polonia, Alemania, Costa Rica, Francia, Japón y Estados Unidos. El maestro Rayo está dedicado a la figura geométrica sin ser abstracto, pues en su estilo original con imágenes claras pinta objetos concretos. El es un artista geométrico-óptico, que ama los cuadros, los rectángulos y las líneas en zig zag.

Es tal vez, el único artista que ha expuesto en sitios tan lejanos como Christchurch, Nueva Zelandia. Omar Rayo, a quien le fue impuesta la orden de Boyacá en el grado de Gran Oficial en julio de 1994, ha sido galardonado también con premios como: El Shell Magazine Art Context, el segundo premio en dibujo del XI Salón de Artistas Colombianos, Premio Especial de Grabado en la Segunda Bienal Interamericana de México; Premio del Museo de Arte de Filadelfia; Mención de Honor en la Primera Bienal de Quito; Premio de Adquisición del Instituto de Artes y Ciencias de Manchester; Premio Especial de la Primera Bienal de Grabado Latinoamericano, de San Juan de Puerto Rico, entre otros.

Rayo ganó también una beca de la OEA para trabajar en México y la Beca Guggenheim de Nueva York.