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Archives for April 2019

Fotogragia Vs. Artes Plasticas?

April 19, 2019 By dillon Leave a Comment

¿FOTOGRAFÍA VS. ARTES PLÁSTICAS?

FERNANDO UREÑA RIB

Creo necesaria una evaluación del Concurso de Arte de E. León Jimenes, porque este es muy importante y pienso debe crecer y continuar haciéndose siempre. Estas notas tienen la intención contribuir a ese proceso de análisis que se inicia ahora, luego de las premiaciones.

Quisiera aclarar que no me opongo a la existencia ni a la validez, como forma de expresión humana, de esos otros renglones del arte llamados fotografía, video, cine etc. Arte. La palabra es tan amplia y abarcadora que ciertamente nos refiere a casi cualquier cosa manipulada hábilmente. Ya hablaban los chinos (en el siglo XV) del Arte de la Guerra, por ejemplo.

He visto impresionantes manipulaciones digitales de la imagen y del video, que poseen, un afinado sentido estético y un importante mensaje a comunicar. A lo que me opongo es a que se viertan en el mismo envase el agua y el aceite, a riesgo de que todo chisporrotee cuando se eche al fuego. Y eso es lo que está pasando.

Quizás los curadores y organizadores de concursos de arte (hablo en sentido general) piensan que están plenamente justificados a introducir allí a cualquier innovadora manifestación humana. Y es preciso que se establezcan las diferencias. No se puede poner a concursar la fotografía con la pintura o el dibujo. No compiten, simplemente porque las dos no pertenecen al mismo grupo, conocido desde siempre, como el grupo de las Artes Plásticas. Ni el video, ni la fotografía, ni el videojuego, ni el arte digital, ni el cine pertenecen a ese renglón. El arte cibernético, el cine y la fotografía están mucho más cerca entre sí (como sistema de tratamiento de imágenes) que lo que pueden estar del dibujo o de la escultura, por ejemplo. Eso es todo.

Lo que se está haciendo es similar a poner a un violinista o a un pianista a competir con un bailarín. Además, una cosa es la música programada por ordenador y otra la ejecutada de manera acústica. Pienso que los que hacen música digital, con esos sofisticados equipos que mezclan sonidos y hacen réplica de casi cualquier instrumento, deben ser juzgados en otro orden de la actividad musical. La danza y el teatro son artes escénicas y sin embargo no compiten entre sí.

El crítico Félix Ángel hizo unas declaraciones en El Nacional del sábado pasado sobre la crisis en las artes plásticas dominicanas. La crisis en el arte, ni es puramente local ni difiere de la que existe hoy en la sociedad. Es más bien su reflejo. Asistimos al triunfo de la mediocridad. Fíjate quién va a ganar las elecciones en Estados Unidos, por ejemplo, a pesar de los pésimos logros económicos, morales y militares del incumbente. Los jóvenes pintores, escultores, grabadores y dibujantes manifiestan esa desazón, ese pesar, esa impotencia. Muchos piensan que el título del concurso debería ser cambiado de modo que se incluya la expresión Concurso de Arte Contemporáneo o Concurso de Imágenes visuales para dar mayor amplitud a la recepción de obras de todo tipo. Pero todo es imagen visual: El escaparate de una tienda, el reloj que llevamos en la muñeca, el sombrero de fieltro de aquel señor, el haitiano y su triciclo de frutas. Y si nos llevamos de eso, entonces tendríamos un bazar y no una celebración de la creatividad en las artes plásticas.

Algunos pintores piensan que se deben abstener de todo concurso que intente mezclar, como en una probeta química, indistintamente, todos los valores ylas categorías artísticas como si se tratara de la misma cosa. Las reacciones podrían ser explosivas. La única manera de estimular ciertamente las artes plásticas es juzgándola por sus leyes y normas intrínsecas.

En España existe el Premio Velásquez, exclusivamente de pintura. Existen otros premios y eventos específicos, según categorías. La Bienal del Grabado de San Juan ( aunque El premio Goya se da al teatro y al cine, paradójicamente, y no al grabado).

Claro, resultaría engorroso para los organizadores y para los participantes, eliminar la fotografía y el video de un concurso de artes plásticas, porque sería como rebajar esos renglones del estatus superior que habrían alcanzado al asistir a los Salones y Bienales de Arte en el mundo. Muchos lo verían como un atraso, una vuelta atrás y se opondrán ferozmente. Pero la idea misma de que el arte va en una constante progresión y avanza, hacia adelante, es una falacia. Ya Nietszche decía que en realidad “progreso es movimiento”. Lo importante es que las cosas se muevan. ¿Hacia atrás, hacia adelante? ¿Quién lo determina? ¿Recordamos a Benedetti y a Torres García con aquello de si el Norte está arriba o el Sur abajo? ¿Es más moderna la Venus de Ajanta que la de Milo o que las Demoiselles d’ Avignon? En el arte no hay vanguardias. El arte es atemporal. ¿Eran “mejores” los poemas de Neruda en su vejez o en su adolescencia? Existe la calidad de la ejecución, la originalidad, lo auténtico de la imágen, su poder de comunicación.

Por otra parte, creo que la fotografía y el video son lo suficientemente fuertes y han alcanzado tanta preponderancia como para que E. León Jimenes establezca un concurso de artes visuales, de forma independiente, sin estar recostadas de las artes plásticas, con la insidiosa tarea de presentarlas como vencidas en una competencia disímil y absurda. Ahí podría tener cabida todo lo que es manipulación mecánica o digital de las imágenes. De hecho, voy más lejos. Deberían premiarse cortos cinemátográficos, el diseño publicitario, y aquellos “objet trouve” que iniciara Marcel Duchamps a principios del siglo XX..

Yo creo en el futuro de las artes plásticas. Las hechas directamente, con las propias manos del artista y con sus utensilios. Eso nunca terminará. Como no terminará la música acústica, ni el teatro o el cine con actores reales y no con hologramas. Pero me parece obvio que se quiere sacar las artes plásticas de los museos y de las bienales. Ahora toman posesión, en su lugar, la fotografía y el video. Creo que es, además de absurdo, muy injusto.
Hay un problema fundamental, en el carácter mismo de los concursos de arte, que debe ser analizado por patrocinadores, artistas, críticos y curadores.  Ese problema es filosófico y estético y tiene que ver con la representación a través del arte (en el tiempo, en el espacio, en la materia) de las formas abstractas o conceptuales propias de la razón y del lenguaje que habitan la mente humana.

 

Schopenhauer afirmaba que “aunque los conceptos difieren totalmente de las representaciones intuitivas, estos tienen con ellas una relación necesaria, sin la cual no existirían”.  Sin embargo, a diferencia de la ciencia, el arte permanece siempre bajo el dominio de la intuición y no en los terrenos de la razón, de la lógica, de la mecánica, de la palabra o del lenguaje.  La obra arte es la comunicación física y material de imágenes mentales.  El arte conceptual pretende negar esa realidad y sustituir con simplísimos conceptos, es decir, con frases acuñadas, lo grandioso de la expresión plástica.

 

Como el “arte conceptual” no puede prescindir ni del lenguaje ni de la materia, utiliza el resultado de tecnologías, como manifestación válida del espíritu humano de hoy.  Así la obra de arte se convierte en producto.  La moda, la publicidad, el video y la fotografía son productos.  Tal como lo son los demás productos de la industria y del comercio.  Por supuesto el conocimiento y la experiencia artística del diseñador, del publicista y del fotógrafo contribuyen a mejorar visualmente la estética del producto final.

 

Pero el artista verdadero no “produce” una obra de arte, sino la crea con sus propias manos.  Porque el arte no pertenece a la ciencia, a la tecnología ni a los predios de la mecánica, ni de la razón.  Pertenece a la experiencia, al imperio de los sentidos.  El artista utiliza una técnica (no necesariamente una tecnología) para transformar la materia en obra de arte y la intención es siempre tocar las emociones del espectador, moviéndole, conmoviéndole, llevándole a tomar (luego de la contemplación de la imagen) su propia opinión sobre el tema o asunto plasmado. Ni la fotografía, ni el video, ni la publicidad, ni la moda, alcanzan los altos niveles de goce estético que derivamos de las artes plásticas.

 

La diferencia es (volvemos a Schopenhauer), que “la obra de arte es única e irrepetible”.  Ahí radica su esencia y particularidad.  Se puede copiar, pero no repetir.  No hay nada más repetible ni más “exactamente repetible” que la tecnología digital. La fotografía y el video no pertenecen a las artes plásticas, aunque ciertamente se incluyan en ellos elementos estéticos tomados de la plástica (la composición, el claroscuro, brillo, contraste, perspectiva, etc.,). No me opongo a esas expresiones. Las considero válidas y necesarias. Pero como pertenecen a otra categoría (artes visuales) deben ser juzgadas y ponderados en otro contexto, de forma separada, de acuerdo a otras reglas, a otros cánones.

 

La ciencia y la tecnología contribuyen,  indudablemente, a la difusión del arte.  Podemos escuchar con deleite una reproducción digital de Las cuatro estaciones de Vivaldi, pero nada es comparable a estar ahí, en el teatro, cuando la orquesta la ejecuta. Esa experiencia es única y no volverá a ocurrir nunca más, aunque volvamos mil veces al teatro a escuchar la misma pieza y a la misma orquesta.

 

Ningún jurado (de selección, de premiación)  podrá jamás suprimir ni amordazar la expresión de los artistas plásticos.  Porque mirar el arte es mirarnos a nosotros mismos.  Mientras más y mejor lo conocemos, mejor comprendemos nuestra esencia y circunstancia.  Las artes plásticas permiten desempeñarnos con una mayor creatividad y libertad, en cualquier área. La escultura, el mural, el arte público. Por eso debemos abrirnos a las múltiples expresiones de las artes plásticas, ya que ayudan a consolidar nuestra identidad, a conocernos como individuos y como seres sociales, con aspectos compartidos dentro de un núcleo o contexto económico, social, cultural, político.

 

Tratar de eliminar el arte de la pintura, de la escultura, del dibujo es comparable a tratar de eliminar la música o la poesía. Las artes plásticas siguen renovándose de manera viva y pujante en República Dominicana y en todo el mundo. El arte de la pintura en particular y las artes plásticas en general tienden a ser negadas, eliminadas, o sustituidas, por curadores de museos, de bienales y de concursos. En su lugar se coloca la fotografía, el video, y el arte manipulado digitalmente con ordenadores. Esa tendencia fue favorecida nueva vez por los jurados del XX Concurso de E. León Jimenes, y es una lástima, porque el concurso se ha convertido, en los últimos años, no en un concurso de arte, sino en concurso de fotografía.

FERNANDO UREÑA RIB

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Julio Susana

April 19, 2019 By dillon 1 Comment

MITOLOGÍAS INDÍGENAS DE

JULIO SUSANA

FERNANDO UREÑA RIB

Para Julio Susana el acto de pintar es uno de comunión. El se acerca al lienzo con reverencia, con unción, como si al hacerlo se establecieran vínculos secretos con seres de un remoto pasado ancestral, de un olimpo nativo en el que en vez de Ninfas o Madonas descubrimos leyendas de jóvenes indígenas, atrapadas en otros actos que también son, en cierta medida, sagrados. Como el acto de cocer el alimento, o el instante del juego, o de la caza, o del reposo. Julio Susana reinventa un mundo al que solo llegamos a través de la imaginación. Un mundo bucólico e impregnado de ternuras y de afectos.

Además de pintor y escultor, Julio Susana es un profesor y promotor cultural. Pertenece a esa generación que nos legaran Virgilio Méndez, Silvano Lora, Eligio Pichardo, Enmanuel Bello Velardi y tantos otros que se formaron al amparo de Manolo Pascual y Vela Zanetti.  

La obra de Julio Susana raras veces puede ser observada en su visión de conjunto. Pero cuando esto ocurre, verdaderamente nos acercamos a un paraíso que creíamos perdido.

Fernando Ureña Rib

JULIO SUSANA

Nació en La Vega Real, ciudad de la República Dominicana, el 27 de Julio de 1937, Ingresó en la Academia de Bellas Artes de Santo Domingo.

Como estudiante obtuvo dos premios en pintura y escultura, y posteriormente fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid España. Al término de sus estudios presentó en Madrid una exposición con sus trabajos de pintura y escultura, con la cual obtuvo elogios de la crítica española. Durante vente años residió en las ciudades de Nueva York y Miami y retornó a Santo Domingo en 1999. Ha trabajado en la dirección del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos. Aparte de la escultura, la pintura y el mural, Julio Susana es un apasionado del canto y la guitarra.

 

Filed Under: Artists

Jesus Soto

April 19, 2019 By dillon Leave a Comment

EL ARTE CINÉTICO DE

JESÚS SOTO

FERNANDO UREÑA RIB

Un asombro de torrentes, de cataratas y cascadas que se precipitan vertiginosamente desde el vértigo de la selva, empinada sobre sus propias raíces milenarias, está presente en las obras cinéticas de Jesús Soto. Cortinas de agua que se abalanzan presurosas desde enormes muros de piedra lavada y es posible penetrarlas, vivirlas.

El agua es pues la protagonista secreta en la obra del venezolano Jesús Soto. Pero no es la única. A ella se aúnan la selva, la tierra misma, el viento y un protocolo de pájaros parlantes que susurra al oído del espectador sonidos desconocidos, misteriosos como la selva misma.

El artista Jesús Soto parte de esas raíces naturales y las transforma en otra realidad, más contemporánea y vital, utilizando plástico, metales, cáñamos y creando ilusiones y espejismos de intrincada geometría y de admirable precisión. No es extraño que Soto encuentre un paralelismo entre la música serial y su obra múltiple y dinámica, jamás estática y capaz siempre de transformarse a medida que el espectador circula frente a ella.

La presencia de la naturaleza se adivina aún en las piezas más “conceptuales” y en aquellas mecánicas, regidas por leyes físicas inviolables. Porque lo que logra Jesús Soto es desbordar toda esa utilería técnica contemporánea y realzar con ella la exhuberancia cromática y formal de nuestra América.

 

FERNANDO UREÑA RIB

FICHA DEL MUSEO

Jesús Rafael Soto nace en Ciudad Bolívar, Venezuela en 1923. Comienza pintando letras y carteles de cine, consigue una beca para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas (1942-1947). En 1947 se le nombra director de una escuela de Arte en Maracaibo, pero no es el ambiente apropiado para las ideas que bullen en su interior, por lo que decide establecerse en Francia en 1950.

En Francia, donde recién comienzan a darle importancia a las corrientes geométricas desarrolladas por Malevich y Mondrian se une a artistas inmersos en las mismas preocupaciones plásticas que él. Estudia a Kandisnky, Klee, Albers, Sophie Taeuber, Moholy-Nagy, Arp, Calder, Duchamp, Gabo, poco a poco va adquiriendo serios conocimientos. Elige eliminar todo carácter gratuito, para evitar los símbolos, se reduce al mínimo través de la abstracción y lo conceptual intentando llegar a las formas puras. También se decide por los colores primarios, los tres secundarios, el blanco y el negro.

“Desde el momento en que comprendo el funcionamiento de la música serial decido aplicar esa noción de lo permutable a un elemento esencialmente pictórico: el color“(Jesús Soto).

Le anteceden Calder y Tinguely, que utilizan el movimiento en su obra, pero él quiere hacer otra cosa, quiere que la obra sea inmóvil, y que a través del movimiento del espectador frente a la obra, éste descubra el fenómeno cinético en toda su pureza, Soto lo busca a través de la “vibración”, (por ello se siente heredero de los impresionistas), y convierte esta vibración en una constante.

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Orlando Menicucci

April 19, 2019 By dillon Leave a Comment

EL CIELO LUMINOSO DE

ORLANDO MENICUCCI

FERNANDO UREÑA RIB

 

LAS IMÁGENES DE ORLANDO MENICUCCI NOS SEDUCEN CASI DE MANERA SUBLIMINAL Y SIN DARNOS CUENTA NOS CONDUCEN A UN MUNDO ETÉREO, PRIMIGENIO Y ESPIRITUAL DONDE EL ALMA ENCUENTRA SUS REFUGIOS PRIMEROS.

LA PINTURA DE ORLANDO MENICUCCI VA FORMANDO CÚMULOS, FORMAS DISCRETAMENTE GRISES, APARENTEMENTE INOCUAS. Y SIN EMBARGO, EL PINTOR, ORIUNDO DE SANTIAGO DE LOS CABALLEROS, DESTEJE ANTE NOSOTROS TODA UNA EXPLORACIÓN INTENSA DE LOS SENTIDOS Y DE LA VIDA, DE LA ESPERANZA, DEL MUNDO MÁS ALLÁ DEL NUESTRO Y COTIDIANO.

UNA EVASIÓN FLUIDA DE MATERIAS EVANESCENTES, TIBIAS, DE UNA CALIDEZ FORMAL INCOMPARABLE, HACEN QUE PENETREMOS HASTA EL CIELO DONDE VIVEN, PLACIDAMENTE, LAS ALMAS QUE COMO LA SUYA, SE ACERCAN PARA MIRAR EL CIELO. 

 

Fernando Ureña Rib 

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Enriquillo Sanchez

April 18, 2019 By dillon Leave a Comment

ENRIQUILLO SÁNCHEZ 

EXALTA LA OBRA DE

FERNANDO UREÑA RIB

DECIR LA PIEL DE FERNANDO UREÑA RIB

Enriquillo Sánchez

Es una distinción presentar esta noche a Fernando Ureña Rib, sobresaliente y significativo pintor dominicano que vive la creación como una aventura y que está siempre abierto al universo y a sus ostensibles y muchas veces ocultas corrientes incesantes.

Decir la piel es un libro espléndido que nos obliga a detenernos y pensar. Miramos atrás y miramos hacia delante. Aquí palpitan un autor y una obra.

Decir la piel, decir el lienzo, decir los cuerpos, decir el mar… Fernando me devuelve la frase, que ya no reconozco y que debo apropiarme de nuevo. No es mía. Ahora nos pertenece. Pertenece a a quienes se han sumado a estas fulgurantes orgías del silencio y han enmudecido frente a las máscaras y los frutos marinos, frente a las trampas de la luz y el deseo, frente a la lluvia y la luz de una arrebatada sintaxis silenciosa.

Las máscaras dicen cuerpos, los cuerpos dicen máscaras. Es la enmascarada dicción del placer, superados los trazos de las vanguardias que atravesaron la centuria para llegar a fin de siglo y reunirnos alrededor de un erotismo sabiamente dicho, que en ningún instante se proclama como tal, sino que se vive y se dice y se hace y se lee.

¿Qué se necesita para leer a Fernando Ureña Rib? Apenas un cuerpo y unos atabales, apenas el deseo y la luz. La mayoría de los discursos han desaparecido y apenas aparece la piel. ¿Quiénes están aquí? Estamos nosotros, pero estamos nosotros reducidos al clamoroso cuerpo que somos.

Y está bien que así sea, acaso porque nuestros cuerpos saben mucho más nosotros. Mi cuerpo sabe más que yo. Prescinde de doctrinas y conceptos y se arroja a la urbana corriente marina, donde encuentra otro cuerpo y otra lengua, y donde la luz lo corona con una sabiduría que desconoces los dictados innecesarios de la historia.

Fernando Ureña Rib parece decirnos que no somos en la historia. Parece decirnos que somos en la piel y en las orquestas trenzadas de la piel. Parece decirnos que los hallazgos estaban y están muy cerca de nosotros, allí donde verdaderamente somos y donde verdaderamente bailamos y donde verdaderamente deseamos.

Lo demás son los manuales. Lo demás son los museos.

Aquí suena una música. Aquí un mar se deshace en los pechos de una doncella enmascarada. Aquí deseo.

Es arte es aventura. Salimos con la palabra o el trazo entre los dientes. De los datos de una temporalidad avasallante salimos a una intemporalidad de fiesta que no cesa. Lo repito: mi cuerpo sabe más que yo. Nuestros cuerpos saben más que nosotros.

Lo que yo sabía -lo que nosotros sabíamos- es ahora historia antigua. Está en los textos escolares y en las solemnes efemérides de la centuria.

Esto no. Esta aventura nunca está escrita. Por más insistamos, esta aventura no la escribe nadie. Es la aventura infinita de nosotros mismos. Es el cuento de nunca acabar, humedecido por furiosas olas oceánicas y por luces que salen del lienzo a rozar otras luces siderales.

La piel es dicha de la piel.

Una gratuidad soberana recorre esta obra.

Las historias que tienen sentido son las que solo podemos decir nosotros.

Las historias de Fernando solo las puede decir Fernando.

Es por eso que él está aquí. Es por eso que estamos aquí nosotros.

Su mirada jubilosa, sensual, penetrante es la deleitosa mirada del deseo.

Sus cuerpos fueron arrojados al aire, a la luz, a la música, como cascabeles o tamboriles de desatinos que nadie averigua.

Estamos ante la insólita paz y quietud del movimiento, ante la inaudita mansedumbre de cuerpos que van tras otros cuerpos.

Es una cierta profanación que los ángeles cometen.

Estamos aquí, pero ya no estamos aquí.

El arte es una suerte de maravilla que desanuda los sujetos. Estamos mudos ante nuevos nudos. Somos cómplices de estos cuerpos y estas máscaras. Son ciertas aéreas y fastuosas complicidades, ciertos atinados desatinos, ciertos fulgurantes juegos que jugamos cuando la piel juega.

Hedonismos de la mesura, hedonismos del silencio, hedonismo de los cuerpos enmascarados que no se pronuncian. Nada se dice aquí, pero todo se dice. Nada se dice aquí, salvo la piel, que no dice nada.

Las líneas de Fernando no parten. Permanecen. Crecen. Están creciendo. Como una tonadilla o una llama, están creciendo. No cesan de crecer.

La piel, que es dicha, está dicha.

Basta la piel. Basta decir la piel.

 

Santo Domingo, 19 de septiembre de 2000

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